Descripción del blog


Este blog educativo está dedicado a la Historia del Arte en general, y a la Historia de las Artes Decorativas y el Diseño en particular (indumentaria, joyería, cerámica...).
Como la figura mitológica de Cassandra, aspira a la verdad, aunque sin pretensiones proféticas.
Todas las imágenes contenidas en esta web tienen exclusivamente una intencionalidad didáctica. Si alguna imagen empleada vulnera derechos de autor, puede solicitar la retirada del material que considere de su propiedad intelectual. El contenido de mis artículos puede ser descargado libremente, pero por favor, cite la procedencia.
Imagen que encabeza el blog: Las rosas de Heliogábalo, Lawrence Alma-Tadema, 1888.

domingo, 27 de julio de 2014

EXPOSICIÓN "FRIVOLITÉ, INDUMENTARIA DEL SIGLO XVIII" EN EL MUSEO SAN TELMO DE SAN SEBASTIÁN


¡Saludos veraniegos y bienvenidos!
Después de varios meses inactivos, vuelve el blog renovado y con nueva imagen. El primer post de esta nueva etapa trata sobre la moda del siglo XVIII.


"No es agradable ver una mujer cortada en dos como una avispa: eso choca a la vista y hace sufrir a la imaginación. La finura del talle tiene, como todo lo demás, sus proporciones, su medida (…). Cuanto constriñe y molesta a la naturaleza es de mal gusto".

Jean-Jacques Rousseau, "Émile ou De l´éducation", 1762.

En pleno casco histórico de la bellísima ciudad de San Sebastián -en vasco Donostia o Donosti-, antiguamente conocida como la "Bella Easo", se encuentra el Museo de San Telmo.





En este museo podemos contemplar, hasta el próximo 28 de septiembre de 2014, una apasionante exposición sobre indumentaria del siglo XVIII con fondos pertenecientes a la colección de este centro artístico.





La muestra plantea un completo recorrido por la indumentaria aristocrática del Siglo de las Luces, estructurada en varios apartados, muy bien documentados y con tejidos y bordados de excelente calidad. Es la primera vez que se exponen en el museo. 
Gran parte de los fondos proceden de la donación de la esposa del pintor Santiago Arcos (Santiago de Chile 1852-San Sebastián 1912).
También podemos encontrar en esta muestra, cuadros, grabados y publicaciones alusivas a la moda y al arte dieciochesco.

Charles Le Brun, Entrevue de Louis XIV Roy de France e de Navarre et de Philippe IV Roy d´Espagne dans l´isle des faisans, 1728. En esta estampa todavía vemos las pervivencias tardobarrocas en la indumentaria, donde se aprecia la diferencia entre la moda francesa y la española.

Grabados del siglo XVIII procedentes de los fondos del museo San Telmo.

Casaca de seda verde clara, con motivos decorativos florales en rojo y verde e hilo metálico. Presenta diez botones grandes de adorno, forrados en hilo de oro y cierre real con corchetes. El calzón está confeccionado con el mismo tejido que la casaca. Lleva cierre de trampa.

"Vestido a la inglesa" de seda rosa con adornos fitomorfos. Largo y abierto por delante, deja ver el brial interior. El cuerpo va armado con ballenas y presenta escote redondeado adornado con encaje. No presenta tontillo sino una especie de almohadilla rellena. 
Abanico y cajita de carey y plata para rapé.

Chupa masculina en satén de seda color marfil forrada en lino con bordados de motivos fitomorfos y cuello de pie. Presenta bolsillos con tapilla. 



Casacas
Casaca de terciopelo de seda labrada con finas rayas alternas en tonos crudos, beige y granate y forrada de lino. Luce botones redondos planos con alma de madera en delantero, bolsillos, espalda y puños.

Calzón de seda en tono hueso forrado de lino. Lleva bragueta con cierre de dos botones. Junto con la chupa y la casaca formaba el terno habitual en el modo de vestir del siglo XVIII. A la derecha, otro calzón masculino, en este caso de color beige forrado de lino. Presenta amplia pretina con botones forrados y cierre de trampa. El calzón se mantuvo a lo largo del siglo XIX, llegando a convivir con el pantalón largo, que adoptó con frecuencia el sistema de cierre de trampa. El cierre de trampa perduró en la indumentaria popular hasta el siglo XX.
Los calzones evolucionaron poco a lo largo de los siglos, pero en el caso de España, cuando los sastres cambiaron la portañuela que cerraba la delantera del calzón por una bragueta más cómoda, los moralistas se indignaron ante tal indecencia y la Inquisición la prohibió. Llegó a permitirse su uso solo a los verdugos. Con el tiempo, la bragueta acabó imponiéndose.


Casaca femenina. Las casacas o caracos se acompañaban de faldas que podían ser de distinto tejido.
Jubón o pirro. Así se llamaba en la España del siglo XVIII a este tipo de cuerpo femenino. Era una prenda de utilización diaria y cercana a la indumentaria popular aunque su uso se extendió entre la aristocracia. Solía ir acompañada de una saya, habitualmente confeccionada con otro tejido. Este tipo de combinación se mantuvo en el siglo XIX en la indumentaria popular. En este ejemplo es un jubón de seda rosa con bordados florales en tonos azul, verde, rosa y crudo.


En primer término, "vestido a la francesa" en seda con aplicaciones metálicas de lentejuelas, tachuelas, cristales… La abertura frontal inferior deja ver una falda interior llamada brial. Partiendo del escote trasero, los pliegues se abren hasta el bajo del vestido a modo de cola.


Vestido de cóctel en gros de Nápoles azul turquesa del diseñador vasco Cristóbal Balenciaga (1936). Es un ejemplo espectacular de la influencia de la moda rococó en este gran diseñador de la Alta Costura.



Chal neoclásico en lampás de seda. Presenta motivos florales y luce el perímetro ornamentado con galón dorado.



Delantal de tafetán de seda rosa con motivos decorativos florales bordados en seda.
Durante el siglo XVIII el delantal se incorporó al vestuario de las mujeres más acaudaladas con un fin meramente ornamental. Llegaron a ser verdaderas obras de arte y se realizaban con todo lujo de materiales y riquísimos bordados. Predominaban los motivos decorativos de carácter vegetal.



Esta almohadilla -que se empleaba como alternativa al tontillo (panier) o al miriñaque- consistía en dos armazones iguales de varillas arqueadas. Podía estar realizada en distintos tejidos. Presenta cintas ataderas para su correcta colocación en la cintura.



Cotilla o corsé de seda amarilla con motivos decorativos florales azules. El escote es recto y está emballenado y forrado con lino. Recordemos que las barbas de las ballenas se convirtieron en el material más apreciado para la confección de los corsés ya que eran flexibles, resistentes y duraderas. Las mujeres los usaban desde su infancia, tanto de noche como de día, a pesar de que los médicos o filósofos como Rousseau criticaban su uso en vano.


Camisa infantil en tafetán de seda rosa. Presenta canesú y escote redondo. Es de forma acampanada y las mangas son anchas y sin cierre en el puño.
Hacia finales del siglo XVIII no existía todavía el concepto de "ropa infantil". Se han conservado pocos ejemplos de este tipo de indumentaria del siglo XVIII.
Gracias a la influencia roussoniana empieza a valorarse la idea de crear vestidos prácticos y cómodos. Serían los ingleses los que preconizarían la confección de vestidos racionales y adecuados al cuerpo de los niños, evitando así, formas opresivas.


Túnicas dalmáticas. Las dalmáticas eran un tipo de vestidura litúrgica que utilizaban los diáconos en celebraciones solemnes. En este caso vemos varias dalmáticas de seda decoradas con motivos florales en diferentes colores y galones dorados de adorno. Al fondo a la izquierda, una capa pluvial.


Capa pluvial. Es un tipo de indumento que se utilizaba en las procesiones para resguardarse de la lluvia.



PARA SABER MÁS:



Audiovisual explicativo sobre la restauración de las piezas expuestas en la exposición

Fuentes documentales de los textos: paneles explicativos de la exposición y elaboración propia.

domingo, 30 de marzo de 2014

CURSO "APRENDIZAJE BASADO EN PROYECTOS"


El curso

El curso “Aprendizaje Basado en Proyectos (ABP)” ofrece una oportunidad de desarrollo profesional a través de la participación en una red de aprendizaje masiva y en línea y gracias al diseño de un proyecto de aprendizaje en un entorno colaborativo.
Participar en esta experiencia nos permitirá conocer proyectos de referencia, analizarlos, diseñar nuestros propios proyectos y entrar en contacto con otros docentes, profesionales o personas interesadas en la educación con quienes no sólo debatiremos sobre esta metodología sino que también serán nuestro principal apoyo y nuestros compañeros y compañeras para el desarrollo de nuestros proyectos. 
A lo largo del curso se podrán conseguir 3 emblemas digitales:
  • Al finalizar la unidad 3: Docente activo
  • Al finalizar la unidad 5: Docente evaluador
  • Al finalizar la unidad 7: Docente ABP
Esta modalidad de formación se hace de forma experimental sin certificación. Solo se entregan los emblemas digitales mencionados como forma de reconocimiento del aprendizaje desarrollado en las actividades del curso y no se certifican "horas de formación". La estimación de carga horaria es solo orientativa. Se espera que la participación en el curso tenga como principal motivación el aprendizaje personal, el desarrollo profesional y la colaboración con otros docentes.
Las actividades de la unidad 1 se abrirán el lunes 31 de marzo.
Información extraída de la web MOOC EDUCALAB

domingo, 23 de marzo de 2014

JOYERÍA Y ORFEBRERÍA DE LA CULTURA MOCHICA


¡Saludos!
Excelente trabajo de María de la Peña Expósito sobre la "Joyería y orfebrería de la cultura mochica". Genial también su exposición, en la que nos transmitió su pasión por esta cultura que tan bien conoce y que disfrutó en su viaje por Perú. ¡Enhorabuena María de la Peña!

jueves, 20 de marzo de 2014

J. SCOTT CAMPBELL


¡Saludos!
Buen trabajo de mi alumno Pablo Pérez Alonso sobre el ilustrador J. Scott Campbell y estupenda su presentación en clase. ¡Enhorabuena Pablo!

miércoles, 19 de marzo de 2014

JOYERIA PRERROMANA EN LA PENÍNSULA IBÉRICA


¡Saludos!
La mayor satisfacción para un profesor es comprobar el progreso y la mejora constante en el proceso de enseñanza-aprendizaje de los alumnos. Por eso me alegro muchísimo de la gran mejora, perceptible en los trabajos y exposiciones, de Carolina Hernández Godoy. Un buen ejemplo es su investigación sobre "Joyería prerromana en la península ibérica". ¡Enhorabuena Carolina!


lunes, 17 de marzo de 2014

LA HEGEMONÍA DEL TRAJE ESPAÑOL EN EL RENACIMIENTO



Retrato de Alejandro Farnesio por Sofonisba Anguissola, c. 1545. National Gallery de Dublin.  Lleva un lujoso tudesco brocado forrado con piel de armiño, el súmmum de la elegancia 

ANÁLISIS DE TEXTOS SOBRE INDUMENTARIA: LA HEGEMONÍA DEL TRAJE ESPAÑOL EN EL RENACIMIENTO Extracto de “El traje en España, un rápido recorrido a lo largo de la historia” por Enriqueta Albizua Huarte, Ed. Arte Cátedra, 2012

“El siglo XVI, con la instauración de las grandes monarquías, ve consolidarse un traje de marcado carácter nacional (…). Cada país desarrolla un modo de vestir propio y hay conciencia de ello. La hay en nuestra península, que en el siglo precedente había creado prendas propias en el traje femenino –de difusión más allá de nuestras fronteras- y que ahora, con los reinados de Carlos V y Felipe II iba a imponer su moda a Europa.
A principos de siglo el traje español mezclaba notas nacionales ocn influencias extranjeras, debidas sobre todo a los dobles matrimonios de los hijos de los Reyes Católicos, Juana y Juan , con Felipe y Margarita de Austria.
Felipe el Hermoso había introducido en España los esplendores de la corte de Borgoña, así como detalles de la indumentaria de Flandes que se intensificaron con la llegada a España de Carlos V. El emperador traería también consigo las modas alemanas, que triunfaban entonces por toda Europa y que aquí se hacían sentir sobre todo en el traje masculino: en las braguetas prominentes, las cuchilladas, cierto tipo de gorras y una capa llamada el tudesco. Italia también hace patente su influencia en el cabello corto de los hombres, algunas gorras y los escotes de los trajes femeninos. Sin embargo, la severa etiqueta de la casa de Austria, su contención en las formas, daría un aire homogenéo y fundía estas diversidades.
España gozaba de un gran prestigio en Europa desde finales del siglo XV tras el descubrimiento de América –que proporcióno una inmensa afluencias de metales preciosos, fuente de lujo para las costumbres y el vestir- la expulsión de los árabes y la unificación nacional. La subida al trono de Carlos V suponía la concentración en su persona del más vasto y poderoso imperio de Occidente; se reunían en sus manos los dominios de Habsburgo y de los Reinos de Castilla y Aragón. Además a partir de 1519 se efectuaba la conquista de Méjico, seguida de la de América Central y del Norte y por otro lado, su matrimonio con Isabel de Portugal y el de su hermana con el rey Juan III aportaban a tan dilatados dominios la corona de Portugal, Brasil y el imperio colonial de las Indias; era el imperio en el que como se diría en tiempos de su hijo Felipe II, “nunca se ponía el sol”. Esta supremacía territorial lo fue también política y tuvo su espaldarazo militar en 1625 cuando el emperador derrortaba al monarca galo Francisco I, en la Batalla de Pavía. A partir de este momento la hegemenía española en el panorama internacional trasciende al campo de la moda y el traje hispano se va a identificar de tal manera con su poderío y prestigio que , a mediados de siglo, vestir “a la española” suponía la suprema distinción.
El carácter domnante del traje español es su sobriedad, su austera elegancia –algo así como un espíritu de “lujo rígido”- su color es el negro, cuya moda se extiende a Italia, Francia e Inglaterra. A este respecto, Baltasar di Castiglione, que había visitado España en 1525 en calidad de nuncio papal, opinaba en su obra “El Cortesano” –publicada en 1528 y libro de cabecera para todo aquel que quisiera ser un perfecto caballero conforme a los ideales de la época – que el negro (convertido en el símbolo de la monarquía española) proporcionaba más atractivo que cualquier otro color a las prendas de vestir y que en su defecto se debía utilizar, como mínimo, un color oscuro. La suya era una apología del traje español al que convertía en adalid de la moda al decir “yo quisiera que el traje atestiguase esta seriedad que conserva tan extraordinariamente la nación española”.
Con la hegemonía del traje español –cuya gravedad no va reñida con el lujo- asistimos a una estilización de las líneas del cuerpo, a su reducción a formas rectas y geométricas tanto en el traje masculino como en el femenino. (…)

domingo, 16 de marzo de 2014

"ARTE Y MODA": PROPUESTA DE TRABAJOS PARA LA TERCERA EVALUACIÓN. ("HISTORIA DE LA INDUMENTARIA", PRIMER CURSO)



¡Saludos!
Aquí os dejo la propuesta de trabajos para la Tercera Evaluación. El objetivo es doble: conocer la historia de la indumentaria a través de las obras de arte y profundizar en el conocimiento de estilos artísticos y sus principales representantes. 
Estas son las pautas del trabajo, comentaréis en detalle los siguientes apartados de la obra que elijáis:

1. IDENTIFICACIÓN-CLASIFICACIÓN.
2. AUTOR.
3. INSTITUCIÓN O COLECCIÓN PÚBLICA O PRIVADA DONDE SE CONSERVA LA PINTURA  OBJETO DE ESTUDIO.
4.CARACTERÍSTICAS DEL ESTILO ARTÍSTICO AL QUE SE ADSCRIBE LA OBRA.
5. COMITENTE/S.
6. DESCRIPCIÓN  DEL PERSONAJE (REAL Y PINTADO) Y DE LA INDUMENTARIA QUE APARECE EN LA PINTURA ASÍ COMO DE LAS JOYAS Y OTROS ACCESORIOS EN EL CASO QUE LAS HUBIERA.
7. RELACIONAR LA INDUMENTARIA QUE APARECE EN LA PINTURA CON OTRAS OBRAS DEL AUTOR.
BIBLIOGRAFÍA.
WEBGRAFÍA.

SELECCIÓN DE OBRAS:

*Del Renacimiento: "MICER MARSILIO Y ESPOSA", LORENZO LOTTO, 1523




* Del Renacimiento: "FEDERICO II GONZAGA, I DUQUE DE MANTUA", TIZIANO, C. 1529



*Del Renacimiento: "GIOVANNA TORNABUONI", DOMÉNICO GHIRLANDAIO, 1489-90



*Del Renacimiento: "MARÍA TUDOR", ANTONIO MORO, 1554



* Del Renacimiento: "LA INFANTA ISABEL CLARA EUGENIA Y MAGDALENA RUÍZ", ALONSO SÁNCHEZ COELLO, 1588



*Del Renacimiento: "ISABEL DE VALOIS" ATRIBUIDO A SOFONISBA ANGUISSOLA



*Del Renacimiento: "CARLOS V CON UN PERRO, TIZIANO, 1533



*Del Renacimiento: "ISABEL DE PORTUGAL", TIZIANO, 1548



*Del Renacimiento: "FELIPE II", TIZIANO, 1551


*Del Renacimiento: "EL PRÍNCIPE CARLOS",  ALONSO SÁNCHE COELLO, 1555-59



*Del Renacimiento: "ENRIQUE VIII", HANS EWORTH A PARTIR DE HANS HOLBEIN, C. 1539


*Del Renacimiento: "ELIZABETH I, THE RAINBOW PORTRAIT", ATRIBUIDO A ISAAC OLIVER, C. 1600




*Del siglo XVII: "MARGARITA GONZAGA", FRANS POURBUS EL JOVEN, 1604-5



*Del siglo XVII: "LA MARQUESA BRÍGIDA SPINOLA DORIA", PEDRO PABLO RUBENS, 1606



*Del siglo XVII: "EL PRÍNCIPE FELIPE PRÓSPERO", DIEGO VELÁZQUEZ, 1659



*Del siglo XVII: "FELIPE IV,  SILVER PHILIP", DIEGO VELÁZQUEZ, C. 1631



*Del siglo XVII: "INFANTA MARGARITA", DIEGO VELÁZQUEZ, 1656



*Del siglo XVII: "LA EMPERATRIZ MARGARITA DE AUSTRIA", JUAN BAUTISTA MARTINEZ DEL MAZO, 1666



*Del siglo XVII: "LA REINA MARIANA DE AUSTRIA", DIEGO VELÁZQUEZ, 1652



*De inicios del siglo XVIII: "LUIS XIV", H. RIGAUD, 1701





*Del siglo XVIII: "MARÍA ANTONIETA" DE ELISABETH VIGÉE-LEBRUN, 1783



*Del siglo XVIII: "MADAME POMPADOUR" POR FRANÇOIS BOUCHER, 1759 




*Del siglo XVIII: "SARAH CAMPBELL" POR SIR JOSHUA REYNOLDS, 1777



*Del siglo XIX: "MARQUESA DE SANTA CRUZ", FRANCISCO DE GOYA, 1805



*Del siglo XIX: "MADAME RÉCAMIER" POR JACQUES-LOUIS DAVID, 1800


*Del siglo XIX: "TERESA CABARRÚS, MADAME TALLIEN" POR EL BARÓN FRANÇOIS GÉRARD, C. 1805




*Del siglo XIX: "LA CONDESA DE VILCHES" DE FEDERICO DE MADRAZO, 1853



*Del siglo XIX: "LA PRINCESA ALBERT DE BROGLIE", JEAN AUGUSTE DOMINIQUE INGRES, 1853



*Del siglo XIX: "MANUEL OSORIO MANRIQUE DE ZÁRATE", FRANCISCO DE GOYA, 1787



*Del siglo XVIII: "LA DUQUESA DE BENAVENTE", FRANCISCO DE GOYA, 1785



*Del siglo XIX: "GASPAR MELCHOR DE JOVELLANOS", FRANCISCO DE GOYA, C. 1798

*Del siglo XIX: "LA MAJA VESTIDA", FRANCISCO DE GOYA, C. 1800