Descripción del blog


Este blog educativo está dedicado a la Historia del Arte en general, y a la Historia de las Artes Decorativas y el Diseño en particular (indumentaria, joyería, cerámica). Moda en el Arte, Arte en la Moda. Como la figura mitológica de Cassandra, aspira a la verdad, aunque sin pretensiones proféticas. Todas las imágenes contenidas en esta web tienen exclusivamente una intencionalidad didáctica. Si alguna imagen empleada vulnera derechos de autor, puede solicitar la retirada del material que considere de su propiedad intelectual. El contenido de mis artículos puede ser descargado libremente, pero por favor, cite la procedencia. Imagen que encabeza el blog: Las rosas de Heliogábalo, Lawrence Alma-Tadema, 1888, colección Pérez Simón

miércoles, 26 de agosto de 2015

HENRI ROUSSEAU, EL CANDOR ARCAICO


La encantadora de serpientes, Henri Rousseau, 1907, óleo sobre lienzo, Alt. 169; Anch. 189, 5 cm.
© RMN-Grand Palais (Musée d'Orsay) / Hervé Lewandowski. Esta obra fue un encargo de Robert Delaunay.



Fuente de la imagen: http://palazzoducale.visitmuve.it/it/mostre/mostre-in-corso/mostra-rousseau-palazzo-ducale/2015/03/6601/rousseau-candore-arcaico-sezione-1/

"E, con Henri Rousseau costruisco la nuova pittura europea"
                                          Carlo Carrà, 1916



¡Saludos!
Entre las exposiciones más recomendables de este verano se encuentra la dedicada, en el Palacio Ducal de Venecia, a Henri Rousseau, el "aduanero" con el sugestivo título de "Henri Rousseau, el candor arcaico". 
Esta muestra, que se puede visitar hasta el próximo 6 de septiembre de 2015, presenta de forma muy didáctica la trayectoria de este artista francés (Laval 1844-Paris 1910), un rara avis situado entre dos siglos que revolucionó, tal vez sin pretenderlo, el panorama artístico de su época. 
Me ha llamado la atención que en esta muestra, aparte de obras originales del autor, se han expuesto réplicas fotográficas de tamaño original de aquellas obras que no han podido traer a esta exposición. 

Heterodoxo y extemporáneo


“Mi hanno detto che non appartengo al mio secolo” (Foto: Luca Zuccala © ArtsLife) 

Henri Rousseau nació en un pueblecito francés, Laval, un paisaje rural plagado de castillos, bosques y ríos.
Procedente de una familia con escasos recursos económicos, desde muy joven tuvo que trabajar, primero en un despacho de abogados. Pasó  fugazmente por el ejército: en 1863 se alistó en la infantería donde oyó historias de soldados que habían participado en las campañas imperialistas de Napoléon III en México. Sobre todo le fascinaban las descripciones de la jungla mexicana.
Se casó dos veces. Dejó el ejército y se estableció en París donde encontró trabajo como recaudador de impuestos -más que aduanero propiamente dicho- en la oficina municipal de París. Nunca fue "aduanero" a pesar de su sobrenombre.

La lección del Louvre

En su tiempo libre se dedicaba a pintar y a copiar sin descanso pinturas y grabados del Louvre. 
A pesar de su reputación de ser autodidacta y antiacadémico, en realidad le daba gran importancia y le encantaba el reconocimiento oficial. Resulta paradójico que buscara sin cesar el reconocimiento académico pero quien lo acoge y promueve serán las vanguardias. En este sentido, hay que destacar que aunque le llovieron las críticas fue un referente para los artistas, intelectuales y coleccionistas de vanguardia y contó con el apoyo de Malraux, Picasso y los Nabis*.

Ingenuidad infantil

Rico de "ingenuidad infantil" le llamaba su gran estudioso Ardengo Soffici.
Expuso por primera vez dos obras en 1885 y al año siguiente participó en el Salon des Indépendants fundado por Georges Seurat, Odilon Redon y Paul Signac bajo el lema: sin jurado y sin premios. Participó allí asiduamente.

Notas distintivas


Yo mismo, autorretrato-paisaje. Henri Rousseau. (Narodni Galerie, Prague.) © Archives Larbor
                           
Esta autorretrato es el manifiesto de su pintura. Según Rousseau, fue el primer retrato-paisaje de la historia y se convirtió en un icono. Lo expuso en el Salon des Indépendents de París en 1890. En la paleta de este autorretrato se aprecia el nombre de Clémence, su primera mujer.

En esta obra podemos apreciar las notas distintivas de su pintura:

*Frontalidad casi hierática.
*Acentuada bidimensionalidad.
*Cromatismo brillante.
*Detallismo.
*Simplificación de las formas.
*Muy dibujístico, marca mucho los contornos.
*Se centra en todos los planos de perspectivas.
*Luz fría, sin sombras ni claroscuros.
*Formas desproporcionadas y jerarquización de tamaño que sirve para enfatizar temas o figuras.


 El Patio, Henri Rousseau, 1896-1898. Óleo sobre tela, cm. 24,6 x 32,9. Paris, Centre Pompidou, Musée National d’art moderne- Centre de création industrielle, Legado de Mrs Nina Kandinsky en 1981. Photo © Centre Pompidou, MNAM-CCI, Dist. RMN-Grand Palais, diritti riservati.
Este óleo denominado "El patio" (1896-98) fue adquirido por Kandinsky y fue expuesto en la primera muestra del grupo Der Blaue Reiter (El Jinete Azul) en Munich.


¡Sorpresa! Una tigresa en una tormenta tropical,
Henri Rousseau, 1881. Wikipedia, public domain. Fuente: 
http://www.nga.gov/exhibitions/2006/rousseau/surprised.shtm#
Esta pintura fue ridiculizada por los críticos  por su ingenuidad infantil, pero al Nabi Felix Vallotton le encantó, señalando que esa tigresa era "el alfa y omega de la pintura". Fue su primera obra en la que mostraba una imaginativa jungla.

En 1893, Rousseau abandonó su trabajo para dedicarse solo a pintar. Por aquel tiempo realizó su alegato contra toda guerra, "La guerra" y la turbadora "El sueño de la zíngara" (MOMA), surrealista avant la lettre. Y es que en algunas de sus obras me parece un anticipo de Magritte...


La guerra, Henri Rousseau, 1894, óleo sobre lienzo, 114 × 195 cm. Fuente: Wikimedia, public domain.



Este cuadro, una de sus obras más importantes, fue denominado también "la cabalgada de la discordia" y hace referencia a la guerra francoprusiana de 1870. 
El paisaje es desolador, la atmósfera apocalíptica, con los cuerpos descompuestos en primer plano. La figura femenina y monstruosa representa la guerra o la muerte. Nos retrotrae al "Triunfo de la muerte" o la "Danza macabra" que pintaran, entre otros, el hermano de Masaccio llamado Scheggia en 1465. También lo acercan a Goya y sus Desastres de la Guerra y a Ensor entre otros muchos.

El triunfo de la muerte, A. di ser Giovanni, llamado lo Scheggia, c. 1465. Fuente de la imagen: http://www.altritaliani.net/spip.php?article2196

Las pinturas más célebres de Henri Rousseau son de naturaleza selvática y animalística, fruto de su imaginación desbordante, ya que nunca salió de Francia.


La encantadora de serpientes, Henri Rousseau, 1907, óleo sobre lienzo, Alt. 169; Anch. 189, 5 cm.
© RMN-Grand Palais (Musée d'Orsay) / Hervé Lewandowski. 

Una de sus obras más fascinantes y evocadoras es "La encantadora de serpientes". En ella contemplamos a una Eva negra con ojos de pantera que domina a la serpiente -y no al revés- con la magia de la música. La atmósfera es a contraluz, dentro de una naturaleza exuberante y lujuriosa.
Fue un cuadro que gustó mucho a los surrealistas y que nos retrotrae a Gauguin en cierta medida.
El sueño de la zíngara, Henri Rousseau, 1897, Fuente de la imagen: Wikimedia, public domain.
Entre Gauguin y el Surrealismo: El sueño, Henri Rousseau, 1910, MOMA. Fuente de la imagen: Wikipedia, public domain.
Henri Rousseau expuso en el Salón de Otoño de París con artistas de la talla de Derain, o Matisse en 1909. Eran los orígenes del Fauvismo.
Hizo tiernos e inquietantes retratos de niños o grupos como "La boda".


La boda, Henri Rousseau, c. 1905. Fuente de la imagen: https://www.google.com/culturalinstitute/asset-viewer/the-wedding-party/eAGtJRGu8YRJiA
Niña con muñeca, Henri Rousseau, 1905, Museo de la Orangerie, París.
         Esta obra me recuerda a los retratos del pintor franco-polaco Balthus (1908-2001).



Retrato de Madame M y detalle, Henri Rousseau, c. 1890, (Foto: Luca Zuccala © ArtsLife). En este retrato femenino podemos observar un vestido de corte Art Nouveau, con mangas jamón y silueta de reloj de arena. Por lo que respecta a la composición anatómica, deja un tanto que desear, tanto en sus representaciones humanas como animales. 
Tuvo algún problema con la ley por algún fraude y sus abogados le defendieron señalando que era muy ingenuo (naif) en todos los sentidos, no solo con su pintura...

Nace el mito

A causa de una infección en una pierna, murió en 1910. 
A partir de 1911, tras su muerte, surgió el "falso" mito: de pintor "dominguero", autodidacta, iletrado y con frecuencia ridiculizado, pasó a ser un referente importante. Es cierto que no estudió en ninguna academia pictórica, pero aprendió copiando a los grandes maestros como al academicista Jean-Léon Gérôme.
El grupo El Jinete Azul le consideró un precursor y Max Weber le alabó inconmensurablemente. Sus pinturas fueron de una novedad absoluta. Ni impresionista, ni simbolista, pasó a ser considerado como un pintor primitivo y naif, un "artesano". 

Le adoraron Robert Delaunay, André Bretón... Fue amigo de Apollinaire y Picasso en 1908 le organizó un banquete que se acabó convirtiendo en un homenaje. En esa reunión rodeada de artistaS, ebrio, le dijo a Picasso: "Usted y yo somos los más grandes pintores de nuestro tiempo. A fin de cuentas, usted hace en modo egipcio lo que yo hago en modo moderno".



*Los Nabis intentaban superar el naturalismo impresionista y crearon un lenguaje basado en el color y la síntesis formal.

Más información: 
En los sitios web de la muestra, en la web general del Palacio Ducal y en su propio microsite. También en este enlace.

viernes, 31 de julio de 2015

RECORRIDO TEMÁTICO POR LA MODA A TRAVÉS DE LOS CUADROS DEL MUSEO THYSSEN

Retrato de una dama, Hans Baldung Grien, 1530?. Colección Museo Thyssen, Madrid

¡Saludos veraniegos!
Una vez más, el Museo Thyssen nos sorprende con sus recorridos temáticos que podemos descargarnos gratuitamente de su web. Anteriormente, recomendamos el de joyas y en esta ocasión, el de Moda a través de las obras de arte del Museo.

Extraemos esta información sobre el recorrido del sitio web del Museo Thyssen:

"La moda constituye una forma de distinción, es una tarjeta de presentación que permite al ser humano exhibir diferentes actitudes ante la vida; indica ruptura o innovación, actualidad o tradición. Refleja las distintas actitudes sociales a lo largo del tiempo. El Museo Thyssen-Bornemisza les invita ahora a hacer un viaje por el mundo de la moda. A través de las obras de su Colección, se puede advertir el paulatino cambio en el lenguaje del estilo. Las obras muestran la evolución de la indumentaria desde el siglo XIV hasta nuestros días. La mirada viaja a través de los siglos, se posa en los tejidos, descubre las texturas, se complace en los colores, se sorprende ante las formas o analiza la pose de cada modelo. Es otro modo de entrar en la Colección Thyssen-Bornemisza para conocerla mejor".
El enlace para descargar el recorrido temático por la Moda a través de los cuadros del Museo Thyssen, aquí.

jueves, 18 de junio de 2015

LA ÉPOCA DE DIÁGUILEV


¡Saludos!
El pasado mes de marzo de 2015 se inauguró en Málaga, el Museo Colección de Arte Ruso con fondos procedentes del Museo Estatal de San Petersburgo. 
Este centro artístico nos propone un recorrido por lo más granado del arte del país eslavo: desde el siglo XV hasta las vanguardias del siglo XX. 
Con este museo se acrecienta la oferta cultural de la bella ciudad andaluza, donde también podemos disfrutar de los museos Picasso,  Thyssen,  Automovilístico -que incluye  una espléndida colección de indumentaria del siglo XX- y el Centro Pompidou, éste último también de reciente inauguración.


Exterior del Museo de Arte Ruso de Málaga, un edificio rehabilitado que antiguamente fue la fábrica de tabaco de la ciudad. 

La primera exposición temporal de este museo está dedicado a "La época de Diáguilev". 
Sergei Diáguilev (1872-1929) fue una figura seminal de la Belle Èpoque, a caballo entre Rusia y Europa, entre el siglo XIX y el XX. Connoisseur y diletante, además de afamado empresario, dotado de un gusto exquisito y un "radar" especial para detectar y patrocinar las experiencias artísticas más vanguardistas, su ámbito de acción fueron la ópera y los célebres Ballets Rusos que llevaban su nombre. 
Esta muestra, que se puede visitar hasta el mes de julio, pretende rendirle tributo mostrando su contribución no solo a la ópera, y al ballet sino también al arte del momento. Recordemos que fundó con Benois la revista "El Mundo del Arte" así como patrocinó diversas exposiciones bajo ese mismo nombre. Lo interesante de Diáguilev es que supo ser, buscando el arte total, el nexo de unión entre la pintura, la música, la danza y la moda. 
A través de la exposición dedicada a Diáguilev y su época, podemos disfrutar de 69 piezas entre pinturas, dibujos, esculturas, cerámicas, fotografías y piezas de vestuario, debidas a creadores como León Bakst, Nathan Altman, Mijaíl Vrúbel, Zinaida Serebriakova, Alexandr Golovín o Boris Kustódiev.
Aquí os dejo varias imágenes de esta apasionante exposición:



          
                   Autorretratos (Arlequín y Pierrot), Vasili Shujáiev y Aleksandr Yákovlev, 1914.


                         Retrato de Sergei Diáguilev y su nanny, León Bakst, 1906. Posiblemente esta es la imagen más conocida del legendario empresario ruso.


Autorretrato, León Bakst, 1893


La cena, León Bakst, 1902. Este retrato a lo Toulouse-Lautrec en su versión más Art Nouveau muestra a una femme fatale con su media sonrisa y aire felino. Es  Anna Benois, mujer del artista Alexander Benois, muy vinculado a los Ballets Rusos de Diáguilev.  



        Ivan Bilibin, Cubierta del programa para la ópera de Mussorgsky "Boris Godunov", 1908.


                          Atardecer. Luna. Isaac Levitan, 1899


              Retrato del coleccionista Alexander Korovin, Boris Grigoriev, 1916.


          
                Retrato de René Nothaft, Boris Kustodiev, 1914.



                  Vestuario y escenografía para el ballet "Pétrouchka" de Igor Stravinsky, 1917.



                    Princesa, Vestuario para el ballet "Islamey", Boris Anisfeld, 1911.


                    Diseño para el mimodrama-ballet "La leyenda de José" de Richard Strauss, Léon Bakst, 1914.

  
       Don Carlos. Traje diseñado  para la comedia de Molière "Don Juan", Aleksandr Golovín, 1910.

Reconstrucción de vestuario para la tragedia de Eurípides "Hipólito" según diseños de León Bakst, Teatro Alexandrinsky, San Petersburgo, 1902 y de la ópera "Orfeo y Eurídice" de Christoph Willibald, según diseños de Alexander Golovin, Teatro Marinsky, San Petersburgo, 1911.





MÁS INFORMACIÓN: en la web del Museo
y más imágenes aquí

domingo, 7 de junio de 2015

ACCESORIOS DE LA MODA ROCOCÓ: SOMBREROS, PELUCAS Y PEINADOS (I)


María Antonieta o "Madame Déficit", icono de la moda del siglo XVIII. Joyas y plumas adornan su cabello. Fuente de la imagen: https://www.pinterest.com/larosecouture/18th-century-ladies-hairdo/



Madame du Barry retratada por François-Hubert Drouais, Fuente de la imagen: Wikipedia. Public domain.
¡Saludos!
Durante el siglo XVIII podemos destacar la sucesión de tres estilos artísticos sucesivos:
*Tardobarroco o Barroco tardío, continuación del estilo predominante durante el siglo XVII.
*Rococó o estilo rocalla ("rocaille" en francés): aristocrático y hedonista, netamente francés pero con gran difusión por centro Europa, Alemania, Italia..
*Y el Neoclasicismo, antítesis de la exuberancia ornamental del Barroco y Rococó en busca de una vuelta a los ideales del mundo clásico.

Por lo que se refiere a la indumentaria femenina, el siglo XVIII es una de las etapas más apasionantes y espectaculares. Y con respecto a los accesorios, el capítulo de peinados, tocados, pelucas y sombreros no ha tenido parangón a lo largo de la historia de la moda occidental.
Conocemos el nombre de algunos diseñadores como la francesa Rose Bertin, sombrerera y modista de la reina María Antonieta, denominada ya en la época como "Ministra de la Moda" o Léonard Autié, el afamado peluquero de María Antonieta y la condesa du Barry.


                   
                            Rose Bertin, Fragonard, Met Museum, Fuente: metmuseum.org. 


Léonard tenía otros dos hermanos que también eran peluqueros en la corte y los tres se hacían llamar Monsieur Léonard. Fuente de la imagen: Wikipedia, public domain.

Las denominaciones de los peinados y tocados del rococó francés, en los que abundaban flores, plumas, cintas, joyas -como collares de perlas- y todo tipo de ornamentos no puede ser más extravagantes e imaginativas:
Dos ejemplos de peinados característicos del Rococó francés.   El de la derecha se denomina "bandeau d´amour".


Fuente de las imágenes: http://www.americanrevolution.org/clothing/frenchfashion2.php

Peinado "a la Independencia o el triunfo de la Libertad", c. 1778. Fuente de la imagen: https://artstor.wordpress.com

Literatos y filósofos de la época así como grabadores e ilustradores no reprimían sus críticas y comentarios mordaces ante las modas rococó en peinados, pelucas y sombreros.
Gustos ridículos o la absurdidad de las mujeres, caricatura de Matthew Derby, 1771. British Museum. Fuente de la imagen:http://www.fashioningtheearlymodern.ac.uk/wordpress/wp-content/uploads/2011/04/British-Museum.jpg


Fuente de la imagen: https://oliaklodvenitiens.wordpress.com/tag/leonard-autie/


                          
Guardarropa femenino, Daniel Chodowiecki, 1770. Obsérvese el detalle del pannier o miriñaque en la izquierda cuidadosamente recogido y colgado para que no ocupe espacio. La cabeza del maniquí muestra una peluca. Fuente de la imagen: wilanow-palac.pl

Los retratos de la pintura del siglo XVIII son una fuente iconográfica esencial para estudiar la moda en general, y los peinados y tocados en particular ligados al estilo rococó, también llamado "estilo rocalla".
Junto con Sir Joshua Reynolds, Georges Romney está considerado como uno de los retratistas más impresionantes del siglo XVIII inglés. En sus pinturas refleja con todo detalle la moda de la época, y en especial queremos destacar sus grandes tocados y sombreros a la moda ("chapeau à la Marlborough", "à la Devonshire"...). Eran de gran tamaño y alas extremadamente anchas con vistosos lazos. Este tipo de sombrero causó furor en Francia y otros países gracias a María Antonieta y a su sombrerera Rose Bertin.
Los sombreros "à la Marlborough" eran muy parecidos a los denominados por la reina de Francia "à la Devonshire" en honor de su elegante amiga Georgina, duquesa de Devonshire. 



La duquesa de Devonshire retratada por Thomas Gainsborough, c. 1785. Porta uno de sus espectaculares sombreros que hace honor a su título. Fuente de la imagen: Wikipedia. Public domain.

                                
Retrato de Mrs. Robert Trotter of Bush, c. 1788-89, Georges Romney, Tate Gallery, Londres. Fuente de la imagen: http://www.tate-images.com/results.asp?image=N02943


                     
                    Retrato de Lady Caroline Price, Georges Romney, 1774. Gran sombrero con cinta azul y plumas.




En este detalle del retrato de Mrs Musters (1779-80) por Georges Romney podemos contemplar un "chapeau à la Marlborough". Fuente de la imagen: http://georgianaduchessofdevonshire.blogspot.com.es/2010_09_01_archive.html


La influencia de la moda rococó es perceptible también en algunos espléndidos retratos realizados por Francisco de Goya como la Condesa de Benavente o la Marquesa de Pontejos:


La Condesa de Benavente y Duquesa de Osuna, F. de Goya, Fundación Bartolomé March, c. 1785. Fuente de la imagen: Wikipedia.


Marquesa de Pontejos, F. de Goya, c. 1786. Fuente de la imagen: Wikipedia. Public domain.


Otros ejemplos de retratos realizados por diversos autores en los que encontramos peinados con cintas, joyas o flores:

    Retrato de una joven, George Romney, 1777. Fuente de la imagen: http://lareinederetro.blogspot.com.es/2014/01/xviii-wiek-w-barwach-nieba-i-morza.html


  
                   Sofia Potocka, Biblioteca Nacional, Varsovia. Fuente de la imagen: http://www.wilanow-palac.pl/galeria/1547/0/foto/0


               
                         Maria Amelia Augusta, c. 1780. Fuente de la imagen:  wilanow-palac.pl


PARA SABER MÁS










RECURSOS EN RED

http://thehistoryofthehairsworld.com/el_cabello_en_el_siglo18.html
https://oliaklodvenitiens.wordpress.com/tag/leonard-autie/
http://vivelareine.tumblr.com/post/24637744651
http://mimic-of-modes.blogspot.com.es/2012/09/chapeau-la-spa-or-la-devonshire.html
https://archive.org/details/cu31924024290623
http://inspiringdresses.tumblr.com/post/18738354806/more-details-about-rococo-mme-bertin-marie