Descripción del blog


Este blog educativo está dedicado a la Historia del Arte en general, y a la Historia de las Artes Decorativas y el Diseño en particular. Apuntes de Fundamentos del Arte I y II. Resúmenes de Historia de la Indumentaria. Cine en el Arte, Arte en el Cine. Todos los textos han sido escritos por la autora del blog, Ana Galván Romarate-Zabala. Si los utilizas, cita las fuentes. Todas las imágenes contenidas en esta web tienen exclusivamente una intencionalidad didáctica. Si alguna imagen empleada vulnera derechos de autor, puede solicitar la retirada del material que considere de su propiedad intelectual. El contenido de mis artículos puede ser descargado libremente, pero por favor, cite la procedencia. Imagen que encabeza el blog: Un Bar aux Folies Bergère, Édouard Manet, c. 1882. Courtauld Institut, Londres. Fuente de la imagen: Wikimedia Commons. Public Domain

domingo, 30 de octubre de 2016

ACTIVIDAD "FUNDAMENTOS DEL ARTE II. TEMA 3". PINTURA ENTRE DOS SIGLOS, XIX Y XX


Regreso de la pesca, Joaquín Sorolla, 1895. Fuente de la imagen: Museo del Prado

¡Saludos!
En el tema 3 estudiaremos distintas corrientes artísticas relativas a los siglos XIX e inicios del XX.

ACTIVIDAD EN GRUPO SOBRE PINTURA DE LOS SIGLOS XIX-XX

*Realización en grupos de tres alumnos de un esquema o mapa conceptual sobre una de las siguientes obras de arte que expondréis en el aula.

Cada grupo tendrá que analizar:

*Título y tema de la obra.
*El autor.
*Estilo y corriente estética a la que pertenece (señalando las características del mismo)
*Características formales y técnicas del cuadro en cuestión: color, dibujo, perspectiva,  composición, influencias…

 SIMBOLISMO 

1."LEDA Y EL CISNE", GUSTAVE MOUREAU, 1865-75


Fuente de la imagen: Museo Moureau, París.

2. SIMBOLISMO

"RETRATO DE VIOLETTE HEYMANN", ODILON REDON, 1910. MUSEO DEL ARTE DE CLAVELAND, ESTADOS UNIDOS.


Fuente de la imagen: Wikipedia, Public Domain

3. GRUPO "LOS NABI" 

"EL TALISMÁN", PAUL SERÚSIER, 1888, MUSEO DE ORSAY, PARÍS
Fuente de la imagen: Wikipedia, Public Domain.

4. MANET, PADRE DE LA PINTURA MODERNA Y DEL IMPRESIONISMO

"EL ALMUERZO CAMPESTRE", ÉDOUARD MANET, 1863, MUSEO DE ORSAY, PARÍS

Fuente de la imagen: Wikipedia, Public Domain

5. IMPRESIONISMO

"IMPRESIÓN, AMANECER", MONET, 
MUSEO MARMOTTAN, PARIS, 1872

Fuente de la imagen: Wikipedia, Public Domain

6. POSTIMPRESIONISMO

"NOCHE ESTRELLADA", VAN GOGH, 1889, MOMA, NUEVA YORK

 Fuente de la imagen: Wikipedia, Public Domain


7."MATA MÚA" (Érase una vez), GAUGUIN, 1892



Fuente de la imagen: http://www.madridoriginal.com/en/guided-tours-a-programs/exhibitions-in-madrid/past-exhibitions/item/85

8. "AUTORRETRATO EN LA MULTITUD EN EL MOULIN ROUGE" HENRY DE TOULOUSE-LAUTREC, 1892



Fuente de la imagen: Wikipedia, Public Domain

9. LUMINISMO 

"CHICOS EN LA PLAYA", JOAQUÍN SOROLLA, MUSEO DEL PRADO, 1909


Fuente de la imagen: Museo del Prado


10. "El pensador", Rodin. 


11."En el balcón", Berthe Morisot, Impresionismo, 1871-72










VIDEO SOBRE SIMBOLISMO



VIDEO SOBRE "LOS NABIS":




VIDEO SOBRE EL IMPRESIONISMO:




VIDEO SOBRE EL POSTIMPRESIONISMO:


VIDEO SOBRE SOROLLA

Y extractos de los apuntes sobre:


SIMBOLISMO

El Simbolismo fue una corriente cultural, fundamentalmente literaria y pictórica, que surgió en las últimas décadas del siglo XIX y se extendió hasta los primeros decenios del siglo XX. 
El término Simbolismo fue acuñado por un poeta francés Jean Moréas en 1886  en su manifiesto simbolista para definir aquellos poetas que expresaban sentimientos profundos y personales, revistiendo la idea de una forma sensual. Pronto comenzó también a designarse con este vocablo a aquellos artistas que rechazaban el naturalismo pictórico –como por ejemplo la pintura academicista  o la  impresionista- para abogar por un arte más subjetivo, imaginativo y fantasioso. Es un arte con un fuerte contenido poético, incluso místico en algunos casos. 
Los simbolistas eran estetas y exquisitos, que valoraban la belleza como bien supremo y rechazaban la vulgaridad de la vida moderna. Proclamaban sin ambages el carácter elitista de su arte.
El Simbolismo surgió en Francia y se difundió por Europa (Bélgica, España, etc.). Sus principales representantes fueron Gustavo Moreau, Pierre Puvis de Chavannes y Odilon Redon y muchos otros, que, al menos tangencialmente, se acercaron con sus obras a los postulados simbolistas como Van Gogh o Gauguin, ambos simbolistas a su manera. Y es que el Simbolismo supera nacionalidades, límites cronológicos y estilos personales.
Los simbolistas son herederos del Romanticismo, y tienen como precedente a los pintores nazarenos, a los prerrafaelitas y a William Blake, que en muchos aspectos anticipa ya el simbolismo. Serán derivaciones del Simbolismo el grupo de pintores de Pont -Aben, los Nabis y el Modernismo o Art Nouveau.
En realidad, como bien señala Julián Gállego hablar de arte simbolista  es una redundancia porque todo arte es simbólico aunque lo creamos realista. Un cuadro o una escultura no es una mera copia de la realidad sino una interpretación de la misma. El contenido simbólico puede ser religioso, filosófico, político, social, sensual, etc. Para Gállego, el Simbolismo es expresar lo inexpresable de una manera exquisita. Daban forma a lo inefable como sueños y visiones.
En la temática pictórica simbolista abundan las escenas de carácter literario, bíblico o mitológico. 
Combinan cierto misticismo pagano con lo perverso y decadente, presentando así, un interés por el ocultismo, lo mórbido, el mundo de los sueños, la melancolía, el mal –satanismo- y la muerte. 
El erotismo está muy presente en algunos pintores simbolistas que suelen representar a una mujer fatal que destroza cuando ama, una mujer que adopta forma de esfinge, sirena, araña, o genio alado diabólico.
El Simbolismo, como también el Romanticismo, fomentaba el escapismo, el huir de la realidad y de los convencionalismos burgueses. Poetas y pintores buscaban paraísos artificiales a través de las drogas como el hachis o el alcohol.
La pintura simbolista suele privilegiar la mancha sobre el dibujo y presenta un vivo colorido, utilizado muchas veces de forma arbitraria (un rostro azul, un paisaje amarillo, etc.) antecedente de la vanguardia fauvista. 
En las composiciones se aprecia la influencia de las estampas japonesas (en los colores planos, las perspectivas en diagonal, etc.)
La pintura simbolista es según, su máximo experto, el escritor francés Albert Aurier:
*Ideista: porque refleja una idea mediante símbolos.
*Sintética y de fácil apreciación.
*Subjetiva: porque refleja la interioridad y la personalidad del pintor o escultor.
*Decorativa. En principio, todo buen arte es decorativo y el simbolismo lo es, en un sentido similar como lo fue el arte egipcio o el griego.

Los NABIS

Desde 1888 hasta 1899 se desarrolló en Francia un grupo de artistas de origen simbolista denominado “Les Nabis”. Nabí viene del hebreo y quiere decir “profeta”. Se consideraban profetas de un arte nuevo, antinaturalista y cercano a los presupuestos simbolistas y al Japonismo.

Los Nabis intentaban superar el naturalismo impresionista y crearon un lenguaje basado en el color y la síntesis formal. Adoptaron como cuadro emblemático, verdadero manifiesto del grupo, un paisaje pintado por Paul Sérusier llamado “El talisman” (1888).
Los nabís, además de rechazar las jerarquías tradicionales entre artes mayores y menores, trabajaban las técnicas decorativas. Participaron en la renovación del arte del grabado y los carteles ilustrados. Crearon decorados, trajes para teatro... En el Museo de Orsay hay una gran colección de arte nabí. En 1900 tuvo lugar la última exposición conjunta del grupo.
Las referencias para estos pintores fueron:
El sintetismo de Gauguin y Bernard.
El Art Nouveau, que está en pleno desarrollo en la década de los 90's.
El arte japonés.
El simbolismo.
Después de la partida de Gauguin a Tahití, el grupo se fue desintegrando progresivamente y se escindirá en dos ramas:
*Los espirituales, con Maurice Denis a la cabeza. Vuelven a las fuentes religiosas del arte, el misticismo, la leyenda, la alegoría, el sueño... Entraron en contacto con sectas; estaban atraídos por los filósofos orientales, se sumaban a la idea de la superioridad de la intuición sobre el intelecto.
*Los decorativos, con Pierre Bonnard, Édouard Vuillard, Roussel... Tienen un punto de vista más escéptico sobre la misión del arte como medio de remover las conciencias. Apuestan por la armonía estética, un orden abstracto dentro de la representación, y parten de la herencia de Cézanne y Seurat.

IMPRESIONISMO

Denominamos Impresionismo al movimiento pictórico que surge en París en el último cuarto del siglo XIX. Nace como una evolución del Realismo y de la Escuela paisajística francesa del siglo XIX. Se aplica no sólo a la pintura sino también a la música y a la literatura. 
Podemos definirlo como un estilo que tiende a captar más la impresión sobre el ánimo que la copia de la realidad. Es más sensual e inmediato que intelectual.
Cronológicamente, el Impresionismo se fragua hacia la década de 1860 hasta 1880, pero la primera exposición del grupo impresionista fue en el año 1874 en el estudio fotográfico de Nadar en París. 
Los impresionistas consiguieron cambiar la visión del mundo, nos ofrecen una nueva visión de la realidad.
El nombre de Impresionismo procede de un cuadro de Monet titulado Impresión, sol naciente. En los primeros momentos se utilizaba el término impresionismo con carácter despectivo. Se asociaba con la idea de lo temporal, lo efímero, lo llamado a desaparecer (sol, luna, agua…). Podemos considerarla una tendencia pictórica más aristotélica que neoplatónica ya que busca más la imitación de la realidad que la creación.

El Impresionismo no es una escuela, ni un grupo que se uniera en torno a un manifiesto o programa concreto. Ningún interés de tipo ideológico o político unía a los impresionistas. No tenían un programa concreto aunque coincidían en:
*Su aversión por el arte académico.
*Desinterés total por el “tema”.
*Preferencia por el paisaje. 
*Trabajo al aire libre: plein air

Es el encuentro de varios artistas con unas actitudes y preocupaciones comunes. Trabajan los mismos asuntos, dentro de una tendencia realista, pero cada uno con su propio estilo.
Las pinturas impresionistas presentan un aspecto inacabado, lleno de soltura y aparente improvisación, más sensual e inmediato que intelectual.
No buscan representar temas transcendentales, espirituales o apasionantes como los románticos.  Se centran en motivos de la vida burguesa: la ciudad, la noche, las excursiones campestres, los  cafés, los teatros…
El Impresionismo refleja las transformaciones sociales y filosóficas de la sociedad de la época: por un lado, el florecimiento de la burguesía, por otro, la llegada del positivismo. La burguesía, como nuevo fenómeno social, trae sus propios usos y costumbres; unos   afectan al campo, que deja de ser lugar de trabajo para convertirse en lugar  de ocio: las excursiones campestres. Es el mundo retratado por Monet y Renoir.
La ciudad, por el contrario, se convierte en nuevo espacio para la nueva clase social: aparecen los flanneurs, paseantes ociosos que se lucen y asisten a conciertos en las calles y jardines de París. También cobra relevancia la noche y sus habitantes, los locales nocturnos, el paseo, las cantantes de cabaret, el ballet, los cafés y sus tertulias. 
Es un mundo fascinante, del cual los impresionistas extraen sus temas: en especial  Degas o el postimpresionista Toulouse-Lautrec. Porque para ellos se han terminado los temas grandiosos del pasado. Para los impresionistas, por influencia del positivismo, cualquier objeto natural, visible, afectado por la luz y el color,  es    susceptible    de    ser    representado    artísticamente.    El      cuadro impresionista se vuelca pues en los paisajes, las regatas, las reuniones domingueras, etc.

La pintura impresionista se caracteriza, en líneas generales por:
*Captar el instante.
*La luz es la protagonista: los objetos sólo se ven en la medida en que la luz incide sobre ellos. La luz y sus efectos cambiantes son los verdaderos temas del cuadro. Un mismo tema es pintado repetidas veces a diferentes horas del día. Las formas y los objetos cambian en función de la  intensidad de la luz. El cuadro es simplemente un efecto de luz.
*Coloración de las sombras: Desaparecen los contrastes de claroscuro, y el dibujo se extingue o se reduce. No utilizan prácticamente ni el blanco ni el negro porque no existen en la naturaleza. Emplean tonos puros, usan solo colores complementarios para indicar sombras.
*Pincelada suelta: prefieren la mancha pastosa y gruesa. Utilizan toques yuxtapuestos de colores para producir un efecto a cierta distancia. Generalmente no hay un dibujo que proceda al cuadro.
*Nueva valoración del espacio: se consigue con ángulos y encuadres mucho más atrevidos, Las figuras, a veces, no ocupan “el centro” del cuadro y están cortadas por los bordes del cuadro: se trata de un modo de ver próximo al del la fotografía. Suelen aparecer grandes diagonales.

En un principio, los impresionistas no tuvieron la apreciación  del público. Pero pronto contaron con dos fuerzas sociales emergentes: la crítica de arte, que se encargará de encauzar el gusto del público; y los marchantes, los vendedores de arte, que colocan sus cuadros en las mejores colecciones del país. Las tertulias, los Salones extra-oficiales y el propio escándalo se convirtieron  en vehículos propagandísticos del nuevo estilo. Al principio, la crítica de arte les acusaba de atacar las buenas costumbres artísticas, que no respetaban a los maestros, que sus pinturas no tenían “tema”, que les faltaba dibujo y que dejaban las obras sin terminar.

El Impresionismo cuenta con varias influencias en su configuración:
*los paisajistas del Realismo francés del siglo XIX (Escuela de Barbizon).
*el romántico inglés Turner.
*las referencias, especialmente de color y composición, del Siglo de Oro español (Velázquez sobre todo). También Goya con la lechera de Burdeos.
*las estampas japonesas, muy de moda en la época.
*el surgimiento de la fotografía. No está claro si la espontaneidad de la captación del momento la aprende el Impresionismo de la fotografía o, más bien, ésta es la alumna de aquél.
           
El resultado es una pintura amable, hedonista, alegre, frecuentemente de paisaje, llena de luz y color, con pinceladas muy cortas que a veces dejan entrever el blanco del lienzo. No son cuadros grandes puesto que responden a encargos privados. Están alejados de cualquier compromiso social (casi todos los impresionistas se fueron de vacaciones al campo o a Inglaterra durante la represión de los movimientos obreros de la década de 1880) y no tardaron en ser refrendados por  una amplia aceptación social, de esta burguesía que se veía retratada en los lienzos impresionistas.

El Impresionismo ha sido uno de los movimientos pictóricos más valorados en  toda la historia del arte. Algunas pinturas impresionistas han alcanzado precios estratosféricos en las subastas internacionales de arte y las exposiciones de sus obras suelen atraer a miles de espectadores. Ha sido clave en el desarrollo del arte posterior,  especialmente del postimpresionismo y las vanguardias.
Los impresionistas se agruparon en torno a la figura de ÉDUARD MANET, el llamado  “padre de los Impresionistas”, un gran artista incomprendido. Es el eslabón entre el Realismo  y el Impresionismo pero no es plenamente impresionista. Los principales representantes de este  movimiento  pictórico  son  Monet,   Renoir, Degas, Pizarro (de origen español), Sisley (de origen inglés), Berthe Morisot, Mary Cassat, etc.

POSTIMPRESIONISMO

El término Postimpresionismo fue acuñado por el crítico de arte Roger Fry en 1910 para denominar los estilos pictóricos de finales del siglo XIX e inicios del XX que se suceden tras el Impresionismo.  Fry creó esta denominación con motivo de la exposición celebrada en ese año en Londres con pinturas de Paul Cézanne, Paul Gauguin y Vincent van Gogh.
Los postimpresionistas se habían formado en el impresionismo, pero superan sus investigaciones y contribuyen a importantes  avances en el arte del siglo XX. En realidad sus personalidades y su manera de entender la pintura presentan enormes diferencias, pero todos compartieron los inicios en el impresionismo y la reacción contra él.
Sobre sus conquistas (tintas plantas, color arbitrario con fines simbólicos o expresivos…) se fundarían además los desarrollos de fauvistas y cubistas de inicios del siglo XX.
Aunque los postimpresionistas basaron su obra en el uso del color experimentado por los impresionistas, reaccionaron contra el deseo de reflejar fielmente la naturaleza y presentaron una visión más subjetiva del mundo. El pintor francés PAUL CÉZANNE (1839-1906) está considerado como “el padre del arte moderno”. Vivió casi toda su vida en el sur de Francia, en Aix-en-Provence. Su obra sentó las bases de la transición entre la concepción artística decimonónica hacia el mundo artístico del siglo XX, nuevo y radicalmente diferente. Fue un pintor muy innovador. Tenía influencias de la pintura de El Greco. Estaba interesado en la simplificación de las formas, en reducirlas a su esencia geométrica: “Todo en la naturaleza se modela según la esfera, el cono, el cilindro. Hay que aprender a pintar sobre la base de estas figuras simples; después se podrá hacer todo lo que se quiera.” Quería "convertir al impresionismo en algo más sólido y duradero, como el arte de los museos". Trabaja obsesionado por la composición y decidido a negar la distinción entre dibujo, línea, plano y color. Plantea una nueva construcción del espacio y sus investigaciones anticipan el cubismo. Sin  embargo, mientras vivió, Cézanne fue un pintor ignorado en gran parte por la crítica y el público, siendo apreciado sólo por algunos impresionistas y, por unos cuantos artistas jóvenes radicales de la línea del postimpresionismo, entre los que se incluían, entre otros, Vincent van Gogh y Paul  Gauguin.
Fue amigo de la infancia del escritor Émile Zola que le retrató en su novela L´oeuvre (la obra) para gran enfado del pintor. La exposición retrospectiva de Cézanne del año 1907 en París le situó como uno de los artistas más influyentes del siglo XIX preludiando el  advenimiento  del Cubismo. Fueron las exploraciones de Cézanne de simplificación geométrica y fenómenos ópticos las que inspiraron a Picasso, Braque, Gris, y otros para experimentar con múltiples visiones aún más complejas del mismo tema, y, con el tiempo, a la fractura de la forma. Hay una frase, atribuida tanto Matisse como a Picasso, según la cual «Cézanne es el padre de todos nosotros».
Henri Matisse, admiraba su manejo del color y Pablo Picasso se basó en su forma de componer los planos para crear el estilo cubista.
Sólo con su muerte le llegó el éxito.
La pintura de Cézanne se centró casi siempre en los mismo motivos: bodegones, paisajes o figuras, que repite con objeto de explorar su dimensión volumétrica, pero sin recurrir al claroscuro. Huye de la búsqueda de dinamismo. Hace composiciones muy rigurosas en base a líneas geométricas (verticales, horizontales.) Marca mucho los volúmenes y los planos, no es nada etéreo. Llegó a los límites de la abstracción. Entre su genial producción destacamos las bañistas, los jugadores de carta, la montaña de St.Victoire y sus increíbles bodegones, claros precedentes del cubismo. Los cuadros terminan siendo una creación mental, se alejan paulatinamente del modelo.

PAUL GAUGUIN (1848-1903) era también de origen francés. De biografía sugestiva, tenía ascendencia española y tuvo varios oficios. Crítico constante de la sociedad en la que vive, huye de París y trata de encontrar nuevos horizontes, primero en la región francesa de Bretaña y luego en la lejana Tahití, lo que le supone entrar en contacto con culturas primitivas que marcan profundamente su pintura. Las mujeres son su auténtica preocupación iconográfica y pretexto para sus investigaciones. También los retratos de amigos y sus autorretratos.

Profundizó en diversas técnicas: pintura al óleo, escultura, tapices, grabados, etc. Le apasionaba el arte medieval, las miniaturas, las vidrieras y los esmaltes y también las culturas orientales, exóticas y primitivas. Este camino le lleva a exaltar el color y a simplificar las formas. Extiende el color en campos extensos dentro de gruesas líneas. Rechaza la perspectiva, suprime el modelado y las sombras y siente predilección por formas planas y líneas definidas. No tiene interés por la luz. En todas sus obras se impone un contenido de tipo simbólico. Tenía un talento enorme para la composición y el color. Sus líneas sinuosas nos retrotraen al modernismo. Muestra un mundo paradisíaco. Es un precedente claro de la pintura expresionista de vanguardia.

Entre sus obras destacamos El Cristo amarillo, Mujeres tahitianas, Jacob y el ángel, Paisaje tahitiano, ¿De dónde venimos? ¿Qué somos? ¿Adónde vamos?.

VINCENT VAN GOGH (1853-1890), fue un pintor holandés y figura destacada del Postimpresionismo. Encarna el prototipo de artista incomprendido en vida y reivindicado hasta el paroxismo por la posteridad. Nació en el seno de una humilde familia de origen protestante. Fue un místico heterodoxo. Recibió los mismos nombres -Vincent Willem- que se impusieran a un hermano que nació muerto justo un año antes que él, el mismo día 30 de marzo; como si fuera un presagio de su atormentada existencia. Llegó a pintar 900 cuadros (27 de ellos autorretratos) y 1.600 dibujos, además de escribir 800 cartas, 650 de ellas a su hermano Theo Van Gogh. Pero sólo vendió un cuadro en su vida. Su talento fue inconmesurable pero fue un incomprendido. Padeció toda su vida una gran inestabilidad mental, mitigada en parte por el apoyo incondicional de su queridísimo hermano Theo.
Durante toda su vida se enorgulleció de ser un gran autodidacta. Obsesionado con La Biblia, en su juventud quiso hacerse teólogo y misionero. De hecho, trabajó como misionero en Bélgica durante varios meses. Allí dió todo lo que tenía a los mineros: ropa, dinero y comida, además de realizar sus primeras pinturas.
Rembrandt le influyó muchísimo y también las estampas japonesas, fueron cruciales en su producción.
En 1886  se mudó a París, para vivir junto a su hermano Theo y empezó a codearse con los artistas  de la época (impresionistas, postimpresionistas como Toulouse-Lautrec etc.) En 1888  se instaló en Arlés, al sur de Francia, con la intención de crear un taller de artistas en su casa. Allí trabajará con Gaugin. Su fama creció rápidamente después de su muerte, gracias a la promoción de la esposa de Theo que, aunque no tuvo una buena relación con Vincent, resultó ser la única heredera de toda su obra tras la muerte de su esposo, ocurrida poco después de la de Vincent. Valora mucho el color, dibuja con el color. Decía sobre él, que “el color por sí mismo siempre expresa algo, no cabe prescindir de él”. Pintó sobre todo paisajes y retratos.
Sus pinturas son muy creativas y originales. Utiliza la técnica del óleo con pincelada más menuda al principio y después evoluciona a una pincelada más amplia e intensa, aplicada con espátula o con la propia mano, basándose en empastes gruesos donde el propósito es buscar la intensidad del color. La pincelada ondulante y circular se hace más vehemente después de su primer ataque de locura: proyecta en exceso su personalidad y se integra en la representación de las cosas. Cada vez se aleja más de la realidad y con el color y la fuerza expresiva de su pincelada camina hacia la abstracción. Utiliza el color para transmitir sentimientos. Su pintura guarda muchas concomitancias con Gauguin. La influencia de Van Gogh en el postimpresionismo, expresionismo, fauvismo y los principios del arte abstracto fue enorme, y se puede notar en muchos otros aspectos del arte del siglo XX. El Museo Van Gogh en Ámsterdam se dedica al trabajo de este artista y de sus contemporáneos. Se suicidó cuando contaba 37 años de edad –disparándose en el pecho-y sus últimas palabras fueron “la miseria no acabará nunca”.

Entre su maravillosa producción artística destacamos Noche estrellada, La habitación en Arles, sus autorretratos, Café nocturno en Arles, Las botas… Es uno de los pintores más cotizados y admirados del mundo.

Por último, no podemos dejar de citar la importancia del NEOIMPRESIONISMO, DIVISIONISMO o PUNTILLISMO cuyo máximo representante es GEORGES SEURAT con su cuadro Una tarde de domingo en la isla de la Grande Jatte y PAUL SIGNAC. Es una derivación del impresionismo y se caracteriza por disponer puntos de colores puros en vez de pinceladas sobre tela. Esta técnica obliga a una labor de estudio muy minuciosa y opuesta a la pintura al aire libre; sus composiciones están extraordinariamente calculadas. Solo la preeminencia del color sobre el dibujo pervive del ideario impresionista. Es un arte óptico, cerebral. Las imágenes parecen detenidas en el tiempo. Es un arte muy normativo: no pueden mezclar colores, sólo pueden utilizar colores puros… Se acabó convirtiendo en una tendencia matemática, fría y mecánica. Abren el paso hacia el cubismo.