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Este blog educativo está dedicado a la Historia del Arte en general, y a la Historia de las Artes Decorativas y el Diseño en particular (indumentaria, joyería, cerámica…). Apuntes de Fundamentos del Arte I y II. Cine en el Arte, Arte en el Cine. Todos los textos han sido escritos por la autora del blog, Ana Galván Romarate-Zabala. Si los utilizas, cita las fuentes. Todas las imágenes contenidas en esta web tienen exclusivamente una intencionalidad didáctica. Si alguna imagen empleada vulnera derechos de autor, puede solicitar la retirada del material que considere de su propiedad intelectual. El contenido de mis artículos puede ser descargado libremente, pero por favor, cite la procedencia. Imagen que encabeza el blog: Un Bar aux Folies Bergère, Édouard Manet, c. 1882. Courtauld Institut, Londres. Fuente de la imagen: Wikimedia Commons. Public Domain

sábado, 31 de marzo de 2012

EL ÉXTASIS DE SANTA TERESA DE BERNINI




"Vi a un ángel junto a mí hacia el lado izquierdo en forma corporal… No era grande, sino pequeño, muy hermoso, el rostro tan encendido que parecía de los ángeles más elevados, que parece todos se abrasan. Deben ser lo que llaman querubines… Veíale en las manos un dardo de oro largo, y al fin del hierro me parecía tener un poco de fuego. Este me parecía meter por el corazón algunas veces, y que me llegaba a las entrañas. Al sacarle, me parecía las llevaba consigo, y me dejaba toda abrasada en amor grande de Dios. El dolor era tan fuerte que me hacía lanzar gemidos, mas esta pena excesiva estaba tan sobrepasada por la dulzura que no deseaba que terminara. El alma no se contenta ahora con nada menos que con Dios. El dolor no es corporal sino espiritual, aunque el cuerpo tiene su parte en él. Es un intercambio amoroso tan dulce el que ahora tiene lugar entre el alma y Dios, que le pido a Dios en su bondad que haga experimentarlo a cualquiera que pueda pensar que miento". XXIX, 13 de Libro de la Vida de Santa Teresa de Jesús (es su autobiografía fechada entre los años 1562-65)
I.               CATALOGACIÓN DE LA OBRA
Esta lámina nos muestra la deslumbrante escultura del Éxtasis de Santa Teresa. El AUTOR es el napolitano  GIAN LORENZO BERNINI (1598-1680). Afamado escultor, arquitecto, escenógrafo, pintor y dramaturgo, dotado de un inmenso talento y carisma, dominó el panorama artístico romano del Seicento, siendo muy admirado y logrando no pocos enemigos y envidias. Su máximo rival en el terreno arquitectónico –recordemos que Bernini fue arquitecto de San Pedro- fue el genial Francesco Borromini y en el terreno escultórico rivalizó con el clasicista Algardi. Nació en el seno de una familia de artistas. Su padre, Pietro, fue un gran escultor manierista y su maestro.  Educado por los jesuitas, de carácter apasionado y religioso, fue un devoto católico. A los 20 años ya dominaba los recursos de las técnicas escultóricas. Artista con gran carisma e inmenso talento dominó el panorama artístico romano del Setecento, La mayor parte de su vida transcurrió en Roma. En la “ciudad eterna” encontraría a sus principales mecenas tanto cardenales - Borghese o Cornaro- como el papado. Su obra refleja el espíritu barroco de la Contrarreforma. Tuvo un excelente taller que colaboraba en la ingente producción de sus obras que oscila entre la mitología Apolo y Dafne, el rapto de Proserpina, Eneas y Anquises-; los retratos –de su amante Constanza Buonarelli o del rey Luis XIV;- y las obras religiosas como el David, el éxtasis de Santa Teresa, la beata Ludovica Albertoni... Tampoco podemos olvidar sus fuentes como las de los cuatro ríos de la piazza Navona de Roma, la del tritón, el elefante obeliscóforo etc. Entre su producción arquitectónica sobresale la bellísima plaza de San Pedro del Vaticano. 
-El grupo escultórico del éxtasis de Santa Teresa fue realizado ex profeso para la CAPILLA CORNARO de la Iglesia de Santa María de la Victoria de Roma. Es una iglesia barroca carmelita de una sola nave de planta de cruz latina. En esta iglesia se conservan importantes pinturas y esculturas pero la obra maestra de la misma es esta capilla. La labor de Bernini en este proyecto fue de arquitecto, escultor y decorador. Adyacente a la iglesia se halla un convento de carmelitas.
-CRONOLÓGICAMENTE este conjunto cabe fecharlo entre los años 1647-1651 y  estilísticamente es plenamente barroco.
-Por lo que se refiere al COMITENTE de este proyecto artístico, fue un poderoso cardenal de la época, el veneciano de noble abolengo Federico Cornaro. Cornaro deseaba que Bernini reformase el brazo izquierdo del transepto de la iglesia –ya existente- para instalar en ella una capilla funeraria destinada a su familia. El comitente pagó una suma exorbitante por la obra: 12.000 escudos.
-El MATERIAL utilizado en este grupo escultórico de bulto redondo es mármol de Carrara y bronce dorado. En la capilla podemos observar además, una veintena de mármoles diferentes así como alabastros, lapislázulis, etc.
-El TEMA que muestra esta escultura es de carácter religioso: es la experiencia mística llamada  éxtasis de Santa Teresa de Jesús. El éxtasis es un “estado del alma caracterizado por cierta unión mística con Dios mediante la contemplación y el amor, y por la suspensión del ejercicio de los sentidos”(RAE).  Otros santos como San Agustín, Santa Catalina o Santa Cecilia experimentaron hechos similares. Cuando esta experiencia mística va acompañada de una flecha que atraviesa el corazón se le denomina transverberación como en la obra que analizamos.
-Santa Teresa de Cepeda y Ahumada (1515-1582), más conocida como Teresa de Jesús o de Ávila, es la protagonista de esta escena. Figura clave de la Contrarreforma, nacida en Ávila, era de origen judío converso y fue la fundadora de la orden de carmelitas descalzas. Fue canonizada en 1622. Su salud quebradiza no la impidió viajar con frecuencia fundando conventos. Tenía frecuentes visiones de Dios, la Virgen, los santos y los ángeles. Es una de las grandes escritoras españolas de todos los tiempos. La Inquisición vigiló muy de cerca sus escritos. En su autobiografía el “libro de su Vida” hace referencia a su éxtasis místico y este texto será la fuente documental que utilizará Bernini para realizar su obra. El escultor traducirá plásticamente, las palabras de la santa.
Copia de un cuadro de Bernini, que representa la transverberación del corazón de Santa Teresa. Se conserva en el Museo de Bellas Artes de Granada. Anónimo español del siglo XVII
-Los ANTECEDENTES de esta obra, en cuanto al tema del éxtasis en escultura, son inexistentes. La representación de este hecho sobrenatural encuentra en Bernini a su primer formulador. Cuestión diferente es la representación de la santa, de la que se conservan ejemplos anteriores o coetáneos tanto en escultura como en pintura. Iconográficamente, se la suele representar de pie o de rodillas, con un libro en una mano y con una pluma en la otra en actitud de escribir. Paulatinamente irán surgiendo a la largo de los siglos XVII y XVIII ejemplos de la trasverberación de la Teresa de Ávila, en general, de carácter más contenido que el de la obra de Bernini.
La iconografía de Santa Teresa en el arte: relicario de la santa en la catedral de Guadix (Andalucía); un retrato que realizó Rubens (siglo XVII); dos esculturas de la Santa de Ávila realizadas por Gregorio Fernández –una de rodillas y otra de pie, esta última de 1624-.
-Desde el punto de vista formal y artístico, los antecedentes de esta obra se encuentran en la escultura grecorromana, en concreto de la helenística, que estudió Bernini con fruición, así como en la de Miguel Ángel. En cierto sentido, la terribilità miguelangelesca se hace presenta en las esculturas fuertemente expresivas, dinámicas y teatrales del maestro napolitano. También muestra influencias de su padre y maestro Pietro Bernini.
-Este conjunto escultórico sintetiza a la perfección las características del arte barroco. Aúna en sí misma todas las bellas artes: escultura, arquitectura y pintura. Es la búsqueda del arte total puesto que este grupo escultórico aparece situado en un marco arquitectónico netamente barroco entre columnas corintias, decoraciones de estuco, y pinturas de trampantojo en la cubierta.
-La obra está realizada con un virtuosismo técnico impresionante. La escena –puesto que parece una representación teatral- que eligió Bernini es el momento en el que la santa vive su arrebato místico ligado a la trasverberación. No elige el instante en el que el ángel le atraviesa el corazón con un dardo de oro sino cuando el serafín saca la flecha del pecho, provocando en ella sentimientos entre el dolor y el placer. El carácter escenográfico de esta obra, de fuerte lirismo y dramatismo, es contemplada desde dos palcos realizados en relieve, por las esculturas de los personajes de la familia Cornaro que asisten encantados a semejante milagro ¿artístico?. Por otro lado, nosotros, el público, espectadores activos, somos pieza clave de esta obra. A pesar de ser de bulto redondo, el punto de vista es único y frontal como si fuera un cuadro.
- La sencilla y humildísima celda conventual donde vivía la santa es transformada en un barroco  rompimiento de gloria. El grupo escultórico del ángel y la santa parece suspendido en el aire. Y no es para menos puesto que la escena transcurre sobre un trono de vaporosas nubes horizontales.
-Bernini consigue mostrar con gran expresividad, la psicología de los personajes. El ángel, de rostro bello y pícaro y pelo ensortijado, nos recuerda a los efebos de pinturas y esculturas de Verrochio (Quattrocento). Aparece medio desnudo, y presenta como símbolo parlante las alas y la flecha. Bernini se basa punto por punto, en el texto de la santa: “Vi a un ángel junto a mí hacia el lado izquierdo en forma corporal… No era grande, sino pequeño, muy hermoso, el rostro tan encendido que parecía de los ángeles más elevados, que parece todos se abrasan. Deben ser lo que llaman querubines… Veíale en las manos un dardo de oro largo (…)”
Los plegados del ángel, una fina túnica, se ajustan a su anatomía que nos recuerda a la técnica de “paños mojados” de Fideas. Mira con dulzura a la santa.
Santa Teresa aparece con pesados ropajes con múltiples pliegues –el hábito carmelitano- en una postura imposible, con el cuerpo en tensión, y levitando sobre la nube. Los ojos entornados y la boca entreabierta, dejan translucir el arrebato místico lleno de dramatismo no exento de sensualidad: “un martirio sabroso” como Sta. Teresa llegó a definir sus éxtasis.
-La composición de esta obra naturalista pero idealizada a un tiempo, no es equilibrada sino muy dinámica, con gran tensión dramática. Es un juego en zigzag de diagonales y líneas cruzadas en línea ascendente, como la mayoría de sus obras –así ocurre por ejemplo en Apolo y Dafne o en el rapto de Proserpina. Consigue un gran verismo en las texturas: las diferentes telas, la piel –de los rostros y del sensual pie de la santa- y la gran riqueza cromática entre los diversos mármoles polícromos de la capilla Cornaro.
-La luz adquiere en este grupo escultórico una gran importancia. Busca contrastes entre luces y sombras que acentúan el efectismo, muy teatral, de la escena. La luz natural procede de la ventana que se encuentra detrás de la escultura, en la parte superior.
-Podemos considerar que la FUNCIÓN o FINALIDAD de esta obra es triple. En primer lugar, presenta un carácter religioso ya que es una obra propagandística de la fe católica. Vista en el contexto de la época, aparece ligada a la Contrarreforma y al culto a los santos que ésta fomenta. Recordemos que se pretendía en aquella época propiciar la devoción mística apelando a los sentidos y al sentimiento. De ahí que no se rehúse expresar con gran expresividad la verdad religiosa y sus misterios. En este caso, se pretende promover el culto a Santa Teresa de Jesús, que por lo demás, había sido canonizada en 1622, unos años antes de realizarse el grupo escultórico de Bernini.
-En segundo lugar, es una obra hecha a mayor gloria de la poderosa familia Cornaro, los comitentes, no sólo del éxtasis de Santa Teresa sino de toda la capilla. Y en tercer lugar, pero no menos importante, es una obra en la que Bernini pretende sorprender y maravillar al mundo con su talento artístico en un momento en el que no recibía tantos encargos por parte del papado. Hay que señalar que tras el ascenso como pontífice de Inocencio X, era su rival Alejandro Algardi quien acaparaba los proyectos escultóricos del mecenazgo papal. Con esta obra Bernini pretende recuperar la preeminencia perdida realizando una escultura deslumbrante.
-Por lo que se refiere a los CONSECUENTES de esta obra, hemos de ponerla en relación con otras esculturas de Bernini. La morbidez y sensualidad, la expresividad dramática un tanto miguelangelesca y el virtuosísmo técnico se aprecian en todas sus obras. En especial, la escultura que comentamos guarda muchas concomitancias con la impresionante Beata Ludovica Albertoni, también en éxtasis como Santa Teresa y también conservada en una iglesia romana. Fue una de sus últimas obras.
-Siendo Bernini el padre indiscutible de la escultura barroca tuvo muchísimo discípulos y colaboradores, prolongando su estilo hasta bien entrado en siglo XVIII. Su influencia fue decisiva en toda Europa, especialmente en la escultura funeraria y conmemorativa.  Aunque influyó en escultores barrocos afincados en Roma como el flamenco Duquesnoy o el italiano Algardi, estos dos artistas pertenecían a la corriente clasicista, la menos “barroca” del arte barroco. En Francia, el influjo de Bernini se deja sentir en Pierre Puget, con sus obras tensas y dramáticas, mucho más que en Girardon o Coysevox que tienden hacia un clasicismo admirador de Bernini pero deudor de Algardi.
-En España la influencia de Bernini no será mucha en el siglo XVII pero sí en el XVIII de la mano del gran escultor murciano de origen napolitano, Francisco Salzillo.
-La SIGNIFICACIÓN HISTÓRICA de esta obra viene dada porque el summun de la estatuaria barroca europea del siglo XVII. Ha suscitado el interés de todo tipo de artistas –desde el barroco hasta la actualidad- así como de músicos –como Pietro Mascagni o Peter Hammill que le han dedicado sendas composiciónes-, filósofos, científicos y psicoanalistas que han escrito sesudos análisis sobre esta obra como Roland Barthes, Georges Bataille o Lacan; escritores de la talla del marqués de Sade, Stendhal o la feminista Simone de Beauvaoir y ya en nuestra época, aparece en las novelas del popular autor Dan Brown o de Abraham Verghese.
-Sobre el ESTADO DE CONSERVACIÓN hay que señalar que se conserva en buen estado ya que la totalidad de la capilla Cornaro fue restaurada en 1996 gracias a la iniciativa y patrocinio de la Fundación BNC y de la actual familia Cornaro.
-En CONCLUSIÓN, el éxtasis de Santa Teresa es una de las obras maestras de todos los tiempos.
II.- COMENTARIO DEL LENGUAJE ESTILÍSTICO AL QUE SE ADSCRIBE LA OBRA
-Estilísticamente esta escultura es plenamente barroca.
-Denominamos Barroco al complejo movimiento cultural que surge en Italia (concretamente en Roma y se desarrolla en Europa en el siglo XVII. El término barroco todavía suscita controversias. Para algunos, deriva del idioma portugués y hace referencia a “perlas irregulares” y para otros procede de un pintor italiano del siglo XVII llamado Barocci. En resumen, es un vocablo ambiguo y equívoco. Sea como fuere, y aunque su fortuna crítica, es decir, la valoración que ha existido sobre este movimiento cultural ha sido bastante negativa, por lo menos hasta su reivindicación en el siglo XX, el Barroco supuso un esplendor incomparable en todas las artes (Bellas Artes, artes decorativas, música, literatura…). De hecho, se le ha llegado a considerar como un “segundo Renacimiento”.
- Por otro lado, hay que aclarar algunos conceptos. En primer lugar, el arte “barroco” es el que se desarrolla cronológicamente en el siglo XVII e incluso en los primeros decenios del siglo XVIII. Es a la vez un periodo histórico y una categoría estética. Frente a este término, barroco, vamos a encontrar otros como “barroquismo” o “barroquizante” que hacen referencia a constantes históricas que se repiten habitualmente en las etapas finales de todos o casi todos los estilos o ciclos artísticos. Ej.: el arte helenístico, el gótico flamígero…
-El arte barroco, que es el arte del artificio, la persuasión y la apariencia, presenta un marcado carácter propagandístico a mayor gloria del poder real –habitualmente monarcas absolutos- y del poder de la Iglesia. La religión en este etapa es la base y fundamento de un buen número de producciones artísticas ya que el arte es utilizado como arma arrojadiza del catolicismo frente al protestantismo (Contrarreforma versus Reforma).  
-El arte barroco, teatral y grandilocuente, busca el arte total, es decir, la fusión de todas las artes. Es un arte polisémico, rico en referencias simbólicas, contenidos retóricos o emblemáticos, con claves que hay que desentrañar y que sugieren mucho más de lo que realmente muestran.
-Los principales mecenas y comitentes  de la época eran el Papado, los monarcas absolutos, familias aristocráticas, órdenes religiosas y en el caso de países protestantes como Holanda, emprendedores burgueses. El coleccionismo artístico de esta etapa vivió un gran auge.
-El marco geográfico de desarrollo del arte barroco es muy amplio pues no sólo abarca gran parte de Europa –Italia, Francia, España, Holanda, Centroeuropa, etc.- sino también Iberoamérica.
 -Ciñéndonos a la PINTURA barroca, hay que señalar que es uno de los grandes capítulos de la historia del Arte de todos los tiempos. En Italia encontramos dos tendencias pictóricas contrapuestas: la clasicista, que es antimanierista y academicista (los Carracci) y la naturalista (Caravaggio). La tendencia naturalista busca representar la realidad con todo detalle, huyendo de la idealización. Por eso reflejan el dolor, la vejez, la tristeza o la fealdad. Su principal representante fue el genial Caravaggio. El naturalismo es frecuente que durante el Barroco aparezca ligado al tenebrismo, que busca violentos contrastes entre luces y sombras.
-En general la pintura barroca se caracteriza por su dinamismo, el predominio del color sobre el dibujo acentuando la riqueza cromática y las composiciones abiertas –abundan las asímetricas y en diagonal-. La profundidad también es una obsesión y se logra con escorzos violentos. Las pinturas se concentran en las cúpulas y bóvedas de las iglesias: allí se multiplican los “trampantojos”, dentro de un cierto horror vacui y afán ilusionista.
-Es una pintura con tendencia a lo efectista y teatral. Busca epatar, asombrar al espectador.
-Hay una gran diversidad de géneros pictóricos: religioso, mitológico, retratos, bodegones o naturalezas muertas, “vanitas” –cuadros simbólicos que invitan a la reflexión sobre la fugacidad de la vida – o las “vedutas” o vistas de ciudades como por ejemplo las que Guardi o Canaletto realizan sobre Venecia. La nómina de pintores barrocos europeos es impresionante: Caravaggio en Italia; Rubens en Flandes; Rembrandt en Holanda; Velázquez en España...y un largo etcétera.
 -Por lo que se refiere a la ARQUITECTURA BARROCA en primer lugar hay que señalar que el barroco es la Europa de las capitales. El urbanismo barroco da muestras de gran teatralidad a mayor gloria siempre de la monarquía absoluta o la Iglesia. Buscan el esplendor fastuoso, lo teatral y escenográfico, el sorprender al espectador, creando grandes perspectivas deslumbrantes. Las plazas se convierten en centros de referencia urbano, dominadas por un edificio principal (una iglesia, un palacio). Serán decoradas con fuentes, obeliscos y estatuas.
-Los templos y palacios son las dos tipologías que más predominan. Así, la arquitectura es el escenario de la monarquía o la Iglesia triunfante. Se busca la unidad espacial, todo se decora con gran profusión ornamental, hasta el punto que la preocupación por la decoración interior es superior a la de la construcción. Los muros pierden el sentido plano y se curvan dejando de cruzarse en ángulo recto, buscando todo tipo de perspectivas y efectos luminosos. El sentido rítmico de las fachadas y muros, con efectos dinámicos, se logran por medio de curvas y contracurvas, frontones que se parten, entablamentos que se incurvan, gusto por el juego entre lo cóncavo y lo convexo, los juegos de luces y sombras… La cubierta preferida es la cúpula, mientras que en las iglesias aunque predominan las plantas centralizadas –en forma de cruz griega, circular, elíptica- seguimos encontrando la tradicional planta rectangular (planta jesuítica)
-El modelo de iglesia será la jesuítica con fachada de dos cuerpos  con aletones –inspiradas en Sta. Maria Novella de Alberti- y  una nave con capillas laterales.
-Italia se pondrá a la cabeza de las manifestaciones arquitectónicas, Francia será la creadora del palacio barroco y su interés por los espacios lúdicos se plasmará en maravillosos jardines poblados de fuentes y estatuas y España, a pesar de la pobreza de materiales empleados, destacará por su exuberancia decorativa.   
-Entre todos los grandes arquitectos italianos del barroco destacan Gian Lorenzo Bernini y Francesco Borromini. La plaza de San Pedro del Vaticano es la obra maestra del Bernini arquitecto. Esta explanada es un inmenso espacio abierto compuesto de dos plazas contiguas, la primera trapezoidal y la segunda oval. Así, logra una perfecta simbiosis entre la plaza recta y la elíptica. Simbólicamente representa un gran abrazo para recibir a los peregrinos. Por su parte, Borromini, escultor y arquitecto atormentado, obsesionado con la perfección, fue un espíritu libre y  melancólico en perpetua enemistad con Bernini. Contó con el mecenazgo de órdenes religiosas que no eran muy boyantes económicamente. Su ruptura con la tradición se observa entre sus impresionantes obras en Roma como la iglesias de las Cuatro fuentes, de San Ivo della Sapienza, Santa Inés o la columnata del Palacio Spada.
-Ciudades barrocas que conservan gran parte de la riqueza arquitectónica ligada a este estilo, en mayor o menor medida son Roma, Praga, París, Viena, Madrid…
-Finalmente, por lo que se refiere a la ESCULTURA barroca, también una creación de origen italiano, encontramos varios rasgos definidores:
*La base sobre la que se asienta es el Manierismo.
•Existe una gran diversidad tipológica: hay una escultura ornamental, alegórica o mitológica, con destino a espacios abiertos o cerrados; retratos; imágenes religiosas, con fines devocionales o decorativos, y conjuntos funerarios. Los santos son muy representados: en éxtasis, yacentes, etc.
• El material más utilizado es el mármol, del que se aprovechan sus posibilidades cromáticas y de textura, y también el bronce, con frecuencia combinado con aquél, con los que los escultores buscan alterar los valores táctiles, creando una ficción ilusionista. Otro material utilizado es el alabastro. En España son habituales las imágenes religiosas realizadas en madera (ej. Pasos de Semana Santa).
• Formalmente es un arte naturalista, les interesa mostrar la realidad. Se interesan por el estudio anatómico. Plasman los estados anímicos con gran expresividad (angustia, pasiones, sentimientos…).
•Buscan el movimiento y dinamismo, en contraste con el equilibrio y reposo del Renacimiento. La escultura barroca se proyecta dinámicamente hacia fuera. Las figuras adoptan posiciones teatrales. Buscan expresar emociones. Aparecen complejas composiciones (en aspa, serpentinatas, etc.), y las telas y cortinajes acrecientan el dramatismo de las escenas.
• La luz resbala sobre las superficies lisas y descubre la calidad de la carne o la transparencia de las telas. En muchas ocasiones se buscará la policromía: en Italia usando mármoles de diversos colores y en España y Alemania con la madera pintada.
•Las esculturas están realizadas para ser contempladas desde diversos puntos de vista.
-Entre los principales escultores barrocos debemos tener presente que la obra de Bernini domina la escena artística europea, dejando notar su influencia en muchos escultores de la época. Podemos destacar, dentro de un amplísimo elenco, en Italia, a Stefano Maderno y Alejandro Algardi; en Francia a Pierre Puget y François Girardon; y en España a Gregorio Fernández, Juan Martínez Montañés, y ya en estilo tardobarroco, Francisco Salzillo.
III.- ASPECTOS CRONOLÓGICOS Y CONTEXTO HISTÓRICO
-Como ya señalamos anteriormente, CRONOLÓGICAMENTE esta escultura está fechada en el siglo XVII –años 1647-1652- y pertenece por tanto al Barroco italiano.
Fue esculpida por este artista en su etapa de madurez.
-Por lo que se refiere al CONTEXTO HISTÓRICO en el que cabe encuadrar esta obra, el siglo XVII, hay que señalar que fue una época de hechos históricos transcendentales. Estuvo marcada por las guerras de religión entre católicos y protestantes y por el auge de los monarcas absolutos, que concentraban en su persona todo el poder.
-Se le denomina “el siglo de hierro”. En general, es una centuria de crisis, fundamentalmente económica y demográfica. Es una época de contracción frente a la expansión de los siglos XVI y XVIII. En esa etapa abundaron las catástrofes climáticas, las malas cosechas, la peste y las guerras como la denominada guerra de los 30 años (1618-48) que empezó como un conflicto religioso y terminó siendo una lucha por la hegemonía europea. Es una etapa de afirmación de las nacionalidades políticas europeas y de ansias de libertad que se manifestaron en todos los campos. Y en la ciencia y en la filosofía, la experimentación directa y la duda metódica, conducirían al racionalismo que culminará en el siglo XVIII.
-España, hasta entonces, la más poderosa nación, ve declinar su imperio, mientras que Francia experimenta un gran esplendor (l´Âge Classique) como Holanda, por aquel entonces, la primera potencia comercial del mundo.
-Culturalmente, es una época apasionante, de gran esplendor en todas las artes: música, pintura, escultura, arquitectura, artes decorativas o literatura. En España, esta etapa se conoce con el nombre de Siglo de Oro con destacados representantes en todos los ámbitos de la cultura desde la literatura –Cervantes, Tirso de Molina, Lope de Vega, Quevedo, Góngora, Calderón de la Barca- ; la pintura - es la etapa de la “Escuela española”: Velázquez, Ribera, Murillo, Zurbarán, etc.; la escultura –Gregorio Fernández, Martinez Montañés- o la arquitectura –Juan Gómez de Mora, los Churriguera, Casas y Novoa…
PARA SABER MÁS
http://www.chiesasmariavittoria.191.it/files/Cappelle.htm
http://www.youtube.com/watch?v=lZYLHtKnOeI&feature=player_embedded
http://www.youtube.com/watch?v=BJcCPLByrSY&feature=player_embedded
http://www.youtube.com/watch?v=sgKQCoDISi4
IMÁGENES
La Iglesia barroca dominica de Santa María de la Victoria de Roma donde se conserva la escultura de Bernini el éxtasis de Santa Teresa. El arquitecto fue Maderno (1608-1620)
Planta de la capilla Cornaro y detalle del palco izquierdo con la familia Cornaro

La capilla Cornaro en la iglesia de Santa María de la Victoria de Roma: los palcos –a los dos lados- con la familia comitente contemplando el éxtasis de la santa.
Más detalles: vista exterior de la capilla; el autorretrato de Bernini; el pie de Santa Teresa y la imagen de un esqueleto observando la escena desde el pavimento.
ANTECEDENTES: la escultura grecorromana, especialmente la helenística; la escultura renacentista –en especial Miguel Ángel-; y su maestro, su padre el escultor manierista toscano Pietro Bernini. Obras de Pietro Bernini: San Martín, la fuente “barcaccia de la plaza de España de Roma y la fuente de Neptuno en Nápoles
-Hemos de poner en relación el éxtasis de Santa Teresa con el resto de la producción escultórica de Gian Lorenzo Bernini:
sus primeras obras: la cabra Amaltea que presenta gran influencia helenística y la escultura de San Sebastián marcada por el ejemplo de Miguel Ángel

Esta escultura de San Lorenzo la realizó Gian Lorenzo Bernini con tan sólo 16 años.
Apolo y Dafne, Galeria Borghese, Roma
Alma condenada, embajada de España en Roma
Son evidentes las concomitancias del éxtasis de Santa Teresa con esta escultura de Bernini que representa a la Beata Ludovica Albertoni (1674), iglesia de San Francesco a Ripa de Roma
El rapto de Proserpina, Galería Borghese, Roma
Los retratos de Constanza Buonarelli y del rey Luis XIV
Eneas, Anquises y Ascanio y el David, Galería Borghese, Roma y las fuentes de Roma: el tritón y la fuente de los cuatro ríos en Piazza Navona
CONSECUENTES Ejemplos de la influencia de Bernini en la escultura francesa del barroco: el Milón de Crotona de Pierre Puget, y los atlantes de este mismo escultor en el Ayuntamiento de Toulon (Francia)
La influencia de Bernini en la escultura barroca española: Santa Teresa de Ávila de Francisco Salzillo, circa 1750. Aunque no sea una escultura, es interesante consignar la visión turbadora que un neoclásico francés François Gérard reflejó en su pintura sobre Santa Teresa de Ávila (1827), y en el arte contemporáneo la videoartista, fotógrafa, pope del performance y body art Marina Abramovic ha sufrido el influjo de la Santa y su éxtasis en The kitchen. Homage to Santa Teresa. Ya lo decía la santa de Ávila, "Dios está entre los pucheros".

EL COMENTARIO EN PDF AQUÍ

miércoles, 28 de marzo de 2012

A VUELTAS CON EL ÉXTASIS DE SANTA TERESA

Profundizando en el éxtasis de Santa Teresa:

*Visita virtual a la web de la iglesia donde se conserva esta obra de Bernini pinchando aquí

*Muy recomendable, un espléndido powerpoint del profesor Jesús Conde:
El éxtasis de Santa Teresa


*La obra maestra de Bernini ha inspirado también a músicos:
El compositor italiano Pietro Mascagni, célebre entre otras obras por la "Cavalleria rusticana", compuso en 1922 esta bella composición para orquesta: Contemplando la Santa Teresa de Bernini 



*Y en el arte contemporáneo la videoartista, fotógrafa, pope del performance y body art Marina Abramovic ha sufrido el influjo de la Santa y su éxtasis en "The kitchen. Homage to Santa Teresa". Ya lo decía la santa de Ávila, "Dios está entre los pucheros". Por lo demás, la calavera en la cocina le queda de lo más "vanitas". ¡Me encanta!



lunes, 19 de marzo de 2012

miércoles, 14 de marzo de 2012

EL DAVID DE MIGUEL ÁNGEL




COMENTARIO DE IMÁGENES: EL DAVID DE MIGUEL ÁNGEL (RENACIMIENTO)



“Ahora comprendemos mejor el porqué un arte preocupado principalmente por la figura humana deba atender ante todo al desnudo, así como la razón de que éste haya constituido el problema más apasionante del arte clásico de todas las épocas. No sólo es el mejor vehículo transmisor de todo aquello que el arte corrobora y acreciente de manera inmediata el sentido de la vida, sino que es también en sí mismo el objeto más significante del mundo de los hombres. El primero en comprender plenamente, desde la gran época de la escultura griega, la identidad del desnudo con el gran arte figurativo, fue Miguel Ángel. Antes de él, había sido estudiado con miras científicas, como un recurso para plasmar la figura envuelta en ropajes. Miguel Ángel vio que entrañaba un fin en sí mismo e hizo del desnudo la suprema finalidad de su arte. Para él, arte y desnudo eran sinónimos. En ello reside el secreto de sus triunfos y sus fracasos.”

B. Berenson: Los pintores italianos del Renacimiento, Barcelona, 1954, pág. 85.

I. CATALOGACIÓN DE LA OBRA


-Esta lámina nos muestra la deslumbrante escultura del David de Miguel Ángel. El AUTOR es el florentino MIGUEL ÁNGEL BUONARROTI (1475-1564). Renacentista del Cinquecento, este polifacético artista tuvo a la escultura como su arte predilecta aunque también destacó como pintor, arquitecto y poeta. En su tiempo alcanzó un gran prestigio y sus obras, incluso las inacabadas, fueron durante siglos fuente de inspiración para los artistas. Nacido en el pueblo toscano de Caprese en 1475, procedente de una familia culta de noble abolengo, se formó en Florencia. Desde muy joven quiso ser artista. De temperamento irascible, poético y lírico, sus luchas internas se reflejan en sus obras que están llenas de fuerza y dramatismo. Su precoz habilidad para dibujar le llevó a los trece años al taller de Ghirlandaio y a “la academia del jardín” de los Medici para dibujar los mármoles y bronces clásicos reunidos por Lorenzo el Magnífico, que le aceptó y protegió como un ahijado. Lorenzo de Medici fue su mecenas en sus primeros años , y en Roma lo sería el Papa Julio II para quien realizaría las pinturas de la capilla Sixtina del Vaticano. Su producción artística engloba las más diversas artes desde el diseño arquitectónico y el urbanismo –cúpula de San Pedro del Vaticano, plaza del Capitolio de Roma- hasta la pintura –capilla Sixtina -la poesía, o la escultura, en la que descollará tanto en obras de temática profana como religiosa. 
-Como escultor, no está sujeto a un único estilo: bascula entre un clasicismo un tanto heterodoxo hasta el manierismo anticlásico que preludia el barroco. Así podemos destacar en su etapa de formación el relieve la Virgen de la Escalera, que muestra influencias de Donatello; de su etapa romana de fines del siglo XV e inicios del XVI descuella su clasicista Piedad que hemos de poner en relación con su David, realizado poco después y finalmente, en su etapa de madurez, varios proyectos como el Moisés, las tumbas de Giuliano y Lorenzo de Medici o sus últimas versiones del tema de la Piedad, en especial la Rondanini, antecedente del expresionismo del arte de vanguardia del siglo XX.

-Desde el siglo XIX (1873) esta escultura se conserva en el MUSEO Galería de la Academia de Florencia (Italia) aunque durante siglos, estuvo expuesto en la plaza de la Signoria de esta ciudad, justo enfrente del palacio Vecchio, edificio que albergaba el poder político de la ciudad. Hoy en esta plaza se alza una réplica de esta célebre escultura.

-CRONOLÓGICAMENTE esta estatua está fechada en los años 1502-1504 y pertenece por tanto al Cinquecento. Estilísticamente es una obra plenamente renacentista. 

-Por lo que se refiere a los COMITENTES de esta escultura, fueron las autoridades de la república de Florencia, ligados a la catedral de Florencia y al poderoso gremio del Arte de la Lana. En realidad, este proyecto artístico formaba parte de uno mucho más complejo que consistía en la elaboración de 12 esculturas de personajes del Antiguo Testamento sobre los contrafuertes exteriores del ábside de la catedral Santa María de las Flores. Para realizar la estatua de una de los personajes, el rey David, las autoridades dispusieron un gigantesco bloque de mármol de Carrara. En 1464 le encargaron al escultor Agostino di Duccio su elaboración, pero ante la enorme dificultad de esta empresa renunció, como también renunciaría  otro escultor, Antonio Rossellino. Finalmente, las autoridades florentinas encargaron en 1501 esta escultura a Miguel Ángel que asumió el reto y en tan sólo dos años realizó el David, sin duda una de sus obras maestras. Se expuso por primera vez al público el 8 de septiembre de 1504.

-Realizada utilizando un solo bloque MARMÓREO, largo, gigantesco y estrecho, esta escultura de BULTO REDONDO mide más de 5 metros y pesa 5.5 toneladas. Cuando se realizó la obra contenía aplicaciones de oro, hoy perdidas, en algunas partes de la escultura como la base de la misma.

-El TEMA que muestra esta escultura es de carácter ¿religioso?. En principio así parece, ya que representa a una figura histórica y mítica extraída del Antiguo Testamento, al heroico rey de Israel, David. Este personaje fue pastor en su juventud y tras vencer a su enemigo Goliat, fue proclamado rey del pueblo de Israel. Fue un valeroso guerrero, músico y poeta. En el cristianismo es venerado como un santo y de su estirpe desciende, según el evangelio de San Mateo, San José, padre putativo de Jesús. 

-Los ANTECEDENTES de este tema en el arte son abundantes. Durante la Edad Media, iconográficamente a David se le representa como un rey con su corona, tocando el arpa o la lira. Así lo encontramos en pinturas, ilustraciones y esculturas (relieves). En el Renacimiento, en cambio, los escultores como Donatello o Verrochio lo esculpen como un bello adolescente, de anatomía frágil y serena expresividad. Presentan ya como símbolos arquetípicos del rey David, la espada y la cabeza del gigante Goliat. Por su parte,Miguel Ángel innova absolutamente a la hora de tratar a este mítico personaje. Lo representa como un héroe, un joven atlético de inspiración clásica, totalmente desnudo y sin más atributo identificativo de su condición de rey David que su mítica honda. De hecho, este escultor elige el momento en el que se está preparando para lanzar su arma contra su enemigo. Con Miguel Ángel, el rey David, bajo el influjo neoplatónico, trasciende su significación religiosa, se convirtió más allá de su lectura bíblica, en un emblema del poder de la inteligencia sobre la fuerza bruta y en un símbolo de afirmación de la república florentina. Es una obra de transcendencia política. Las propias palabras de Miguel Ángel al acabar la escultura confirmaron este simbolismo: “Como David ha defendido a su pueblo, así quien gobierna Florencia debe justamente defenderla y gobernarla con justicia“. Recordemos que esta escultura se realiza poco después de haber sido expulsados los Medici del gobierno de la ciudad y con el temor a su vuelta y al expansionismo de Roma y de los Estados Pontificios que preconizaba el Papa Borgia Alejandro VI. Por lo demás, hay que recordar que Miguel Ángel realizó a inicios del siglo XVI “otro” David, hoy perdido, llamado el David de Rohan, realizado en bronce, y del cual se conserva un dibujo en el Louvre. También lo esculpió como símbolo de la república florentina.
-Aparte de los antecedentes quattrocentistas que encontramos en esta escultura, hay que destacar el influjo y la fuente de inspiración esencial que fue para Miguel Ángel la estatuaria clásica , como por ejemplo, el Apolo de Belvedere, una escultura helenística conocida por una copia romana. 
-El ideal grecorromano de belleza y perfección anatómica, se hacen bien presentes en el David de Miguel Ángel. De hecho, el tratamiento que da a esta figura desde el punto de vista formal y técnico es el propio de una obra mitológica entendida en un sentido clásico. Pero ¡non troppo! Miguel Ángel es un clásico “heterodoxo”, que se aleja de las proporciones matemáticas y opta por sobredimensionar la cabeza y una de las manos. El canon, de enormes proporciones, propicia la monumentalidad, el gigantismo de esta obra, un rasgo habitual en sus esculturas. Un intenso dramatismo, la energía concentrada amenazadora, la denominada terribilità tan característica de sus obras, la encontramos ya en el David. El detallismo en el estudio anatómico es impresionante ya que capta con todo detalle las venas, los tendones, los músculos., incluso los huesos. La presencia de la honda sobre el hombro izquierdo mientras la otra mano desaparece por la espalda en busca del otro extremo del arma, tensa todo el cuerpo. La posición de sus manos y de su cuerpo nos revela que era zurdo. Huye de la frontalidad, y muestra un ligero contraposto, con el cuerpo dispuesto en zig-zag. La pierna derecha se apoya sobre un pequeño tronco de árbol, mientras flexiona la otra pierna, más tensa. El rostro es muy expresivo, con el ceño fruncido y la cabeza girada, buscando tal vez a Goliat. La tensión se refleja también en los labios mordidos y en los ojos muy abiertas, con una mirada desafiante, retadora y altiva. Esta tensión compositiva y expresiva rompe el ideal de armonía y equilibrio, como se aprecia hasta en el cabello, con volumen y juego de luces y sombras, revuelto y maravillosamente trabajado a trépano.

-La FUNCIÓN o FINALIDAD en un principio era religiosa y decorativa, puesto que en el objetivo era situar esta escultura en el exterior de la catedral de Santa María de las Flores junto con otras imágenes de personajes representativos del Antiguo Testamento. Pero una vez realizada la obra, los comitentes consideraron que esa ubicación no era adecuada y nombraron una comisión ciudadana en la que se encontraban artistas tan prestigiosos como Botticelli o Leonardo da Vinci que decidieron que el lugar idóneo era la Loggia dei Lanzi, una zona porticada en la propia plaza de la Signoria. Miguel Ángel se opuso y al final triunfó su criterio: su David se alzaría, altivo y victorioso, como un nuevo Hércules sacro y pagano a un tiempo, en el corazón de la ciudad, en la plaza de la Signoria, frente al palacio Vecchio. Finalmente, lo que iba a ser una obra religiosa, se acabó convirtiendo por mor de los acontecimientos y la voluntad del artista, en todo un símbolo político a mayor gloria de Florencia frente a sus enemigos. En su ubicación original, la mirada implacable de David se dirigía directamente a Roma como nuevo Goliat. En cambio, en su nueva lugar en la Accademia, mira hacia una columna.

-Por lo que se refiere a los CONSECUENTES de esta obra, hemos de ponerla en relación con otras esculturas del Miguel Ángel,en concreto con su proyecto inacabado más ambicioso: el sepulcro del papa Julio II. De este proyecto destaca el Moisés, obra capital de fuerza contenida, que hemos de poner en relación con el David. Asimismo, los sepulcros de Giuliano y Lorenzo de la poderosa familia Medici en la iglesia de San Lorenzo de Florencia, realizados entre los años 1520-34. En este conjunto escultórico destacan las figuras alegóricas del Día y la Noche, el Crepúsculo y la Aurora, entendidas como robustos cuerpos desnudos. La tensión, la expresividad y el estudio anatómico anticlásico nos señalan el carácter manierista de estas estatuas. Tampoco debemos olvidar en su producción escultórica la clasicista Piedad del Vaticano (1495) y otras versiones, mucho más atormentadas de este tema, como la Piedad de la catedral de Florencia o la Rondanini, apenas esbozada.
-Por otro lado, la magnitud del genio de Miguel Ángel ensombrece al resto de los escultores coetáneos de la época aunque hay autores muy relevantes, que muestran influencia miguelangelescas como los manieristas Baccio Bandinelli- autor de un Hércules y CacoAmmanati y su fuente de Neptuno-, Benvenuto Cellini, orfebre extraordinario y maravilloso fundidor y Juan de Bolonia, portentoso artista que tuvo un enorme éxito europeo.
Sobre Benvenuto Cellini conviene destacar que su Perseo degollando a Medusa (1554) que se alza en la Loggia dei Lanzi de la plaza de la Signoria de Florencia es el contrapunto al David, puesto que simboliza la vuelta al poder de los Medici en la persona del duque Cosme I -mecenas de Cellini- y su triunfo sobre sus oponentes republicanos.

-Los escultores manieristas españoles también acusan la influencia de Miguel Ángel: Alonso Berruguete –quien se educó en Italia y conoció personalmente a Miguel Angel- o Juan de Juni.

-En el siglo XVII, ligado al estilo barroco, la influencia de Miguel Ángel es omnipresente. Se hace especialmente evidente en las esculturas del máximo escultor de esta etapa: el napolitano Gian Lorenzo Bernini. La huella miguelangelesca con la pasión por la expresividad, dinamismo y cierta terribilità contenida se aprecian en sus grandiosos David, Apolo y Dafne o el rapto de las Sabinas todas ellas conservadas en el imprescindible museo romano Galería Borghese.
-Y entre muchísimos más autores que esculpen bajo la influencia de Miguel Ángel, no podemos dejar de citar al gran escultor francés “impresionista”, Auguste Rodin, que unirá a la influencia de Miguel Ángel, la de Bernini en su grandiosa producción (el pensador, el beso, etc.).

-La SIGNIFICACIÓN HISTÓRICA del David de Miguel Ángel viene dada, en primer lugar, porque es una obra maestra, emblema del Renacimiento y porque es un símbolo de Italia en general y de Florencia en particular.

-Sobre el ESTADO DE CONSERVACIÓN de esta obra hay que señalar que fue restaurada en el año 2004 ya que su estado era muy delicado. Hemos de recordar que esta escultura ha sufrido durante siglos las inclemencias del tiempo, al estar situada al aire libre, además de todo tipo de avatares: el efecto de un rayo sobre la base, la rotura de uno de los brazos durante una revuelta, y los efectos dañinos de una restauración del siglo XIX realizada con ácido clorhídrico que destruyó la capa de cera que lo protegía.

-En CONCLUSIÓN, esta obra maestra de Miguel Ángel ha pasado a la posteridad como una de las esculturas más perfectas de todos los tiempos, “superior a todas las estatuas, modernas o antiguas” como ya vislumbrara Vasari. Finalmente, hemos de recordar que ningún artista había sido celebrado en vida tanto como él hasta el punto de convertirse en un mito de artista atormentado y genial, calificado ya en vida como “el Divino”.

IMÁGENES

Detalles del David de Miguel Ángel, Museo Galería de la Academia, Florencia


Réplica del David en la plaza de la Signoria de Florencia, situada enfrente del palacio Vecchio, sede del poder civil de la ciudad. En esta plaza estuvo expuesta durante siglos el verdadero David de Miguel Ángel, que hoy se conserva en el museo Galería de la Academia de Florencia.
 
La iconografía del Rey David en la Edad Media: suele aparecer tocando la lira. Ejemplos: El Rey David de la Catedral de León, el rey David de la puerta de las Platerías de la catedral de Santiago de Compostela y un ejemplo de una ilustración medieval. 
 
Antecedentes: la escultura grecorromana. Un ejemplo: el Apolo de Belvedere, c. 340 a de C, copia romana de original helenístico. Museos Vaticanos.

Dos antecedentes quattrocentistas: el David de Donatello (en sus dos versiones, una en bronce y otra en mármol, ambas en el Museo Bargello de Florencia)y el David de Verrochio para el que se cree sirvió de modelo un jovencísimo Leonardo da Vinci 



Otras obras de Miguel Ángel: Moisés, Esclavo, la Aurora

El otro David de Miguel Ángel: el David de Rohan, llamado así por el nombre del comitente, un mariscal francés. Este dibujo preparatorio se conserva en el Museo del Louvre, 1502-8. La escultura de bronce, la única de la que tenemos noticia que realizó Miguel Ángel, está hoy perdida.
Consecuentes: un contrapunto al David de Miguel Ángel: el Perseo de Benvenuto Cellini

El David de Bernini, Galería Borghese, Roma (arte barroco, siglo XVII)

Dos ejemplos de la influencia de Miguel Ángel en la escultura del siglo XIX: El pensador y el beso de Auguste Rodin
El David de Miguel Ángel se ha convertido en un icono de Italia –equivalente al Coliseo por ejemplo-, de Florencia –en particular- y una fuente de inspiración para el marketing y la publicidad de todo tipo de productos. Algunos ejemplos:


PARA SABER MÁS

http://www.youtube.com/watch?v=7GiL9l3C8AQ&feature=related
http://www.youtube.com/watch?v=SRLZK-czjBg
http://www.youtube.com/watch?v=bqTVFkT_DxU
http://www.youtube.com/watch?v=vfpZI6YoSMQ&feature=related
http://www.youtube.com/watch?v=e-l2BMStRcg&feature=related
http://www.youtube.com/watch?v=inE4TToMnss&feature=related
http://www.youtube.com/watch?v=9PlHO9m1cw0&feature=relmfu
http://www.youtube.com/watch?v=ML_i4lnPxGU&feature=relmfu
http://www-graphics.stanford.edu/projects/mich/
http://www.econ.ohio-state.edu/jhm/arch/david/David.htm
http://cultura.elpais.com/cultura/2004/05/24/actualidad/1085349602_850215.html
http://it.wikipedia.org/wiki/David_De_Rohan
http://www.youtube.com/watch?v=62xK8fJ4VZU
http://www.youtube.com/watch?v=i4Xfg0xklqo&feature=player_embedded

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