Descripción del blog


Este blog educativo está dedicado a la Historia del Arte en general, y a la Historia de las Artes Decorativas y el Diseño en particular. Apuntes de Fundamentos del Arte I y II. Resúmenes de Historia de la Indumentaria. Cine en el Arte, Arte en el Cine. Todos los textos han sido escritos por la autora del blog, Ana Galván Romarate-Zabala. Si los utilizas, cita las fuentes. Todas las imágenes contenidas en esta web tienen exclusivamente una intencionalidad didáctica. Si alguna imagen empleada vulnera derechos de autor, puede solicitar la retirada del material que considere de su propiedad intelectual. El contenido de mis artículos puede ser descargado libremente, pero por favor, cite la procedencia. Imagen que encabeza el blog: Un Bar aux Folies Bergère, Édouard Manet, c. 1882. Courtauld Institut, Londres. Fuente de la imagen: Wikimedia Commons. Public Domain

sábado, 19 de enero de 2019

CITA IMPERDIBLE: MADRID DESIGN FESTIVAL, FEBRERO 2019


Madrid Design Festival es una de las grandes citas de la Dezeen Guide 2019.
Información extraida del sitio web de Madrid Design Festival:
Madrid Design Festival es un festival internacional que tiene como objetivo convertir a Madrid en la capital del diseño y situarla en un lugar privilegiado en el contexto internacional. La cita anual se celebra durante el mes de febrero y abarca todas las disciplinas de diseño, desde la arquitectura al diseño gráfico pasando por la comunicación o el interiorismo, hibridando todas ellas en un  formato contemporáneo e innovador.
Madrid Design Festival es un proyecto de largo recorrido que está presente en toda la ciudad, convirtiéndose en la mejor herramienta de democratización del diseño y transmitiendo la importancia de una disciplina que transforma a diario nuestras vidas. Un lenguaje capaz de generar metodologías, cambiar mentalidades, alterar positivamente nuestro entorno y, sobre todo, de rediseñar el mundo.
El festival es una cita cargada de ambiciosas propuestas que colocan al diseño en el calendario cultural de la ciudad, atrayendo a una audiencia nacional e internacional a sus actividades expositivas y formativas repartidas por toda la capital.
Madrid Design Festival propone para ello un programa transversal que permite mostrar propuestas de diseñadores de referencia y apostar a su vez por los jóvenes profesionales.
El festival trabaja por convertir cada mes de febrero a la ciudad de Madrid en una fiesta del diseño, abriendo la temporada en la que la ciudad se transforma en un espacio puntero en los campos del diseño y la creación, con citas de referencia.
Madrid Design Festival, concebido y creado por La Fábrica y bajo la dirección de Álvaro Matías, ha contado, desde sus inicios, con la colaboración de un comité asesor integrado por expertos independientes, especialistas en distintos campos, para esta segunda edición contará con: Anatxu ZabalbeascoaInma BermúdezJasper Morrison, Lucas Muñoz, Martí Guixé, Nelly Ben Hayoun, Quico Vidal y Ramón Úbeda.


martes, 1 de enero de 2019

"LA VIE EN ROSE" EN EL MUSEO DEL TRAJE


¡Saludos y Feliz 2019!
Hasta el próximo día 3 de marzo de 2019 podemos disfrutar en el Museo del Traje de Madrid de una espléndida muestra sobre el color rosa en la moda: La Vie en Rose.
La exposición -aunque breve- estéticamente es fascinante y está estructurada cronológicamente, en función de distintas épocas y estilos artísticos, desde Grecia hasta la época contemporánea.


No os perdáis el magnífico y completo catálogo: lo podéis descargar aquí. 

Información del Museo:
El color rosa y la amplia familia de rosados, desde el pastel al fucsia, del nácar al frambuesa, son los protagonistas de La vie en rose, una exposición temporal que profundiza en los aspectos técnicos y simbólicos asociados al uso de este color en la cultura occidental, especialmente a través de su uso en la moda.
Las múltiples tonalidades de rosa remiten a los periodos en los que han sido más utilizadas, aquellos en los que las técnicas tintóreas permitieron su aparición o en los que sencillamente se difundieron como moda. Esa misma lectura histórica revela una transformación paulatina de sus significados, que ha adquirido en la cultura contemporánea un gran poder performativo y requiere un análisis desde la perspectiva de género.
La colección del Museo ofrece innumerables ejemplos de utilización del rosa en el textil y la indumentaria desde el siglo XVIII hasta la actualidad, así como amplias muestras de la cultura material española con la misma característica, desde carteles publicitarios a útiles de cocina. A partir de ellas, se ha establecido un discurso expositivo que se completa con piezas custodiadas por otros museos como el Museo Nacional de Artes Decorativas o el Museo Arqueológico Nacional, además de colecciones privadas como la de Antoni de Montpalau.
Comisariado: Lucina Llorente y Juan Gutiérrez
Coordinación: Ana Muñoz
Producción: Museo del Traje
Lugar: sala de exposiciones, planta baja Fechas: 16 de noviembre 2018 - 3 de marzo 2019

Os dejo varias fotografías que hice de la exposición:

Ejemplos de moda rococó: bata a la francesa, c. 1770; casaca masculina, c. 1775; manguito, c. 1780.

                                    Casaca masculina c. 1775.

               La Iglesia, también de rosa: casullas del siglo XVIII.

                       Moda neoclásica: vestido camisa, c. 1810.

                            Traje, c. 1810.

     El Romanticismo: mantón chino, c. 1890. Sombrilla, c. 1860.

                                 Chaleco, c. 1840.


                              Traje de polisón, c. 1910.



                                       Abanico, c. 1890-1914



            Rosa también en el toreo: chaquetilla, Fermín, Años 90


                    Vestido y torera, Elio Berhanyer, 1975


                       Conjunto de capa y pantalón, Mariano Fortuny y Madrazo, 1910-1920

                                       Vestido,  Jean Dessès, 1950.


                  Retrato de niño, Anónimo, principios del siglo XIX.


                               Vestido, Emilio Pucci, 1965

viernes, 21 de diciembre de 2018

¡FELIZ NAVIDAD, FELIZ 2019!




¡Con mis mejores deseos de felicidad para estas Navidades!

Nacimiento de Salzillo, siglo XVIII, https://blog.navidaddigital.com/2013/12/05/belen-de-salzillo-madrid-2013/
Un regalito musical, ya que entran los Beatles en la Ebau: Wonderful Christmastime de Paul McCartney (1979) y Happy Xmas (War is Over) de John Lennon (1971). También os dejo la  versión que de esa canción hizo la maravillosa cantante canadiense Sarah McLachlan en el año 2006.
Espero que lo disfrutéis.







miércoles, 21 de noviembre de 2018

LA CORONA DE LA EMPERATRIZ BEATRIZ DE ARAGÓN Y OTROS EJEMPLOS DE ORFEBRERÍA BIZANTINA



Entre los deslumbrantes ejemplos de orfebrería bizantina, contamos con iconos, relicarios,  cruces, incensarios, piezas litúrgicas, la celebérrima "Pala d´Oro" de la Basílica de San Marcos de Venecia, coronas y los indumentos-joyas que conjugan a la perfección las artes textiles con las gemas y perlas de calidad exquisita. Éstas últimas suelen ser obras sincréticas del arte bizantino con el cristiano de Europa occidental y el islámico.Veamos algunos ejemplos:

Iconos



Icono realizado con la técnica del repujado. Presenta oro, esmaltes y piedras preciosas, Tesoro de San Marcos

 Objetos litúrgicos


Cáliz conservado en el Tesoro de San Marcos de Venecia: oro,  esmaltes y perlas,  siglo XI.
Relicarios



Crucifixión, relicario con esmaltes, c. siglos VIII-XI, Museo Metropolitan de Nueva York
Incensarios


Incensario en forma de iglesia bizantina, siglos X-XI, plata dorada, Tesoro de San Marcos, Venecia

La Pala d´Oro


Detalle de Cristo en majestad, Pala d´Oro, Tesoro de San Marcos de Venecia


Los cuatro evangelistas, que en esta ocasión no aparecen bajo la forma de tetramorfos. Observese la riqueza del mobiliario y la presencia de los escabeles para los pies.


Representación de un arcángel riquisimamente ornado: el horror vacui lo invade todo


En este detalle se aprecia el eclecticismo de la Pala d´Oro que se nutre del arte bizantino, islámico y en este detalle, gótico (arco de tipo conopial)

Los indumentos-joyas bizantinos-cristianos y con influencia islámica
Ruggero II
Mosaico de la Coronación del emperador Rogelio II, Sicilia, siglo XII. Observese la riqueza ornamental de las joyas de la corona y la indumentaria. 



El Manto del emperador Ruggero II de Sicilia, es un perfecto paradigma del sincretismo cristiano e islámico que podemos encontrar en las artes bizantinas. Detalle del manto: es un cuadrilóbulo con motivos geométricos, incrustaciones de piedras preciosas, esmaltes alveolados o cloisonné y perlas. Museo de Arte de Viena.






Zapatos de la coronación de Roger II de Sicilia, seda bizantina, bordados, perlas y piedras preciosas, reconstruido en el siglo XVII.





Guantes de la Coronación de Federico II en Sicilia (1220), emperador del Sacro Imperio Romano Germánico y rey de Sicilia. Seda bizantina con incrustaciones de perlas, esmaltes, bordados y piedras preciosas. 

La corona de la emperatriz Beatriz de Aragón y Castilla (1179-1222)
Uno de los personajes de nuestra historia poco conocidos, pero muy interesantes es la emperatriz Beatriz de Aragón y Castilla. Fue sin duda, una de las mujeres más fascinantes de la Edad Media. Hija de Alfonso II el Casto, rey de Aragón y de  su segunda mujer, Sancha de Castilla, cuando contaba con 19 años fue casada con el rey Emeric de Hungría (1198), ya que su hermano, el rey Pedro III el Católico así lo dispuso. Con el monarca húngaro tuvo un hijo llamado Ladislao.
Cuando enviudó, residió durante un tiempo con su madre, la reina Sancha, en la abadía de Sigena (Aragón) hasta que la casaron con el joven rey Federico II de Sicilia en el año 1209. Al parecer el Papa Inocencio III presionó a este rey siculo-normando  para que se casara con ella porque era "catolicissima".
En la ceremonia que tuvo lugar el 15 de agosto, fue coronada reina de Sicilia. Por aquel entonces, ella tenía 30 años y su nuevo marido sólo 14. Dos años después tuvo un hijo llamado Enrique, que tendría años después un trágico final. 
En el año 1220, el Papa Honorio III coronó emperador del Sacro Imperio Romano Germánico a Federico II y ella fue coronada emperatriz. Desgraciadamente, murió de malaria dos años más tarde en Catania. Ambos están enterrados en la bellísima catedral normanda de Palermo.
Su corona, digna de una emperatriz, data del siglo  XIII, c. 1220 y está realizada en oro macizo, plata dorada, esmaltes, perlas y piedras preciosas. Sus medidas son 13.5 de alto por 18.5 y la "pendilia" o "ínfulas" 20.5 x 10. 
Las ínfulas son de oro amarillo y de forma triangular. Aparecen decoradas con esmaltes cloisonné y granates.
Esta corona con forma hemisférica, es una "kamelaukion" en forma de "cuffia", presenta trazas de restauraciones -la última realizada en 1993 por Claudia Guastella-. Una cruz la recorre de punta a punta. Sobre una base de tejido presenta láminas de oro cuadrilobuladas y esmaltes cloisonné. Entre las gemas encontramos granates, rubíes, zafiros, amatistas, turquesas y topacios.
Todavía hoy es objeto de polémica y de confrontación entre los expertos de esta impresionante pieza... 
Al menos están de acuerdo en que fue realizada en el Palazzo Reale de Palermo y que responde a tipologías habituales de "kamelaukion" o coronas bizantinas.




Corona de la emperatriz Constanza de Aragón, esposa del emperador del Sacro Imperio Romano Gérmánico Federico II, Tesoro de la Catedral de Palermo, Sicilia



En esta gema aparece una inscripción incisa en árabe que dice "In Dio Isà ibn Gibair s´affida", es decir, que Ibn Gibair se confía a Dios, tiene fe en él.

Finalmente, hay que señalar que el arte bizantino ha sido y sigue siendo una fuente de inspiración para los artistas y diseñadores como ejemplifican desde Gustav Klimt hasta Dolce y Gabanna:


El beso, Gustav Klimt, 1907-8, Museo Belvedere, Viena


Colección 2013 de Dolce y Gabanna inspirada en Bizancio


Más información en la web de la Basílica de San Marcos y en el Tesoro de la Catedral de Palermo.
En la documentación sobre la exposición Byzantium (1) y (2)