Blog educativo dedicado a la Historia del Arte en general, y a la Historia de las Artes Decorativas y el Diseño en particular. Historia de la Indumentaria. Fundamentos del Arte I y II.
Descripción del blog
Este blog educativo está dedicado a la Historia del Arte en general, y a la Historia de las Artes Decorativas y el Diseño en particular. Apuntes de Fundamentos del Arte I y II. Resúmenes de Historia de la Indumentaria. Cine en el Arte, Arte en el Cine. Todos los textos han sido escritos por la autora del blog, Ana Galván Romarate-Zabala. Si los utilizas, cita las fuentes. Todas las imágenes contenidas en esta web tienen exclusivamente una intencionalidad didáctica. Si alguna imagen empleada vulnera derechos de autor, puede solicitar la retirada del material que considere de su propiedad intelectual. El contenido de mis artículos puede ser descargado libremente, pero por favor, cite la procedencia. Imagen que encabeza el blog: Un Bar aux Folies Bergère, Édouard Manet, c. 1882. Courtauld Institut, Londres. Fuente de la imagen: Wikimedia Commons. Public Domain
Andy Warhol´s stardust es el nombre de la exposición que tuvo lugar en el año 2013 en el Museo del Novecento en Milán. Este museo, imprescindible para los aficionados al arte del siglo XX italiano, se encuentra en plena plaza del Duomo de la ciudad lombarda.
"Polvo de estrellas" es el evocativo título de esta muestra. Alude al polvo de diamante que utilizaba el artista con frecuencia en sus serigrafías y también a su capacidad de crear iconos pop de objetos cotidianos y personajes -reales o de ficción- del siglo XX.
Andrew Warhola Jr., más conocido como Andy Warhol, fue el máximo exponente del Arte Pop. Nacido en Pittsburg en 1928 y muerto en Nueva York en 1987, estudió arte en su ciudad natal e inició su carrera como ilustrador publicitario de gran éxito.
Su producción artística abarca la pintura, la fotografía, el grabado, la escultura, el cine, la música...
Su fuente de inspiración fueron la publicidad, los cómics, el cine, y en general, los medios de comunicaciones de masas.
Su estudio, The Factory, fue lugar de encuentro de intelectuales, drag queens, escritores, músicos, artista bohemios, celebridades de Hollywood y ricos mecenas.
Para la realización de sus retratos, desde inicios de los años 70, seguía el mismo proceso: realizaba unas 60 fotos con una Polaroid Big Shot de una imagen y seleccionaba 4. Una de ellas era impresa y después la reelaboraba gráficamente, frecuentemente con la ayuda de sus colaboradores de The Factory.
Warhol también fue escritor y fundó en 1969 con Gerard Malanga y John Wilcock en 1969 la revista Interview Magazine. En esta revista dedicada a la moda y la publicidad, Warhol diseñaba las portadas.
No faltan en la muestra las referencias a Warhol de Keith Haring con su divertida serie Andy Mouse.
Haring en los años 80 creó la Pop Shop en el Soho de Nueva York donde vendía camisetas, juguetes, y todo tipo de gadgets a bajo precio que consideraba parte integrante de su producción artística.
La exposición se cierra con el célebre retrato de Marilyn (1967) -realizó 30 serigrafías dedicada a este actriz tras su suicidio- y el del propio artista realizado por Mapplethorpe (1986).
Ed Harris caracterizado magistralmente como Pollock en la película de homónimo nombre. Fuente de la imagen: imdb.com
“Cuando estoy inmerso en mi pintura, no soy consciente de lo que hago. Solo después de pasar un periodo de ‘familiarización’ puedo ver lo que he hecho. No me da miedo realizar cambios, destrozar la imagen, etc. porque la pintura tiene vida propia.”
Jackson Pollock, 1947–48
JACKSON POLLOCK es uno de los artistas más representativas del arte de vanguardia posterior a la II Guerra Mundial.
Nació en 1912 en Cody (Wyoming), y murió el 11 de agosto de 1956 en East Hampton (Nueva York). Era el quinto de cinco hermanos y sus ancestros eran de origen irlandés y escocés. Tuvo una infancia difícil, su padre abandonó a su familia cuando él tenía solo nueve años. Ya desde pequeño mostró, como dos de sus hermanos también, inquietudes artísticas.
Estudió en una escuela de arte de Los Ángeles y en Nueva York. En la ciudad de los rascacielos se sintió atraído por la pintura de los grandes maestros que pudo contemplar en el Metropolitan y en el MoMA. Estudió pintura mural y se interesó por las obras de los muralistas mejicanos más importantes (Orozco, Rivera, Siqueiros). Trabajó durante buena parte de los años 30, 40 y 50.
La vida y la obra de Pollock fue vertiginosa. De carácter neurótico, violento y autodestructivo, la adicción al alcohol marcará su vida a sangre y fuego: intoxicó sus relaciones –en especial con su esposa la también pintora Lee KRASNER- y propició su muerte en estado de embriaguez en un accidente de coche, donde murió una amiga y también quedó gravemente herida su amante –de tan solo 25 años- el 11 de agosto de 1956.
En sus inicios luchó con poco éxito para abrirse camino en el mundo del arte. Sufrió privaciones y pobreza, y en apenas unos años pasó de ser un artista casi desconocido a una gran estrella del arte mundial. En ello tuvo mucho que ver Lee KRASNER su fiel y dominante compañera de vida –se casó con ella en 1945-, que creía ciegamente que Pollock era un genio. Le apoyó todo lo que pudo para que triunfase como finalmente así ocurrió.
En 1943 Jackson Pollock recibió de la “pope” del mundo del arte moderno, la galerista y coleccionista Peggy GUGGENHEIM, el encargo de crear una pintura para decorar la entrada de su residencia. Se llamaría "Mural", hoy considerada una de las obras clave de su trayectoria. Peggy Guggenheim contribuiría a transformar a Pollock en un artista internacional: en su galería "Art of This Century" de Nueva York le dedicó una exposición monográfica ya en 1943.
Betty PARSONS, otra influyente marchante neoyorkina, apostó por su obra y paulatinamente, Pollock alcanzó el estrellato en la década de los 50, convirtiéndose en el paradigma del pintor americano de vanguardia.
Por fin, los Estados Unidos podían medirse con Europa en cuanto a la creación de movimientos vanguardistas. De hecho, después de la II Guerra Mundial, Nueva York “robó” a París la capitalidad del mundo artístico.
Durante la época de la Gran Depresión, los años 30, Pollock realizó murales realistas de gran tamaño y se interesó por el arte de los indígenas norteamericanos.
En 1939, Pollock visitó a un psicoanalista para tratar su alcoholismo –que arrastraba desde su adolescencia- y le recomendó que creara dibujos como vía de curación de sus adicciones. Esos dibujos alimentarían sus cuadros.
Hacia 1947 Pollock ya había concretado su técnica innovadora creada a base de cuadros abstractos, con el método del "dripping" o goteo, con el que, andando el tiempo, cosecharía un gran éxito.
En su edición de Agosto de 1949, la revista LIFE le dedicó un artículo en el que ya se consideraba a Pollock como el más grande pintor vivo de los Estados Unidos.
Así las cosas, hoy perdura su figura como el máximo exponente del Expresionismo Abstracto americano.
Pollock en pleno proceso de Action Painting
El Expresionismo Abstracto americano también conocido como ACTION PAINTING (pintura de acción o pintura gestual) forma parte de las Segundas Vanguardias que son las que cronológicamente aparecieron después de la II Guerra Mundial.
Este corriente pictórica, de gran originalidad y fuerza creadora, fue fruto de la experiencia común de una serie de artistas –amigos y compañeros- que vivieron en el Nueva York de la década de 1940. Cada uno de ellos tenía un estilo propio y único. A diferencia de lo que ocurrió en los movimientos precedentes del Cubismo y el Surrealismo, el Expresionismo Abstracto no parecía seguir una fórmula fija. Esta diversidad es una celebración de la libertad individual de cada artista para expresarse.
Recordemos que durante la Segunda Guerra Mundial, Nueva York acogió a los artistas, marchantes y críticos de arte europeos que cruzaron el océano huyendo de los regímenes totalitarios. Estos artistas trajeron consigo un nuevo arte que mostraban en galerías y exposiciones, y que también divulgarían ejerciendo la docencia. Así, esta ciudad se convirtió en el caldo de cultivo de nuevas experiencias artísticas. Particularmente relevantes fueron los surrealistas europeos que se establecieron en Nueva York: crearon una colonia poderosa que ejerció mucha influencia en las nuevas generaciones. De ellos aprendieron la primacía del automatismo, la valoración de lo irracional, etc. A esta influencia surrealista, los expresionistas abstractos añadirían las procedentes de filosofías orientales.
Podemos rastrear los orígenes de la abstracción ya desde KANDINSKY, aunque los orígenes remotos son claramente los encontramos en el siglo XIX, en la instantaneidad del romántico William TURNER o en las obras del impresionista Claude MONET, quien por lo demás, fue encumbrado como padre de la modernidad por los jóvenes artistas del triunfante expresionismo abstracto norteamericano y los seguidores de los informalismos europeos.
Los expresionistas abstractos americanos concedían una gran importancia al color. Algunos artistas hacían hincapié en el gesto y la expresividad emocional –sobre todo Pollock- mientras que otros planteban un discurso más místico y reposado, es la tendencia de los "color fields" (campos de color), representada por Rothko y Newmann entre otros. Entre los pintores del expresionismo abstracto descuellan Jackson Pollock, Franz Kline, Robert Motherwell, Willem de Kooning, Ashile Gorky, Clifford Still, Mark Tobey o Mark Rotko.
Es interesante subrayar que, en plena época de Guerra Fría, para un amplio sector de la élite intelectual del país, el Expresionismo Abstracto representaba el triunfo de la cultura libre sobre la cultura totalitaria, pues se basaba en la libertad absoluta del artista. Por eso, la Agencia Central de Inteligencia americana (CIA) llevó a cabo una sutil maniobra, que convirtió a los expresionistas abstractos en un arma propagandística de la cultura estadounidense contra la soviética, subvencionando su arte incluso a espaldas de los propios artistas .
El Expresionismo Abstracto se difundió por muchos países, especialmente por Europa donde se la conoció con el nombre genérico de INFORMALISMO y a partir de ahí, se concretará en diversas tendencias como Tachismo (del francés "tache", mancha) o pintura matérica cuando se incorporaron al lienzo otros materiales, como arpilleras, arena, madera, etc.
En España el INFORMALISMO tuvo un gran desarrollo con grupos como El Paso (Manolo MILLARES, Luis FEÍTO, Martín CHIRINO, etc.) o artistas de la talla de Esteban VIDENTE (pintor español que perteneció a la Escuela de Nueva York y que cuenta con museo en Segovia) o Antoni TÀPIES.
La fortuna crítica de Pollock ha sido oscilante. Después de unos inicios difíciles, donde a duras penas podía llegar a fin de mes, contó, desde mediados de los años 40 con el apoyo de un elitista círculo del mercado del arte neoyorkino–galeristas, coleccionistas, críticos de arte-. Finalmente, a partir de los años 50 llegaría el éxito internacional, convirtiéndose en uno de los artistas más cotizados del mundo del arte. Su último año productivo de trabajo fue en 1953.
El impacto y trascendencia de Pollock en la historia del arte ha sido profunda: en los pintores abstractos americanos y europeos de la segunda mitad del siglo XX. Es un pintor que recuerda a Van Gogh por su vida atormentada y su final trágico.
Entre las obras de Pollock destacan:
"Going West", Pollock, 1934. Fuente de la imagen: WikiArt.com
"Coal Mine", Pollock, c. 1936. Fuente de la imagen:http://www.nga.gov/content/ngaweb/Collection/art-object-page.149214.html
"Mural", Pollock, 1943. Fuente de la imagen: http://commoncurator.blogspot.com.es/2011/02/value-of-jackson-pollocks-mural.html
"Guardians of the Secret", Pollock, 1943. Fuente de la imagen:http://www.jackson-pollock.org/guardians-of-the-secret.jsp
"Composition nº 1, Lavender Mist, 1950", Pollock, 1950. Fuente de la imagen: https://www.nga.gov/content/ngaweb/Collection/highlights/highlight55819.html
En el año 2000 el gran actor Ed Harris interpretó de una
forma magistral la figura de POLLOCKen la película de homónimo nombre. Fue también director de la misma.
Junto con Charlton Heston ("El tormento y el éxtasis" sobre Miguel Ángel) y Kirk Douglas ("El loco del pelo rojo" sobre Van Gogh) es dificil encontrar en la historia del cine una interpretación más impresionante sobre un artista. Además, es que en este caso, Ed Harris muestra un gran parecido físico con el personaje que interpreta.
Jackson Pollock versus Ed Harris. Fuente de la imagen: http://www.nydailynews.com/entertainment/hollywood-double-takes-actors-famous-faces-gallery-1.76789?pmSlide=1.97134
Ed Harris consigue transformarse en un creíble Pollock. Fuente de las imágenes: imdb.com
La película POLLOCK, extraordinaria desde muchos puntos de vista, se centra en los orígenes pictóricos del artista en Nueva York.
En ella realiza una visión pormenorizada sobre la vida cultural y artística de la ciudad de los rascacielos, en plena efervescencia de las Segundas Vanguardias. También es un retrato -dramático- de un matrimonio, el de Pollock y Krasner.
En la película, a modo de espejo de la época, transitan muchos personajes, empezando por la familia del artista -recordemos que dos de sus hermanos fueron también pintores-; galeristas como Peggy Guggenheim y Betty Parsons; pintores como De Kooning, Alfonso Ossorio, Franz Kline; los críticos de arte Harold Rosenberg y Clement Greenberg, etc.
Un personaje capital en la vida, en la obra y en la película de Pollock es su compañera y esposa la también pintora LEE KRASNER.
Jackson Pollock (Ed Harris) y Lee Krasner (Marcia Gay Harden) en un fotograma de la película. Fuente de la imagen: imdb.com
Jackson Pollock (Ed Harris) y Lee Krasner (Marcia Gay Harden) un fotograma de la película. Fuente de la imagen: imdb.com
La marchante y coleccionista de arte de vanguardia PEGGY GUGGENHEIM no podía faltar en este film así como su mítica galería "Art of This Century" de Nueva York.
Fuente de la imagen: http://www.artcrimeillustrated.com/2014/09/pollock-2000-ed-harris-as-jackson.html
Son geniales las escenas donde aparece el artista en pleno proceso creativo del "Action Painting".
Fuente de la imagen: http://www.artcrimeillustrated.com/2014/09/pollock-2000-ed-harris-as-jackson.html
En definitiva, una extraordinaria película, muy recomendable para toda persona aficionada al cine con mayúsculas y al arte contemporáneo en especial.
Cartel de la película "La Duquesa". Fuente de la imagen: IMDB.com
Los que amamos el cine y nos apasiona la moda disfrutamos el doble cuando vemos una película de las llamadas de época en la que reina el rigor y el gusto exquisito. A las referencias inequívocas a un determinado contexto histórico y estilo artístico, se unen en esos casos, la ambientación y los decorados que no dejan nada al azar y que están en plena sintonía con la indumentaria que se muestra en la película en cuestión. Ello no es óbice para que nos encanten licencias estéticas como pudimos ver en la célebre "María Antonieta" (Sofia Coppola, 2006) donde en vez de unas chinelas en una de las escenas aparecían unas Converse All Star...
Las Converse de María Antonieta (Sofía Coppola, 2006)
Son frecuentes las películas ambientadas en el complejo y apasionante siglo XVIII, en su vertiente rococó o neoclásico, que destacan por la alta calidad de sus referencias estéticas vinculadas a la moda: a la antes mencionada "María Antonieta" (Sofía Coppola, 2006), se unen "Las Amistades Peligrosas" (Stephen Frears, 1988); "Adiós a la reina" (Benoit Jacquot, 2012); "Barry Lyndon" (S. Kubrick, 1975) -esta última analizada magistralmente por Karin Wachtendorff-; "Farinelli, il castrato" (Gérard Corbiau,1994), sobre el mítico cantante italiano que trabajó en la corte del rey Felipe V- o la española "Esquilache" (Josefina Molina, 1888). En ellas la moda es un reflejo de la sociedad jerarquizada del Ancien Régime, expresión de la identidad de un determinado estamento social, y signo de distinción de poder social y económico.
Glenn Close interpreta uno de los papeles de su vida en "Las Amistades Peligrosas". En este fotograma aparece con su vestido "a la francesa" en un entorno totalmente rococó tanto en el mobiliario como en el juego de café de porcelana. Fuente de la imagen: IMBD.com
Kristen Dunst borda el papel de María Antonieta en esta apasionante película de Sofia Coppola. Fuente de las imágenes: IMBD.com
Fotograma de la web IMBD sobre "Adiós a la reina" en el que aparecen los reyes María Antonieta y Luis XVI.
Rose Bertin interpretada espléndidamente por la actriz Anne Benoît en "Adiós a la reina". Fuente de la imagen:http://www.frockflicks.com/farewell-my-queen-2012/
Fotograma de "Barry Lyndon", una obra de arte. Fuente de la imagen: IMBD.com
Fotogramas de "Farinelli, il castrato" donde se aprecia todo el lujo y la exuberancia decorativa del rococó. Fuente de la imagen: IMBD.com
La prohibición de llevar chambergos y grandes capas que podían esconder armas y dificultaban la identificación del viandante fue uno de los motivos del célebre Motín de Esquilache. En la imagen, el cartel de la película dirigida por Josefina Molina.
Una de las películas más espectaculares en la que podemos disfrutar de la moda del siglo XVIII es la británica "The Duchess": cuenta la historia de una célebre aristócrata inglesa, Georgiana Cavendish, sus avatares y tribulaciones en la época del "dolce far niente" o la "douceur de vivre" anterior a los estallidos revolucionarios y las guerras napoleónicas. La película se basa en la novela biográfica escrita por Amanda Foreman, inspirada, al parecer, en una historia real.
Fuente de la imagen: IMBD.com
Dirigida por Saul Dibb en el año 2008, el diseñador del magnífico vestuario fue Michael O’Connor que fue nominado a un Oscar por ello, aunque finalmente no lo consiguió.
Todo brilla en esta película: la ambientación, los decorados, la interpretación de los personajes, en particular de Keira Knightley y por supuesto la indumentaria.
La película pone en solfa los matrimonios de conveniencia, la hipocresía de la época, el papel opresivo que vivían las mujeres en el Antiguo Régimen y el ansía de libertad que podía llevarlas a circunstancias terribles y arriesgadas. La duquesa experimenta una evolución personal, de ser una mujer joven y apocada que acepta su destino a convertirse en una duquesa hedonista y refinada que lucha por su libertad con todas sus consecuencias. Vemos como su indumentaria se transforma desde sencillos trajes "a la francesa", característicos del rococó a cada vez más lujosos y extravagantes, como se aprecia en los accesorios: joyas exquisitas, grandes pelucas y sombreros, generosos escotes o el maquillaje, en el que no faltan los lunares de quita y pon. Cada vez más se observa la riqueza de los tejidos: las muselinas abren paso a las sedas y abundan los estampados fitomorfos y las rayas.
Paradójimente, la moda presente está más inspirada en Francia que en la propia Inglaterra: no faltan algún vestido "a la polonesa", creación de Rose Bertin, la "Ministra de Moda" de María Antonieta, que permitía, al llevar un recogido en la parte posterior, una mayor comodidad al andar y mostrar los zapatos y los pies, algo impensable hasta entonces:
Vestidos a la polonesa con chales.
Curiosamente, no predominan -salvo contados ejemplos- los tonos pastel de los indumentos, algo que sí está muy presente en otras películas ambientadas en el Rococó como "María Antonieta" o "Las Amistades Peligrosas".
La indumentaria masculina con la célebre tríada de casaca, chupa y calzones está espléndidamente presente en toda la película. Aunque no llegamos a ver en el film vestidos de corte Imperio, si que se aprecia, sobre todo al final, vestidos más "a la inglesa".
En las siguientes imágenes podemos apreciar algunos indumentos característicos del siglo XVIII:
Ralph Fiennes, que interpreta al duque, porta en esta imagen un tricornio o sombrero de tres picos y una peluca Club, también llamada Cadogan sin empolvar. Fuente de la imagen: IMDb.com
La protagonista con un vestido "a la francesa" con mangas pagoda y miriñaque. Fuente de la imagen:https://www.filmaffinity.com
Las exageradas pelucas, las joyas, los lunares postizos son parte esencial de la moda del siglo XVIII vinculada al rococó. Fuente de la imagen: imbd.com
Los grandes sombreros de paja se decoraban con flores, plumas, cintas y abalorios. Fuente de la imagen: IMBD.com
Las implicaciones políticas de la duquesa se aprecian en esta imagen de indumentos de inspiración masculina como la corbata con lazada o la chaqueta tipo redingote (riding coat) de montar a caballo en la que no faltan los botones metálicos. Los manguitos son de piel. Fuente de la imagen: IMBD.com
La madre de la duquesa lleva en este vestido a la francesa un peto con escala de lazos y ricos encajes en las mangas y en el escote. Una cofia adorna su cabello. Fuente de la imagen: IMBD.com
El duque lleva casaca, chupa, calzones y medias de seda.
Fuente de la imagen: https://nicoleparker1592.wordpress.com/2014/09/08/14/
En este personaje se aprecia la peluca llamada Club o Cadogan.
En esta imagen se aprecia el miriñaque o tontillo, esencial en la indumentaria rococó.
La indumentaria de la película evoluciona hacia el neoclasicismo y hacia indumentos más cómodos y prácticos, más "a la inglesa" como vemos en esta imagen. Seguimos encontrando grandes pelucas y exagerados sombreros de paja. Fuente de la imagen: https://www.filmaffinity.com
Bibliografía sobre Historia de la Indumentaria (siglo XVIII y otras épocas)
Recursos en Red http://historiadelamodaylostejidos.blogspot.com/2016/11/moda-en-el-cine-barry-lyndon.html www.imbd.com https://www.filmaffinity.com/es/film200234.html https://web.archive.org/web/20080922142536/http://www.theduchessmovie.com/ https://nicoleparker1592.wordpress.com/2014/09/08/14/
