Descripción del blog


Este blog educativo está dedicado a la Historia del Arte en general, y a la Historia de las Artes Decorativas y el Diseño en particular. Apuntes de Fundamentos del Arte I y II. Resúmenes de Historia de la Indumentaria. Cine en el Arte, Arte en el Cine. Todos los textos han sido escritos por la autora del blog, Ana Galván Romarate-Zabala. Si los utilizas, cita las fuentes. Todas las imágenes contenidas en esta web tienen exclusivamente una intencionalidad didáctica. Si alguna imagen empleada vulnera derechos de autor, puede solicitar la retirada del material que considere de su propiedad intelectual. El contenido de mis artículos puede ser descargado libremente, pero por favor, cite la procedencia. Imagen que encabeza el blog: Un Bar aux Folies Bergère, Édouard Manet, c. 1882. Courtauld Institut, Londres. Fuente de la imagen: Wikimedia Commons. Public Domain

domingo, 8 de noviembre de 2020

TUTANKHAMÓN: LA TUMBA Y SUS TESOROS

 





Hasta el próximo 10 de enero de 2020 podemos contemplar en el recinto de Ifema de Madrid una apasionante exposición llamada "Tutankhamón: la tumba y sus tesoros". 
Pero que nadie se lleve a engaño: no son las piezas auténticas. Y aunque nada hay comparable al disfrute de las obras de arte originales y en su contexto, es una verdadera maravilla contemplar extraordinarias réplicas con indudable valor didáctico. 
Destaco algunas piezas de la exposición de este faraón (1333-1323 a. C.) que reinó a finales de la dinastía XVIII en el Imperio Nuevo.

Imagen del arqueólogo británico Howard Carter descubridor de la tumba de Tutanhkamón. 


En esta exposición se reconstruye cómo debió ser la antecámara de la tumba repleta de incomensurables tesoros (más de 700 objetos).




La máscara de Tutankhamón

La máscara de Tutankhamón cubría la cabeza de la momia del rey. El original está realizado en oro macizo con incrustaciones de pasta vítrea y piedras semipreciosas. 
El rostro idealizado muestra los lóbulos perforados para incorporar pendientes.
El tocado  nemes o klaft simboliza el cielo, con los rayos dorados del sol. Presenta barba postiza trenzada, insignia habitual de los faraones así como el collar apotropaico usej rematado por cabezas de halcón. En la parte frontal aparece la cabeza de buitre -símbolo del Alto Egipto- y la cobra erecta -representativa del Bajo Egipto-.






Mobiliario

El trono de Tutankhamón

Este mueble de alma de madera en el original aparece recubierto con láminas de oro e incrustaciones de plata, alabastro, vidrio y piedras semipreciosas. Aparece acompañado de un escabel de madera dorada con incrustaciones.
Este mueble fue encargado cuando Tutankhamón se convirtió en rey a la edad de nueve años y todavía llevaba el nombre de Tutanthatón. En el respaldo aparece el monarca con su esposa recibiendo los rayos solares del dios Atón de acuerdo con la religión amarniense.
Es el mueble dentro del mueble. Su esposa Anjesenamón, de pie frente a él, unge su hombro. Recordemos que desde la Antigüedad el estar sentado es una muestra de poder y autoridad.
El escabel de madera con incrustaciones de faience o fayenza (pasta egipcia) azul, está decorado con tres nubios y tres figuras de Oriente Próximo que representen a los jefes de las tierras extranjeras sometidos a sus pies.
Las patas del mueble acaban en garras de animal que se apoyan en un cilindro. 









Silla para niño con escabel

El original de esta silla es de madera de ébano con incrustaciones de marfil y paneles de pan de oro.
Es una silla con forma de trono que presenta asiento combado, patas con garras de león sobre cilindro o tambor.
Los dos paneles dorados de los brazos muestran un íbice herido por la parte exterior y plantas del desierto en su interior.
El escabel de madera de cedro rojo posee incrustaciones de madera de ébano y marfil que se corresponden con los utilizados en la silla.




Lecho o cama ritual

Las camas eran un objeto raro y de auténtico lujo. Solían estar ligeramente inclinadas de manera que los pies se situarían a un nivel inferior que la cabeza que descansaría sobre un uol o reposacabezas de madera, marfil o hierro.
En este camo apreciamos un lecho ritual decorado con cabezas de león sobre el que se disponían las momias vendadas una vez embalsamadas.
Para el entierro de Tutankhamón se emplearon tres lechos funerarios vinculados a ritos del más allá. Este ejemplo presenta forma de león: el original es de madera dorada con incrustaciones de video, piedras semipreciosas y marfil. Salvo por la base, la cama entera está cubierta de pan de oro. Los ojos translúcidos están realizados con piezas de cuarzo pintados y la punta de la nariz y los lagrimales están incrustados con vidrio azul.



Trono con escabel

El original de este mueble de asiento fue realizado en madera con finas láminas de oro e incrustaciones de vidrio, piedras semipreciosas, ébano y marfil. La decoración horror vacui lo invade todo.
Este trono está construido en forma de silla plegable. 
Las incrustaciones del asiento imitan la piel de leopardo y las patas cruzadas están rematadas por cabezas de patos.



El valor simbólico de los escabeles se aprecia en sus motivos decorativos de carácter figurativo: suelen representar a sus enemigos (nubios, asiáticos, libios) sobre los que el faraón descansa sus pies.


Taburete que imita la decoración de piel de leopardo

En la tumba de Tutankhamón se encontraron doce taburetes, ocho reposapies individuales y seis sillas. Entre los taburetes aparecieron varios de asiento curvado y cuatro patas fijas, otros plegables y uno de tres patas. Los signos de desgaste en algunos de los muebles infantiles indican que Tutankhamón se sentó en ellos de niño. Los primeros ladrones de las tumbas rompieron los puntales metálicos decorativos de los tronos y se los llevaron.
Este taburete imita a una silla plegable pero no se puede plegar. Simula la piel de leopardo conseguida mediante el marfil incrustado sobre el asiento de madera de ébano. La cola de leopardo de madera cuelga de cada uno de los lados del taburete.


Cofre con decoración calada

En la tumba de Tutankhamón aparecieron unas cincuenta piezas entre arcas y arcones para contener adornos, ropa y reposacabezas (uol).
Las cajas, que a menudo tenían cajones, habían sido en gran parte revueltas y desvalijadas. Es de suponer que la mayoría de los cofres o arcones fabricados con materiales valiosos fueran robados.
Este cofre con decoración calada en el original, es de madera con chapas de marfil. 
Está decorado con jeroglíficos dorados: su significado es "toda la vida y todo el poder". 
En las chapas de marfil figuran los nombres de Tutankhamón y su esposa Anjesenamón. 
El interior del cofre está dividido en dieciséiscompartimentos y contenía los utensilios de escritura del rey y su estuche para espejo.



Caja para tocados

Esta caja casi cuadrada, cuyo original es de madera, tiene en su interior un soporte fijado al fondo cuyo borde superior es más ancho. Se cree que se utilizaba para guardar tocados de Tuntakhamón. 



Otras obras

Flabelo

Es un tipo de abanico de madera dorada  con decoraciones en bajorrelieves a mayor gloria del farón (escenas de caza, etc.)
Se encajaban sobre los flabelos treinta plumas    de avestruz marrones y blancas.



Figura de la diosa Sejmet sentada en un trono

La diosa con cabeza de león Sejmet era adoraba sobre todo en Menfis. Su nombre significa "la poderosa". 

En su calidad de diosa femenina porta el vestido típico del Imperio Antiguo: el vestido forro de tirantes acompañado de un usej. Va adornado con retículas de flores de cuatro pétalos.




Sandalias

El calzado más habitual en el antiguo Egipto eran las sandalias que en general, se han conservado bastante bien gracias al clima seco y cálido. Podían ser realizadas en fibras, en cuero tintado de rojo o incluso en oro (éstas últimas con carácter ritual).
La mayor parte de las sandalias encontradas de la tumba de Tutankhamón fueronr realizadas en papiro y junco. Posiblemente fueron usadas por el faraón. Algunas son de cuero y están pintadas o bordadas con cuentas.
En este caso, las sandalias originales -realizadas en madera, cuero y láminas de oro-  presentan decoración figurativa: muestan a nubios de tez oscura y asiáticos de barba puntiaguda, ancestrales enemigos de los egipcios que son aplastados por el faraón bajo sus pies a cada paso.





JARRÓN DE PLATA EN FORMA DE GRANADA

El original de esta pieza era la plata: aunque los orfebres egipcios usaban preferentemente el oro, se han encontrado objetos de plata como éste. Este vaso o jarrón deplata tiene forma de granada. En la época de Tutankhamón, la granada se cultiviaba en la tierra del Nilo siendo muy apreciada por los estamentos sociales más poderosos y por la realeza como alimento éxotico y lujoso.



FUENTES DE DOCUMENTACIÓN

La exposición "Tutankhamón: la tumba y sus tesoros" y su catálogo:


viernes, 25 de septiembre de 2020

I CONGRESO INTERNACIONAL SOBRE CRISTÓBAL BALENCIAGA



¡Saludos!
Los próximos días 1 y 2 de octubre de 2020 tendrá lugar el I Congreso Internacional sobre el Maestro de la Alta Costura, Cristóbal Balenciaga. Será exclusivamente on line y gratuito.
Adjunto la información que sobre este evento ha publicado de la web del Museo Balenciaga:

 
"Con motivo de la conmemoración, este año 2020, del 125 aniversario del nacimiento del Maestro de la alta costura, el Museo Cristóbal Balenciaga presenta el I Congreso Internacional sobre Cristóbal Balenciaga que se celebrará los días 1 y 2 de octubre de manera virtual a través de la página web del Museo.

Este congreso académico, de proyección internacional, quiere ser la plataforma en la que 
se expongan trabajos y propuestas de investigación innovadoras y de calidad sobre la figura y el legado del modista en toda su amplitud —personal, empresarial, creativa, técnica, etc.—, así como investigaciones que analicen los diversos contextos biográficos, culturales y de trabajo en los que Balenciaga se desenvolvió.

El comité científico, compuesto por reputados expertos en Cristóbal Balenciaga, ha seleccionado 16 propuestas entre las recibidas en el call for papers para investigadores convocado el pasado mes de octubre de 2019. 

Dada la trascendencia de la figura de Balenciaga, han sido seleccionadas propuestas que provienen no solo del ámbito de la historia de la moda, sino también de otros campos de estudio como, por ejemplo, el económico, el comunicativo y el de las artes en un sentido amplio". 
Más información y reserva de plazas desde esta web.

viernes, 1 de mayo de 2020

ACCESORIOS DE LA MODA ROCOCÓ: SOMBREROS, PELUCAS Y PEINADOS


María Antonieta o "Madame Déficit", icono de la moda del siglo XVIII. Joyas y plumas adornan su cabello. Fuente de la imagen: https://www.pinterest.com/larosecouture/18th-century-ladies-hairdo/



Madame du Barry retratada por François-Hubert Drouais, Fuente de la imagen: Wikipedia. Public domain.
¡Saludos!
Durante el siglo XVIII podemos destacar la sucesión de tres estilos artísticos sucesivos:
*Tardobarroco o Barroco tardío, continuación del estilo predominante durante el siglo XVII.
*Rococó o estilo rocalla ("rocaille" en francés): aristocrático y hedonista, netamente francés pero con gran difusión por centro Europa, Alemania, Italia..
*Y el Neoclasicismo, antítesis de la exuberancia ornamental del Barroco y Rococó en busca de una vuelta a los ideales del mundo clásico.

Por lo que se refiere a la indumentaria femenina, el siglo XVIII es una de las etapas más apasionantes y espectaculares. Y con respecto a los accesorios, el capítulo de peinados, tocados, pelucas y sombreros no ha tenido parangón a lo largo de la historia de la moda occidental.
Conocemos el nombre de algunos diseñadores como la francesa Rose Bertin, sombrerera y modista de la reina María Antonieta, denominada ya en la época como "Ministra de la Moda" o Léonard Autié, el afamado peluquero de María Antonieta y la condesa du Barry.


                   
                            Rose Bertin, Fragonard, Met Museum, Fuente: metmuseum.org. 


Léonard tenía otros dos hermanos que también eran peluqueros en la corte y los tres se hacían llamar Monsieur Léonard. Fuente de la imagen: Wikipedia, public domain.

Las denominaciones de los peinados y tocados del rococó francés, en los que abundaban flores, plumas, cintas, joyas -como collares de perlas- y todo tipo de ornamentos no puede ser más extravagantes e imaginativas:
Dos ejemplos de peinados característicos del Rococó francés.   El de la derecha se denomina "bandeau d´amour".


Fuente de las imágenes: http://www.americanrevolution.org/clothing/frenchfashion2.php

Peinado "a la Independencia o el triunfo de la Libertad", c. 1778. Fuente de la imagen: https://artstor.wordpress.com

Literatos y filósofos de la época así como grabadores e ilustradores no reprimían sus críticas y comentarios mordaces ante las modas rococó en peinados, pelucas y sombreros.
Gustos ridículos o la absurdidad de las mujeres, caricatura de Matthew Derby, 1771. British Museum. Fuente de la imagen:http://www.fashioningtheearlymodern.ac.uk/wordpress/wp-content/uploads/2011/04/British-Museum.jpg


Fuente de la imagen: https://oliaklodvenitiens.wordpress.com/tag/leonard-autie/


                          
Guardarropa femenino, Daniel Chodowiecki, 1770. Obsérvese el detalle del pannier o miriñaque en la izquierda cuidadosamente recogido y colgado para que no ocupe espacio. La cabeza del maniquí muestra una peluca. Fuente de la imagen: wilanow-palac.pl

Los retratos de la pintura del siglo XVIII son una fuente iconográfica esencial para estudiar la moda en general, y los peinados y tocados en particular ligados al estilo rococó, también llamado "estilo rocalla".
Junto con Sir Joshua Reynolds, Georges Romney está considerado como uno de los retratistas más impresionantes del siglo XVIII inglés. En sus pinturas refleja con todo detalle la moda de la época, y en especial queremos destacar sus grandes tocados y sombreros a la moda ("chapeau à la Marlborough", "à la Devonshire"...). Eran de gran tamaño y alas extremadamente anchas con vistosos lazos. Este tipo de sombrero causó furor en Francia y otros países gracias a María Antonieta y a su sombrerera Rose Bertin.
Los sombreros "à la Marlborough" eran muy parecidos a los denominados por la reina de Francia "à la Devonshire" en honor de su elegante amiga Georgina, duquesa de Devonshire. 



La duquesa de Devonshire retratada por Thomas Gainsborough, c. 1785. Porta uno de sus espectaculares sombreros que hace honor a su título. Fuente de la imagen: Wikipedia. Public domain.

                                
Retrato de Mrs. Robert Trotter of Bush, c. 1788-89, Georges Romney, Tate Gallery, Londres. Fuente de la imagen: http://www.tate-images.com/results.asp?image=N02943


                     
                    Retrato de Lady Caroline Price, Georges Romney, 1774. Gran sombrero con cinta azul y plumas.




En este detalle del retrato de Mrs Musters (1779-80) por Georges Romney podemos contemplar un "chapeau à la Marlborough". Fuente de la imagen: http://georgianaduchessofdevonshire.blogspot.com.es/2010_09_01_archive.html


La influencia de la moda rococó es perceptible también en algunos espléndidos retratos realizados por Francisco de Goya como la Condesa de Benavente o la Marquesa de Pontejos:


La Condesa de Benavente y Duquesa de Osuna, F. de Goya, Fundación Bartolomé March, c. 1785. Fuente de la imagen: Wikipedia.


Marquesa de Pontejos, F. de Goya, c. 1786. Fuente de la imagen: Wikipedia. Public domain.


Otros ejemplos de retratos realizados por diversos autores en los que encontramos peinados con cintas, joyas o flores:

    Retrato de una joven, George Romney, 1777. Fuente de la imagen: http://lareinederetro.blogspot.com.es/2014/01/xviii-wiek-w-barwach-nieba-i-morza.html


  
                   Sofia Potocka, Biblioteca Nacional, Varsovia. Fuente de la imagen: http://www.wilanow-palac.pl/galeria/1547/0/foto/0


               
                         Maria Amelia Augusta, c. 1780. Fuente de la imagen:  wilanow-palac.pl


PARA SABER MÁS










RECURSOS EN RED

http://thehistoryofthehairsworld.com/el_cabello_en_el_siglo18.html
https://oliaklodvenitiens.wordpress.com/tag/leonard-autie/
http://vivelareine.tumblr.com/post/24637744651
http://mimic-of-modes.blogspot.com.es/2012/09/chapeau-la-spa-or-la-devonshire.html
https://archive.org/details/cu31924024290623
http://inspiringdresses.tumblr.com/post/18738354806/more-details-about-rococo-mme-bertin-marie

lunes, 7 de octubre de 2019

EL TESORO REAL DE UR (I)


Las artes decorativas en Mesopotamia tienen fundamentalmente un carácter cortesano, realizado al servicio del poder o de la fe. Encontramos una gran variedad de objetos desde cilindros sellos a amuletos, pequeños bronces, piezas cerámicas, joyas, arpas, etc.
Mesopotamia, región escasamente provista de madera y piedra, tampoco es rica en metales, si bien en algunas zonas había algún yacimiento. 
Utilizaron cobre, bronce, hierro, e incluso oro y plata para realizar piezas de gran belleza. Solían ser obras de pequeño tamaño pero de elevado valor.
Uno de los conjuntos más representativos de las artes decorativas de Mesopotamia es el Tesoro Real de Ur:


Entre todos los enterramientos del Tesoro Real de Ur destaca el de la reina Shubad o Puabi, uno de los más fructíferos en hallazgos, sobre todo joyas de la propia reina y de sus damas. Hay que destacar que en aquellas primeras etapas de la civilización mesopotámica se mantenía la costumbre del asesinato, en la misma sepultura, de los sirvientes del fallecido que le acompañaban al más allá. 
La reina Shubad, de tan refinado gusto, se llevó por delante a sesenta y ocho hombres y mujeres, cuyos cadáveres quedaron ordenadamente dispuestos en la rampa y en la antecámara de la tumba. Debemos “agradecer” a la reina su crueldad, pues los soldados y sirvientes sacrificados llevaban encima armaduras y armas, joyas y objetos musicales que de otra manera nunca habríamos conocido.
Algunas de las muertas allí enterradas eran arpistas y los elementos decorativos de sus instrumentos, que sobrevivieron al alma de madera, dan cumplida idea de la habilidad de los orfebres mesopotámicos. En oro, plata y lapislázuli se hizo también una curiosa pareja de machos cabríos que se apoyan en unos arbolillos floridos.
Como podemos observar en el tesoro de Ur había piezas en oro, plata, combinadas con madera, piedras preciosas, conchas, lapislázuli…
Las arpas de madera con cabeza de ciervo o de toro, también en oro y plata o bien en oro y lapislázuli; los machos cabríos de cuerpo de madera recubierto con láminas de oro y plata, incrustadas de la misma manera.
Entre todas las piezas destaca el llamado Estandarte de Ur. Esta pieza es un pequeño cofre de madera cuyas caras laterales poseen un mosaico de lapislázuli en el que se han incrustado buen número de figuras de concha de nácar. Las dos caras mayores muestran dos facetas distintas de la vida del pueblo sumerio: la de la guerra y la de la paz. Ambas caras están divididas en tres registros superpuestos en altura pero que se continúan iconográficamente del inferior al superior y de izquierda a derecha, excepto en el último, cuyo orden de lectura procede de derecha a izquierda (cara de la paz) o es de composición simétrica (cara de la guerra).
En el registro inferior de esta última cara, los protagonistas son los carros de combate, que ruedan arrollando a sus enemigos sin piedad y aplastándolos con las patas de los asnos; en el registro medio, soldados de a pie, con casco y túnica de cuero claveteado, avanzan con sus hachas y lanzas haciendo prisioneros a los combatientes enemigos; en el registro superior, los enemigos son presentados desnudos ante el rey, que se ha bajado ya de su carro y ocupa un lugar central privilegiado. En la cara de la paz, el rey, sentado, degusta la bebida en compañía de una serie de dignatarios a los que acompañan un músico y un cantante. Todos los personajes visten la típica falta sumeria, con el torso desnudo y el pelo y la barba afeitados por completo; en los otros dos registros, los porteadores y criados caminan con pesadas cargas o transportando animales (desde peces a vacas) que habrán de complacer las exigencias regias. Está hecho en concha, lapislázuli y caliza. Se conserva en el Museo británico de Londres.

miércoles, 13 de marzo de 2019

BALENCIAGA Y LA PINTURA ESPAÑOLA, PRÓXIMAMENTE EN EL THYSSEN


Fuente de la imagen: Vogue España https://www.vogue.es/living/articulos/balenciaga-pintura-espanola-exposicion-moda-museo-thyssen-junio-2019/37665

¡Saludos!
A nadie se le escapa la profunda conexión entre el arte y la moda. De hecho, las fuentes iconográficas -tanto pictóricas como escultóricas- históricamente han sido esenciales para conocer la indumentaria de diferentes épocas. Por otro lado, es muy frecuente que los diseñadores se inspiren en la pintura de los grandes maestros. 
En este sentido, estamos de enhorabuena porque próximamente en el Museo Thyssen de Madrid podremos disfrutar de la exposición "Balenciaga y la pintura española".
Reproduzco por su interés el texto explicativo de la misma que encontramos en la web del Museo Thyssen:
"En el verano de 2019, el museo presenta una exposición que vincula la creación de Cristóbal Balenciaga, el diseñador de moda más admirado e influyente de todos los tiempos, con la tradición de la pintura española entre los siglos XVI y XX.
Las referencias al arte y la cultura española estuvieron siempre muy presentes en el trabajo de Balenciaga. Las líneas simples y minimalistas de los hábitos religiosos o el volumen arquitectónico de estos tejidos son una constante en muchas de sus piezas. El aire de la bata de cola de una bailadora flamenca que se deja ver en los volantes de algunos vestidos, los brillos del traje de luces de un torero trasladado con maestría al paillette bordado de una chaqueta bolero, o la estética de la indumentaria en la corte de los Austrias reflejada en las negras telas aterciopeladas adornadas con azabache de sus creaciones, son solo algunos ejemplos. Balenciaga revisaba continuamente la historia del arte y, con una fuerte personalidad y estilo propio, mantuvo esas influencias hasta en su periodo más vanguardista, recuperando hechuras históricas y reinterpretándolas de manera muy moderna.
La exposición, comisariada por Eloy Martínez de la Pera, contará con una cuidada selección de cuadros procedentes de colecciones privadas españolas y museos nacionales, como el Museo del Prado o los museos de Bellas Artes de Sevilla, Valencia o Bilbao, así como con un conjunto de valiosas piezas de indumentaria, algunas de ellas nunca antes expuestas, procedentes de instituciones nacionales e internacionales, especialmente del Museo Balenciaga de Guetaria, el Museo del Traje de Madrid y de otras instituciones internacionales y colecciones particulares."
En este video podemos ver el "making of" de la exposición:

sábado, 19 de enero de 2019

CITA IMPERDIBLE: MADRID DESIGN FESTIVAL, FEBRERO 2019


Madrid Design Festival es una de las grandes citas de la Dezeen Guide 2019.
Información extraida del sitio web de Madrid Design Festival:
Madrid Design Festival es un festival internacional que tiene como objetivo convertir a Madrid en la capital del diseño y situarla en un lugar privilegiado en el contexto internacional. La cita anual se celebra durante el mes de febrero y abarca todas las disciplinas de diseño, desde la arquitectura al diseño gráfico pasando por la comunicación o el interiorismo, hibridando todas ellas en un  formato contemporáneo e innovador.
Madrid Design Festival es un proyecto de largo recorrido que está presente en toda la ciudad, convirtiéndose en la mejor herramienta de democratización del diseño y transmitiendo la importancia de una disciplina que transforma a diario nuestras vidas. Un lenguaje capaz de generar metodologías, cambiar mentalidades, alterar positivamente nuestro entorno y, sobre todo, de rediseñar el mundo.
El festival es una cita cargada de ambiciosas propuestas que colocan al diseño en el calendario cultural de la ciudad, atrayendo a una audiencia nacional e internacional a sus actividades expositivas y formativas repartidas por toda la capital.
Madrid Design Festival propone para ello un programa transversal que permite mostrar propuestas de diseñadores de referencia y apostar a su vez por los jóvenes profesionales.
El festival trabaja por convertir cada mes de febrero a la ciudad de Madrid en una fiesta del diseño, abriendo la temporada en la que la ciudad se transforma en un espacio puntero en los campos del diseño y la creación, con citas de referencia.
Madrid Design Festival, concebido y creado por La Fábrica y bajo la dirección de Álvaro Matías, ha contado, desde sus inicios, con la colaboración de un comité asesor integrado por expertos independientes, especialistas en distintos campos, para esta segunda edición contará con: Anatxu ZabalbeascoaInma BermúdezJasper Morrison, Lucas Muñoz, Martí Guixé, Nelly Ben Hayoun, Quico Vidal y Ramón Úbeda.