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| Regreso de la pesca, Joaquín Sorolla, 1895. Fuente de la imagen: Museo del Prado |
¡Saludos!
En el tema 3 estudiaremos distintas corrientes artísticas relativas a los siglos XIX e inicios del XX.
ACTIVIDAD EN GRUPO SOBRE PINTURA DE LOS SIGLOS XIX-XX
*Realización en grupos de tres alumnos de un esquema o mapa conceptual sobre una de las siguientes obras de arte que expondréis en el aula.
Cada grupo tendrá que analizar:
*Título y tema de la obra.
*El autor.
*Estilo y corriente estética a la que
pertenece (señalando las características del mismo)
*Características formales y técnicas del cuadro en cuestión: color,
dibujo, perspectiva, composición, influencias…
SIMBOLISMO
1."LEDA Y EL CISNE", GUSTAVE MOUREAU, 1865-75
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| Fuente de la imagen: Museo Moureau, París. |
2. SIMBOLISMO
"RETRATO DE VIOLETTE HEYMANN", ODILON REDON, 1910. MUSEO DEL ARTE DE CLAVELAND, ESTADOS UNIDOS.
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| Fuente de la imagen: Wikipedia, Public Domain |
3. GRUPO "LOS NABI"
"EL TALISMÁN", PAUL SERÚSIER, 1888, MUSEO DE ORSAY, PARÍS
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| Fuente de la imagen: Wikipedia, Public Domain. |
4. MANET, PADRE DE LA PINTURA MODERNA Y DEL IMPRESIONISMO
"EL ALMUERZO CAMPESTRE", ÉDOUARD MANET, 1863, MUSEO DE ORSAY, PARÍS
"EL ALMUERZO CAMPESTRE", ÉDOUARD MANET, 1863, MUSEO DE ORSAY, PARÍS
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| Fuente de la imagen: Wikipedia, Public Domain |
5. IMPRESIONISMO
"IMPRESIÓN, AMANECER", MONET,
"IMPRESIÓN, AMANECER", MONET,
MUSEO MARMOTTAN, PARIS, 1872
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| Fuente de la imagen: Wikipedia, Public Domain |
6. POSTIMPRESIONISMO
"NOCHE ESTRELLADA", VAN GOGH, 1889, MOMA, NUEVA YORK
"NOCHE ESTRELLADA", VAN GOGH, 1889, MOMA, NUEVA YORK
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| Fuente de la imagen: Wikipedia, Public Domain |
7."MATA MÚA" (Érase una vez), GAUGUIN, 1892
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Fuente de la imagen: http://www.madridoriginal.com/en/guided-tours-a-programs/exhibitions-in-madrid/past-exhibitions/item/85 |
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Fuente de la imagen: Wikipedia, Public Domain |
9. LUMINISMO
"CHICOS EN LA PLAYA", JOAQUÍN SOROLLA, MUSEO DEL PRADO, 1909
"CHICOS EN LA PLAYA", JOAQUÍN SOROLLA, MUSEO DEL PRADO, 1909
 |
| Fuente de la imagen: Museo del Prado 10. "El pensador", Rodin.  11."En el balcón", Berthe Morisot, Impresionismo, 1871-72  VIDEO SOBRE SIMBOLISMO
VIDEO SOBRE "LOS NABIS":
VIDEO SOBRE EL IMPRESIONISMO:
VIDEO SOBRE EL POSTIMPRESIONISMO:
VIDEO SOBRE SOROLLA
Y extractos de los apuntes sobre:
SIMBOLISMO
El Simbolismo fue una corriente
cultural, fundamentalmente literaria y pictórica, que surgió en las últimas
décadas del siglo XIX y se extendió hasta los primeros decenios del siglo
XX.
El término Simbolismo
fue acuñado por un poeta francés Jean Moréas en 1886 en su manifiesto
simbolista para definir aquellos poetas que expresaban sentimientos
profundos y personales, revistiendo la idea de una forma sensual. Pronto
comenzó también a designarse con este vocablo a aquellos artistas que rechazaban
el naturalismo pictórico –como por ejemplo la pintura academicista o la
impresionista- para abogar por un arte más subjetivo, imaginativo
y fantasioso. Es un arte con un fuerte contenido poético, incluso
místico en algunos casos.
Los simbolistas eran estetas
y exquisitos, que valoraban la belleza como bien supremo y rechazaban la
vulgaridad de la vida moderna. Proclamaban sin ambages el carácter elitista de
su arte.
El Simbolismo surgió en Francia
y se difundió por Europa (Bélgica, España, etc.). Sus principales representantes
fueron Gustavo Moreau, Pierre Puvis de Chavannes y Odilon Redon y
muchos otros, que, al menos tangencialmente, se acercaron con sus obras a los
postulados simbolistas como Van Gogh o Gauguin, ambos simbolistas a su manera.
Y es que el Simbolismo supera nacionalidades, límites cronológicos y estilos
personales.
Los simbolistas son herederos
del Romanticismo, y tienen como precedente a los pintores nazarenos, a los
prerrafaelitas y a William Blake, que en muchos aspectos anticipa ya el
simbolismo. Serán derivaciones del Simbolismo el grupo de pintores de Pont
-Aben, los Nabis y el Modernismo o Art Nouveau.
En realidad, como bien
señala Julián Gállego hablar de arte simbolista es una redundancia
porque todo arte es simbólico aunque lo creamos realista. Un cuadro o una
escultura no es una mera copia de la realidad sino una interpretación de
la misma. El contenido simbólico puede ser religioso, filosófico, político,
social, sensual, etc. Para Gállego, el Simbolismo es expresar lo
inexpresable de una manera exquisita. Daban forma a lo inefable como sueños
y visiones.
En la temática
pictórica simbolista abundan las escenas de carácter literario, bíblico o mitológico.
Combinan cierto
misticismo pagano con lo perverso y decadente, presentando así, un interés por
el ocultismo, lo mórbido, el mundo de los sueños, la melancolía, el mal
–satanismo- y la muerte.
El erotismo está
muy presente en algunos pintores simbolistas que suelen representar a una mujer
fatal que destroza cuando ama, una mujer que adopta forma de esfinge, sirena,
araña, o genio alado diabólico.
El Simbolismo, como
también el Romanticismo, fomentaba el escapismo, el huir de la realidad
y de los convencionalismos burgueses. Poetas y pintores buscaban paraísos
artificiales a través de las drogas como el hachis o el alcohol.
La pintura simbolista
suele privilegiar la mancha sobre el dibujo y presenta un vivo colorido,
utilizado muchas veces de forma arbitraria (un rostro azul, un paisaje
amarillo, etc.) antecedente de la vanguardia fauvista.
En las composiciones se
aprecia la influencia de las estampas japonesas (en los colores planos,
las perspectivas en diagonal, etc.)
La pintura simbolista
es según, su máximo experto, el escritor francés Albert Aurier:
*Ideista: porque
refleja una idea mediante símbolos.
*Sintética y de
fácil apreciación.
*Subjetiva:
porque refleja la interioridad y la personalidad del pintor o escultor.
*Decorativa. En
principio, todo buen arte es decorativo y el simbolismo lo es, en un sentido
similar como lo fue el arte egipcio o el griego.
Los NABIS
Desde 1888 hasta 1899
se desarrolló en Francia un grupo de artistas de origen simbolista denominado
“Les Nabis”. Nabí viene del hebreo y quiere decir “profeta”. Se
consideraban profetas de un arte nuevo, antinaturalista y cercano a los
presupuestos simbolistas y al Japonismo.
Los Nabis
intentaban superar el naturalismo impresionista y crearon un lenguaje basado en
el color y la síntesis formal. Adoptaron como cuadro emblemático, verdadero
manifiesto del grupo, un paisaje pintado por Paul Sérusier llamado “El
talisman” (1888).
Los nabís, además de
rechazar las jerarquías tradicionales entre artes mayores y menores, trabajaban
las técnicas decorativas. Participaron en la renovación del arte del grabado y
los carteles ilustrados. Crearon decorados, trajes para teatro... En el Museo
de Orsay hay una gran colección de arte nabí. En 1900 tuvo lugar la última
exposición conjunta del grupo.
Las referencias
para estos pintores fueron:
El sintetismo de Gauguin
y Bernard.
El Art Nouveau,
que está en pleno desarrollo en la década de los 90's.
El arte japonés.
El simbolismo.
Después de la partida de
Gauguin a Tahití, el grupo se fue desintegrando progresivamente y se escindirá
en dos ramas:
*Los espirituales,
con Maurice Denis a la cabeza. Vuelven a las fuentes religiosas del arte, el
misticismo, la leyenda, la alegoría, el sueño... Entraron en contacto con
sectas; estaban atraídos por los filósofos orientales, se sumaban a la idea de
la superioridad de la intuición sobre el intelecto.
*Los decorativos,
con Pierre Bonnard, Édouard Vuillard, Roussel... Tienen un punto de vista más
escéptico sobre la misión del arte como medio de remover las conciencias.
Apuestan por la armonía estética, un orden abstracto dentro de la
representación, y parten de la herencia de Cézanne y Seurat.
IMPRESIONISMO
Denominamos
Impresionismo al movimiento pictórico que surge en París en el último
cuarto del siglo XIX. Nace como una evolución del Realismo y de la Escuela
paisajística francesa del siglo XIX. Se aplica no sólo a la pintura sino
también a la música y a la literatura.
Podemos definirlo como
un estilo que tiende a captar más la impresión sobre el ánimo que la copia de
la realidad. Es más sensual e inmediato que intelectual.
Cronológicamente, el
Impresionismo se fragua hacia la década de 1860 hasta 1880, pero la
primera exposición del grupo impresionista fue en el año 1874 en el
estudio fotográfico de Nadar en París.
Los impresionistas
consiguieron cambiar la visión del mundo, nos ofrecen una nueva visión de la
realidad.
El nombre de
Impresionismo procede de un cuadro de Monet titulado Impresión, sol
naciente. En los primeros momentos se utilizaba el término
impresionismo con carácter despectivo. Se asociaba con la idea de lo temporal,
lo efímero, lo llamado a desaparecer (sol, luna, agua…). Podemos considerarla
una tendencia pictórica más aristotélica que neoplatónica ya que busca más la
imitación de la realidad que la creación.
El Impresionismo no es
una escuela, ni un grupo que se uniera en torno a un manifiesto o programa
concreto. Ningún interés de tipo ideológico o político unía a los
impresionistas. No tenían un programa concreto aunque coincidían en:
*Su aversión por el arte
académico.
*Desinterés total por el
“tema”.
*Preferencia por el
paisaje.
*Trabajo al aire libre: plein
air
Es el encuentro de
varios artistas con unas actitudes y preocupaciones comunes. Trabajan los
mismos asuntos, dentro de una tendencia realista, pero cada uno con su propio
estilo.
Las pinturas
impresionistas presentan un aspecto inacabado, lleno de soltura y aparente
improvisación, más sensual e inmediato que intelectual.
No buscan representar
temas transcendentales, espirituales o apasionantes como los románticos.
Se centran en motivos de la vida burguesa: la ciudad, la noche, las excursiones
campestres, los cafés, los teatros…
El Impresionismo refleja
las transformaciones sociales y filosóficas de la sociedad de la época: por un
lado, el florecimiento de la burguesía, por otro, la llegada del positivismo.
La burguesía, como nuevo fenómeno social, trae sus propios usos y costumbres;
unos afectan al campo, que deja de ser lugar de trabajo para
convertirse en lugar de ocio: las excursiones campestres. Es el mundo
retratado por Monet y Renoir.
La ciudad, por el
contrario, se convierte en nuevo espacio para la nueva clase social: aparecen
los flanneurs, paseantes ociosos que se lucen y asisten a conciertos en
las calles y jardines de París. También cobra relevancia la noche y sus
habitantes, los locales nocturnos, el paseo, las cantantes de cabaret, el
ballet, los cafés y sus tertulias.
Es un mundo fascinante,
del cual los impresionistas extraen sus temas: en especial Degas o el postimpresionista Toulouse-Lautrec. Porque para ellos se han terminado los temas grandiosos del
pasado. Para los impresionistas, por influencia del positivismo, cualquier
objeto natural, visible, afectado por la luz y el color,
es susceptible de
ser representado
artísticamente. El cuadro
impresionista se vuelca pues en los paisajes, las regatas, las reuniones
domingueras, etc.
La pintura impresionista
se caracteriza, en líneas generales por:
*Captar el instante.
*La luz es la
protagonista: los objetos sólo se ven en la medida en que la luz incide sobre
ellos. La luz y sus efectos cambiantes son los verdaderos temas del cuadro. Un
mismo tema es pintado repetidas veces a diferentes horas del día. Las formas y
los objetos cambian en función de la intensidad de la luz. El cuadro es
simplemente un efecto de luz.
*Coloración de las
sombras: Desaparecen los contrastes de claroscuro, y el dibujo se extingue o se
reduce. No utilizan prácticamente ni el blanco ni el negro porque no existen en
la naturaleza. Emplean tonos puros, usan solo colores complementarios para
indicar sombras.
*Pincelada suelta:
prefieren la mancha pastosa y gruesa. Utilizan toques yuxtapuestos de colores
para producir un efecto a cierta distancia. Generalmente no hay un dibujo que proceda
al cuadro.
*Nueva valoración del
espacio: se consigue con ángulos y encuadres mucho más atrevidos, Las figuras,
a veces, no ocupan “el centro” del cuadro y están cortadas por los bordes del
cuadro: se trata de un modo de ver próximo al del la fotografía. Suelen
aparecer grandes diagonales.
En un principio, los
impresionistas no tuvieron la apreciación del público. Pero pronto
contaron con dos fuerzas sociales emergentes: la crítica de arte, que se
encargará de encauzar el gusto del público; y los marchantes, los vendedores de
arte, que colocan sus cuadros en las mejores colecciones del país. Las
tertulias, los Salones extra-oficiales y el propio escándalo se
convirtieron en vehículos propagandísticos del nuevo estilo. Al
principio, la crítica de arte les acusaba de atacar las buenas costumbres
artísticas, que no respetaban a los maestros, que sus pinturas no tenían
“tema”, que les faltaba dibujo y que dejaban las obras sin terminar.
El Impresionismo cuenta
con varias influencias en su configuración:
*los paisajistas del
Realismo francés del siglo XIX (Escuela de Barbizon).
*el romántico inglés
Turner.
*las referencias,
especialmente de color y composición, del Siglo de Oro español (Velázquez sobre
todo). También Goya con la lechera de Burdeos.
*las estampas japonesas,
muy de moda en la época.
*el surgimiento de la
fotografía. No está claro si la espontaneidad de la captación del momento la
aprende el Impresionismo de la fotografía o, más bien, ésta es la alumna de
aquél.
El resultado es una
pintura amable, hedonista, alegre, frecuentemente de paisaje, llena de luz y
color, con pinceladas muy cortas que a veces dejan entrever el blanco del
lienzo. No son cuadros grandes puesto que responden a encargos privados. Están
alejados de cualquier compromiso social (casi todos los impresionistas se
fueron de vacaciones al campo o a Inglaterra durante la represión de los
movimientos obreros de la década de 1880) y no tardaron en ser refrendados
por una amplia aceptación social, de esta burguesía que se veía retratada
en los lienzos impresionistas.
El Impresionismo ha sido
uno de los movimientos pictóricos más valorados en toda la
historia del arte. Algunas pinturas impresionistas han alcanzado precios
estratosféricos en las subastas internacionales de arte y las exposiciones de
sus obras suelen atraer a miles de espectadores. Ha sido clave en el desarrollo
del arte posterior, especialmente del postimpresionismo y las
vanguardias.
Los impresionistas se
agruparon en torno a la figura de ÉDUARD MANET, el llamado “padre
de los Impresionistas”, un gran artista incomprendido. Es el eslabón entre el
Realismo y el Impresionismo pero no es plenamente impresionista. Los
principales representantes de este movimiento pictórico son
Monet, Renoir, Degas, Pizarro (de
origen español), Sisley (de origen inglés), Berthe Morisot, Mary Cassat, etc.
POSTIMPRESIONISMO
El término Postimpresionismo
fue acuñado por el crítico de arte Roger Fry en 1910 para denominar los estilos
pictóricos de finales del siglo XIX e inicios del XX que se suceden tras el
Impresionismo. Fry creó esta denominación con motivo de la exposición
celebrada en ese año en Londres con pinturas de Paul Cézanne, Paul Gauguin y
Vincent van Gogh.
Los postimpresionistas
se habían formado en el impresionismo, pero superan sus investigaciones y
contribuyen a importantes avances en el arte del siglo XX. En realidad
sus personalidades y su manera de entender la pintura presentan enormes
diferencias, pero todos compartieron los inicios en el impresionismo y la
reacción contra él.
Sobre sus conquistas
(tintas plantas, color arbitrario con fines simbólicos o expresivos…) se
fundarían además los desarrollos de fauvistas y cubistas de inicios del siglo
XX.
Aunque los
postimpresionistas basaron su obra en el uso del color experimentado por los
impresionistas, reaccionaron contra el deseo de reflejar fielmente la
naturaleza y presentaron una visión más subjetiva del mundo. El pintor francés PAUL
CÉZANNE (1839-1906) está considerado como “el padre del arte moderno”.
Vivió casi toda su vida en el sur de Francia, en Aix-en-Provence. Su obra sentó
las bases de la transición entre la concepción artística decimonónica hacia el
mundo artístico del siglo XX, nuevo y radicalmente diferente. Fue un pintor muy
innovador. Tenía influencias de la pintura de El Greco. Estaba interesado en la
simplificación de las formas, en reducirlas a su esencia geométrica: “Todo en
la naturaleza se modela según la esfera, el cono, el cilindro. Hay que aprender
a pintar sobre la base de estas figuras simples; después se podrá hacer todo lo
que se quiera.” Quería "convertir al impresionismo en algo más sólido y
duradero, como el arte de los museos". Trabaja obsesionado por la
composición y decidido a negar la distinción entre dibujo, línea, plano y
color. Plantea una nueva construcción del espacio y sus investigaciones
anticipan el cubismo. Sin embargo, mientras vivió, Cézanne fue un pintor
ignorado en gran parte por la crítica y el público, siendo apreciado sólo por
algunos impresionistas y, por unos cuantos artistas jóvenes radicales de la
línea del postimpresionismo, entre los que se incluían, entre otros, Vincent
van Gogh y Paul Gauguin.
Fue amigo de la infancia
del escritor Émile Zola que le retrató en su novela L´oeuvre (la obra)
para gran enfado del pintor. La exposición retrospectiva de Cézanne del año
1907 en París le situó como uno de los artistas más influyentes del siglo XIX
preludiando el advenimiento del Cubismo. Fueron las exploraciones
de Cézanne de simplificación geométrica y fenómenos ópticos las que inspiraron
a Picasso, Braque, Gris, y otros para experimentar con múltiples visiones aún
más complejas del mismo tema, y, con el tiempo, a la fractura de la forma. Hay
una frase, atribuida tanto Matisse como a Picasso, según la cual «Cézanne es el
padre de todos nosotros».
Henri Matisse, admiraba
su manejo del color y Pablo Picasso se basó en su forma de componer los planos
para crear el estilo cubista.
Sólo con su muerte le
llegó el éxito.
La pintura de Cézanne se
centró casi siempre en los mismo motivos: bodegones, paisajes o figuras, que
repite con objeto de explorar su dimensión volumétrica, pero sin recurrir al
claroscuro. Huye de la búsqueda de dinamismo. Hace composiciones muy rigurosas
en base a líneas geométricas (verticales, horizontales.) Marca mucho los
volúmenes y los planos, no es nada etéreo. Llegó a los límites de la
abstracción. Entre su genial producción destacamos las bañistas, los
jugadores de carta, la montaña de St.Victoire y sus increíbles bodegones,
claros precedentes del cubismo. Los cuadros terminan siendo una creación
mental, se alejan paulatinamente del modelo.
PAUL GAUGUIN (1848-1903) era también
de origen francés. De biografía sugestiva, tenía ascendencia española y tuvo
varios oficios. Crítico constante de la sociedad en la que vive, huye de París
y trata de encontrar nuevos horizontes, primero en la región francesa de
Bretaña y luego en la lejana Tahití, lo que le supone entrar en contacto con
culturas primitivas que marcan profundamente su pintura. Las mujeres son su
auténtica preocupación iconográfica y pretexto para sus investigaciones.
También los retratos de amigos y sus autorretratos.
Profundizó en diversas
técnicas: pintura al óleo, escultura, tapices, grabados, etc. Le apasionaba el
arte medieval, las miniaturas, las vidrieras y los esmaltes y también las
culturas orientales, exóticas y primitivas. Este camino le lleva a exaltar el
color y a simplificar las formas. Extiende el color en campos extensos dentro
de gruesas líneas. Rechaza la perspectiva, suprime el modelado y las sombras y
siente predilección por formas planas y líneas definidas. No tiene interés por
la luz. En todas sus obras se impone un contenido de tipo simbólico. Tenía un
talento enorme para la composición y el color. Sus líneas sinuosas nos
retrotraen al modernismo. Muestra un mundo paradisíaco. Es un precedente claro
de la pintura expresionista de vanguardia.
Entre sus obras
destacamos El Cristo amarillo, Mujeres tahitianas, Jacob y el ángel, Paisaje
tahitiano, ¿De dónde venimos? ¿Qué somos? ¿Adónde vamos?.
VINCENT VAN GOGH (1853-1890), fue un
pintor holandés y figura destacada del Postimpresionismo. Encarna el prototipo
de artista incomprendido en vida y reivindicado hasta el paroxismo por la
posteridad. Nació en el seno de una humilde familia de origen protestante. Fue
un místico heterodoxo. Recibió los mismos nombres -Vincent Willem- que se
impusieran a un hermano que nació muerto justo un año antes que él, el mismo
día 30 de marzo; como si fuera un presagio de su atormentada existencia. Llegó
a pintar 900 cuadros (27 de ellos autorretratos) y 1.600 dibujos, además de
escribir 800 cartas, 650 de ellas a su hermano Theo Van Gogh. Pero sólo vendió
un cuadro en su vida. Su talento fue inconmesurable pero fue un incomprendido.
Padeció toda su vida una gran inestabilidad mental, mitigada en parte por el
apoyo incondicional de su queridísimo hermano Theo.
Durante toda su vida se
enorgulleció de ser un gran autodidacta. Obsesionado con La Biblia, en su
juventud quiso hacerse teólogo y misionero. De hecho, trabajó como misionero en
Bélgica durante varios meses. Allí dió todo lo que tenía a los mineros: ropa,
dinero y comida, además de realizar sus primeras pinturas.
Rembrandt le influyó
muchísimo y también las estampas japonesas, fueron cruciales en su producción.
En 1886 se mudó a
París, para vivir junto a su hermano Theo y empezó a codearse con los
artistas de la época (impresionistas, postimpresionistas como
Toulouse-Lautrec etc.) En 1888 se instaló en Arlés, al sur de Francia,
con la intención de crear un taller de artistas en su casa. Allí trabajará con
Gaugin. Su fama creció rápidamente después de su muerte, gracias a la promoción
de la esposa de Theo que, aunque no tuvo una buena relación con Vincent,
resultó ser la única heredera de toda su obra tras la muerte de su esposo,
ocurrida poco después de la de Vincent. Valora mucho el color, dibuja con el
color. Decía sobre él, que “el color por sí mismo siempre expresa algo, no cabe
prescindir de él”. Pintó sobre todo paisajes y retratos.
Sus pinturas son muy
creativas y originales. Utiliza la técnica del óleo con pincelada más menuda al
principio y después evoluciona a una pincelada más amplia e intensa, aplicada
con espátula o con la propia mano, basándose en empastes gruesos donde el
propósito es buscar la intensidad del color. La pincelada ondulante y circular
se hace más vehemente después de su primer ataque de locura: proyecta en exceso
su personalidad y se integra en la representación de las cosas. Cada vez se
aleja más de la realidad y con el color y la fuerza expresiva de su pincelada
camina hacia la abstracción. Utiliza el color para transmitir sentimientos. Su
pintura guarda muchas concomitancias con Gauguin. La influencia de Van Gogh en
el postimpresionismo, expresionismo, fauvismo y los principios del arte
abstracto fue enorme, y se puede notar en muchos otros aspectos del arte del
siglo XX. El Museo Van Gogh en Ámsterdam se dedica al trabajo de este artista y
de sus contemporáneos. Se suicidó cuando contaba 37 años de edad –disparándose
en el pecho-y sus últimas palabras fueron “la miseria no acabará nunca”.
Entre su maravillosa
producción artística destacamos Noche estrellada, La habitación en Arles, sus autorretratos,
Café nocturno en Arles, Las botas… Es uno de los pintores más
cotizados y admirados del mundo.
Por último, no podemos
dejar de citar la importancia del NEOIMPRESIONISMO, DIVISIONISMO o
PUNTILLISMO cuyo máximo representante es GEORGES SEURAT con su cuadro Una
tarde de domingo en la isla de la Grande Jatte y PAUL SIGNAC. Es una
derivación del impresionismo y se caracteriza por disponer puntos de colores
puros en vez de pinceladas sobre tela. Esta técnica obliga a una labor de
estudio muy minuciosa y opuesta a la pintura al aire libre; sus composiciones
están extraordinariamente calculadas. Solo la preeminencia del color sobre el
dibujo pervive del ideario impresionista. Es un arte óptico, cerebral. Las
imágenes parecen detenidas en el tiempo. Es un arte muy normativo: no pueden
mezclar colores, sólo pueden utilizar colores puros… Se acabó convirtiendo en
una tendencia matemática, fría y mecánica. Abren el paso hacia el cubismo.
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