ACTIVIDAD "PINTURA PRERRAFAELITA", FUNDAMENTOS DEL ARTE II

The beloved (the bride), la novia, Dante-Gabriel Rossetti, 1865-66. Fuente de la imagen: http://www.tate.org.uk/     

La Hermandad Prerrafaelita –Pre-Raphaelite Brotherhood- fue una tendencia esteticista de vanguardia de la pintura victoriana.
Fundada en 1848 por tres de sus principales representantes –Millais, Hunt y Rossetti- esta corriente estética, que anticipa en algunas de sus características al Simbolismo, propugnaba la oposición al conservadurismo academicista de la Royal Academy of Arts, reivindicando un arte más espontáneo inspirándose en la naturaleza y en el arte de los pintores italianos y flamencos anteriores a Rafael Sanzio (Fra Angélico, Botticelli, etc.) 
Los prerrafaelitas fueron una asociación de pintores con lazos fraternales y cierto misticismo similar a otros grupos como “los Nazarenos” alemanes que se establecieron por las mismas fechas en Roma. Alcanzaron el favor del público especialmente desde el momento en el que contaron con el apoyo del escritor y critico de arte John Ruskin.

Son notas distintivas de la Hermandad Prerrafaelita:
*Su vinculación al Romanticismo. Reivindican “el arte por el arte” –art for art´s sake-. Los prerrafaelitas eran estetas, exquisitos y refinados.
*La inspiración en la Edad Media aunque también les fascina el clasicismo.
*Les apasiona la temática literaria (cuentos, leyendas, poesía, teatro) y en menor medida la histórica.
*Representan, en algún caso, de forma nada convencional el ideal de belleza masculino y el femenino: rostros andróginos; narices perfectas griegas; seres angélicales asexuales; pelirrojas femme fatale que veremos también en el Simbolismo...
*Confieren gran importancia al tema del sueño (precedente del Surrealismo).
*Muestran fidelidad en la representación de la naturaleza, intentando trasmitir cada detalle.
*Privilegian los colores brillantes, de tonos delicados, en representaciones meticulosas.
*En ocasiones buscan composiciones complejas con escorzos y diagonales, dominando la perspectiva geométrica. 
*Algunos de estos pintores como William Morris (ideólogo del movimiento Arts & Drafts) o Burne Jones (discípulo de Rossetti) también se dedicaron al diseño de vidrieras, tapices, etc.

Para saber más

Estupenda serie de la BBC sobre los prerrafaelitas llamada "Desperate romantics":

Actividad "Pintura prerrafaelita"


Dividimos la clase en grupos de dos alumnos. Analizaréis cinco obras prerrafaelitas y una con influencia de este movimiento y las pondremos en común en el grupo-clase.
Os centraréis en tres aspectos:
*El tema.
*La visión que trasmite del ideal de mujer (o del hombre llegado el caso).
*Aspectos formales y técnicos (color, perspectiva, composición, etc.)


1. Ofelia, John Everett Millais, c. 1851.

                                            Fuente de la imagen: Wikipedia

2. Ghirlandata, Dante-Gabriel Rossetti, 1873.

3. Señorita Gladys M. Holman Hunt (la escuela de la naturaleza), Hunt, c. 1893-94.

Fuente de la imagen: museoarteponce.org.

5. La Bella Durmiente, Edward Burne-Jones, 1870-90.

                          Fuente de la imagen: Wikiart.org

6. La influencia del prerrafaelismo en el pintor canario Néstor Martín Fernández de la Torre: "La Hermana de las Rosas", 1908.

Fuente de la imagen: http://latorredemontaigne.com/project/museo-nestor-la-huella-de-un-artista-integral/

ACTIVIDAD "ANÁLISIS DE TEXTOS SOBRE EL MOVIMIENTO ESTETICISTA ARTS & CRAFTS". FUNDAMENTOS DEL ARTE II, TEMA 2

Diseño textil de William Morris, 1883. Fuente de la imagen: https://en.wikipedia.org/wiki/William_Morris#/media/File:Strawberrythief.jpg

¡Saludos!

Actividad "Análisis de textos sobre el movimiento esteticista Arts & Drafts" del tema 2.

El impacto de la revolución industrial en el diseño fue brutal. El diseño industrial propició la realización de objetos nuevos, prácticos y hechos en serie, pero en general, de baja calidad estética.  Así por ejemplo quedó de manifiesto según el testimonio de muchos visitantes en 1851 en la exposición del Crystal Palace de Londres. Como reacción, surgirían movimientos culturales esteticistas como el Arts and Crafts o el Art Nouveau y la aparición de escuelas de Arte y Diseño por toda Europa y América que reivindicarían la unión entre las bellas artes y las artes decorativas o industriales, mal llamadas “menores”.

Desde mediados del siglo XIX, y aunque soterradamente al principio, surgen en Europa diferentes movimientos que propugnan la renovación estética y la revitalización de la artesanía. 

Pioneros de estas ideas fueron la Hermandad de los Pintores Prerrafaelistas ingleses. Surgidos en 1848, los prerrafaelistas o prerrafaelitas eran un grupo de pintores que pretendían inspirarse en los pintores italianos –especialmente florentinos y sieneses- anteriores a Rafael (como Filippino Lippi o Sandro Botticelli), haciendo una pintura profundamente etérea y simbólica, de clara raíz literaria, romántica y medievalizante. 

Los prerrafaelitas estuvieron profundamente relacionados con el movimiento esteticista Arts & Crafts. Este movimiento, que surgió en Inglaterra, tomó verdadera carta de naturaleza en la segunda mitad del siglo XIX impulsado por el poeta, reformar social y pintor, empresario y artista-artesano William Morris. En efecto, William Morris fue su principal impulsor, aunque no el único, ya que contó con la inestimable colaboración de otros artistas e intelectuales como John Ruskin, Edward Burne-Jones, Philip Webb, y ocasionalmente Dante Gabriel Rossetti. 

Partiendo de las teorías de Ruskin y de su interés por los gremios medievales, Morris rechaza el historicismo imperante, pero paradójicamente tomando al mismo tiempo como modelo a la Edad Media, la época en que las obras de arte “están hechas no para unos pocos, sino para el pueblo”. 

De aquí surge una idea de un arte socializado, en el que el artesano debe conservar su individualismo frente a la masificación de la producción en serie. Así, este movimiento tuvo una fuerte carga social, incluso política. Por un lado, reivindicaban la valoración de las artes decorativas, por otro lado criticaban el diseño industrial donde era frecuente la mala calidad, el exceso ornamental… y estaban convencidos de la perniciosa influencia que tales creaciones ejercían en la sociedad. Confiaban así en mejorar la calidad del diseño y fortalecer así el carácter de la sociedad en su conjunto. Lucharon por recuperar los métodos tradicionales de fabricación artesanal en clara competencia con las técnicas de producción industrial y además trataron de mejorar las condiciones laborales de los artistas y artesanos, fomentando la colaboración artística entre todos los trabajadores. Reaccionaban contra la pérdida de belleza y calidad que había supuesto la influencia de la industria en la producción de objetos artísticos. Criticaban las máquinas, los nuevos materiales, la baja calidad de los productos… Los reformadores confiaban en mejorar el diseño volviendo a las condiciones de trabajo que ellos imaginaban anteriores a la Revolución Industrial. Querían ser la alternativa a los productos de la era industrial. La fealdad de la vida moderna en las ciudades debía ser combatida volviendo a reivindicar la artesanía. Se nutrían de un profundo desagrado para el moderno capitalismo industrial, que iba más allá de lo meramente sentimental y tenía connotaciones políticas, sociales…

Los artistas Arts & Crafts se instalaron en ambientes rurales, lejos de lugares vinculados a la revolución industrial. Realizaron todo tipo de piezas de artes decorativas desde mobiliario hasta cerámica, pasando por textiles, papeles pintados o vidrieras. Cuidaban mucho el diseño y la ejecución final. Y es que se oponían a la arbitraria división entre “artes mayores-menores” y predicaban la igualdad de las artes. Podemos decir que con este movimiento se inicia una nueva apreciación de las artes decorativas por toda Europa.

Morris y sus seguidores consideraban que la reforma del diseño era imposible sino iba precedida de cambios políticos, sociales y económicos. Luchó por conciliar sus ideales estéticos y políticos. Quería además que sus productos tuviesen un precio asequible, pero el empeño que puso en utilizar la técnica y estética artesanales hasta sus últimas consecuencias entraba en conflicto con la necesidad de emplear técnicas de fabricación en masa que redujeran costes y ayudaran a eliminar algunas tareas penosas. Fue un dilema que nunca fue capaz de resolver totalmente y que continuó atormentando a sus seguidores. Creían en que el arte y la arquitectura tenían la capacidad de redimir y mejorar la sociedad, idea que se repetirá en muchas manifestaciones del movimiento Arts & Crafts, tanto en Europa como en los Estados Unidos. 

La mayor controversia o polémica que se alzó con este movimiento –ya que nadie jamás ha negado su valor estético- fue su carácter poco práctico en el mundo moderno. Algunos progresistas clamaban que este movimiento quería dar marcha tras a las agujas del reloj. No era pragmático para una sociedad industrial y urbana. Por otro lado, un crítico de arte señaló que se convirtió en “la obra de unos pocos para unos pocos”. A & C presentaba una gran  paradoja: era un movimiento de cariz socialista utópico, hacían todas las piezas artesanalmente y deseaban que fueran para todo el mundo, pero al ser piezas tan artesanales, resultaron ser carísimas y por tanto para unos pocos. En los años 90 del siglo XIX la pasión por este movimiento se expandió y el movimiento llegó a ser más difuso y menos identificable con un único grupo de personas. Sus ideas se difundieron por otros países, identificado con un creciente interés internacional por el diseño. Aunque el éxito económico de los diseñadores A & C fue limitado, la verdad es que inspiró a todo un conjunto de imitadores, tanto en ambientes rurales como urbanos, donde grupos de arquitectos, diseñadores, artesanos, y críticos formaron organizaciones dedicadas a la reforma del diseño en Gran Bretaña, Europa y Estados Unidos. Este movimiento tuvo una gran aceptación internacional: en Estados Unidos, resto de Europa, etc. se acabó convirtiendo en un fenómeno internacional. Esta aceptación se debe sus productos se anunciaban en un número creciente de publicaciones de gran tirada internacional como The Craftsman, Art et Décoration…

La filosofía del movimiento fue durante las últimas décadas del siglo XIX el tema de numerosas giras internacionales de conferencias, dirigidas por figuras tan preeminentes como Christopher Dresser, Oscar Wilde, Walter Crane o C. R. Ashbee. Sus planteamientos fueron transmitidos a través de viajes, cursos en el extranjero y también gracias a planes internacionales de intercambio entre diseñadores y artistas. Un número cada vez mayor de estos productos… llegaban al público a través del comercio minorista: como por ejemplo la londinense fundada en 1875 Liberty (Arthur Lasenby Liberty). 

Proliferaron por Europa, Estados Unidos… asociaciones dedicadas a la reforma del diseño, siendo además la base de las futuras escuelas de artes y oficios (actuales escuelas de arte). 

Dada la diversidad de estilos que se agrupan bajo este nombre, es difícil a primera vista determinar que tienen en común las obras pertenecientes al movimiento Arts & Crafts. En realidad, las figuras que        representan este movimiento se unieron en torno a una filosofía más que a una nueva forma de diseño.  

En el movimiento Arts & Crafts sus polifacéticos artistas destacaron en prácticamente todas las artes decorativas sobre todo cerámica y vidrio pero también, joyas, diseño de interiores, de mobiliario y papeles pintados, de artes textiles, tipografía, encuadernación, pintura, libros… En manos de sus  grandes figuras, el arte del vidrio y la cerámica incorporó una sorprendente variedad de métodos y técnicas decorativas. La cerámica se cuenta entre las disciplinas más hermosas, bien realizadas e innovadoras de la vasta y variada producción de los diseñadores Arts & Crafts, desde las robustas piezas de cerámica vidriada hasta las más delicadas creaciones de porcelana. Esta producción fue frecuentemente copiada, utilizando un variado abanico de técnicas, decorada con una gama muy amplia de colores llamativos, esmaltes y barnices, y embellecida aún más con temas que van desde los motivos fantásticos, bestias medievales e intrépidas naves vikingas…

Cuestionario sobre el texto:

1. Marco cronológico y geográfico del movimiento esteticista Arts and Crafts.

2. Analiza la idea del "arte por el arte".

3. Una fuente esencial de inspiración para los artistas de este movimiento fue la época y la literatura...

4. Puntos en común y diferencias entre los dandis y los estetas Arts and Crafts.

5. ¿Qué famoso escritor dublinés, dandi por más señas, dio conferencias sobre el esteticismo Arts and Drafts?

6. ¿En qué artes destacaron los artistas de esta corriente estética?

7. Contradicciones de este movimiento.

8. Trascendencia de William Morris y el Arts and Crafts.

9. Escribe una breve semblanza de William Morris.

10. ¿Con qué movimiento pictórico están relacionados?

El sueño de Dante ante la muerte de Beatriz, Dante Gabriel Rossetti, 1871. Fuente de la imagen: http://prerrafaelistas.blogspot.com.es/2011/11/el-sueno-de-dante-1871.html

ACTIVIDAD PINTURA DEL ROMANTICISMO. TEMA 1 FUNDAMENTOS DEL ARTE II

¡Saludos!

En la actividad de la pintura del Romanticismo, dividiremos la clase en varios grupos -de tres alumnos cada uno-. Cada grupo elaborará un mapa conceptual siguiendo un esquema preestablecido y lo expondrán ante la clase. Trabajaremos las competencias lingüísticas, digital y artística y fomentaremos el trabajo en equipo.
Temporalización: una hora para realizar la actividad y una hora para exponerla (cinco minutos por grupo).

El esquema del análisis y comentario será el siguiente:

*Título de la obra.

*Autor.

*Cronología y estilo.

*Comitente (si es que lo hubo, o si por el contrario, fue hecha  motu propio por el artista)

*Tema.

*Técnica y aspectos formales: composición, color, perspectiva y volumen, luz, hieratismo o dinamismo, ethos o pathos, etc.

*Influencias.

*Función y significación.

Cuadro 1. La balsa de la Medusa. Théodore Géricault.

Cuadro 2. La libertad guiando al pueblo. Eugène Delacroix.

Cuadro 3. Mujeres de Árgel. Eugène Delacroix.

Cuadro 4. La barca de Dante. Eugène Delacroix.

Cuadro 5. La muerte de Sardanápalo. Eugène Delacroix.

Cuadro 6. La matanza de Quíos. Eugène Delacroix.

Cuadro 7. Caminante en un mar de nubes. Caspar David Friedrich.

Cuadro 8. Lluvia, vapor y velocidad. William Turner.

Cuadro 9. La catedral de Salisbury. John Constable.

Cuadro 10. Los fusilamientos del 3 de mayo de 1808. Francisco de Goya.

Todas las imágenes mostradas en este actividad proceden de la Wikipedia, public domain.