SONIA DELAUNAY: ARTE, DISEÑO Y MODA

Figura capital de la vanguardia parisina desde los primeros decenios del siglo XX, Sonia Delaunay fue una multifacética creadora y renovadora del arte contemporáneo. No se conformó solo con pintar, y durante 60 años su talento creador abarcó los más variados ámbitos del arte  y el diseño (textil, moda, interiorismo, etc.)

El Museo Thyssen de Madrid le rinde homenaje con una recomendable exposición coincidiendo con el centenario de la primera estancia de la artista en Madrid, "el lugar donde se consolidó su vocación diversa de artista multidisciplinar" como afirma Guillermo Solana en el catálogo de esta muestra.

Los Orígenes de una Artista de Vanguardia

En realidad, Sonia Delaunay se llamaba Sara Elievna Stern y nació en Odessa (Ucrania) en 1885. Por aquel entonces, Ucrania formaba parte del Imperio Ruso.  

Sonia Terk en 1901. Fuente de la imagen: Wikipedia.org

Aunque nació en el seno de una modesta familia de origen judío, fue educada por un tío materno, Henri Terk, desde la más tierna infancia en San Petersburgo. Allí adoptaría el nombre de Sonia Terk y recibiría una esmerada educación, aprendiendo varios idiomas. Siempre se sintió rusa.

El Imperio Ruso circa 1900. Fuente de la imagen: https://pandaartdocents.wordpress.com/2015/12/17/sonia-delaunay/

De vida cosmopolita, vivió en Finlandia, Alemania, España y Portugal,  siempre en contacto con los círculos artísticos de las ciudades donde residían.

Lugares donde vivió Sonia Delaunay. Fuente de la imagen: https://pandaartdocents.wordpress.com/2015/12/17/sonia-delaunay/

Sonia Delaunay en su estudio, c. 1920. Fuente de la imagen: https://nga.gov.au/

De Rusia a París

Sonia Delaunay se estableció en París en 1906 como rusa "émigrée" y pronto se unió a los artistas del París más vanguardista. En sus primeras obras se aprecia la influencia del postimpresionismo (Gauguin), el fauvismo francés y el expresionismo alemán pero siempre teniendo presente la huella del arte ucraniano-ruso, rico en brillante colorido. 

Mujer finlandesa, Sonia Delaunay, 1908. Fuente de la imagen:https://artblart.com/tag/sonia-delaunay-in-front-of-her-door-poem-in-the-delaunays-apartment/

Desnudo amarillo, Sonia Delaunay. 1908. Fuente de la imagen: https://artblart.com/tag/sonia-delaunay-in-front-of-her-door-poem-in-the-delaunays-apartment/

Para no abandonar Francia,  en 1909 se casó por conveniencia con un gran coleccionista y marchante de arte, el alemán Wilhem Uhde (1874-1947). Uhde fue el primer galerista que expuso su obra. Gracias a él, conoció a artistas de vanguardia como Picasso, Braque y Robert Delaunay, con quien contrajo matrimonio en 1910, tras divorciarse amigablemente de Uhde.

Robert Delaunay, Retrato de Wilhem Uhde, 1907.  Uhde apoyó especialmente al arte naif de Henri Rousseau "el Aduanero". Fuente de la imagen: Wikipedia.org.

Sonia Terk y Robert Delaunay, Vidas Paralelas

Robert Delaunay fue un artista excepcional, amor de su vida y compañero de empresas artísticas. 
Ambos habían nacido en el mismo año en lugares muy distintos. Robert era parisino y comenzó su carrera como aprendiz de decorados teatrales.
Se instalaron en París, en la Rue de Grand Augustins de París, calle en la que también vivió Picasso en la II Guerra Mundial en la Francia ocupada por los nazis.
En 1911 nació su único hijo Charles,y a partir de ese momento trabajaron juntos, en comunión total, casi en ósmosis. Esa colaboración extraordinaria no fue óbice para que trabajaran en registros diferentes. 

Orfismo, Simultaneísmo, ¿Art Déco?

Autorretratos realizados respectivamente por Robert y Sonia Delaunay.

Desde 1905, Robert y Sonia Delaunay crearon los fundamentos para un arte nuevo: figuran entre los pioneros de la pintura abstracta. De hecho, Sonia fue una de las primeras cultivadoras de este tipo de arte. 

Robert, interesado hacia 1906-07 por las teorías neo-impresionistas, empezó a investigar la ley del contraste simultáneo de los colores, descubierta científicamente por Chevreul. 

En 1909, Robert Delaunay, después del "carnaval" de sus cuadros fauves, optó por la "cuaresma" del cubismo (así denominaba Eugenio D´Ors el paso del fauvismo a la vanguardia creada por Picasso y Braque) y por la austeridad, casi monocromismo en algunos cuadros (como por ejemplo la serie de pinturas de Saint Séverin de París).  En 1912, Robert empezó su serie de fenêtres (ventanas), interesándose cada vez más por los problemas del color y la luz.

Robert Delaunay, Torre Eiffel, 1911. Fuente de la imagen: fr.wikipedia.org

Robert Delaunay, Les fenêtres simultanées sur la ville (Ventanas simultáneas sobre la ciudad), 1912. Fuente de la imagen: fr.wikipedia.org

Las investigaciones de ambos culminaron hacia 1912 en el Simultaneísmo, esto es, es la exploración basada en el color y la forma, creándose contrastes simultáneos de imágenes abstractas y expresivas. Combinaban colores primarios y secundarios (rojo con verde, amarillo con púrpura y azul con naranja) con la finalidad de obtener vibraciones visuales. Este movimiento fue denominado por el poeta Guillaume Apollinaire como Orfismo, una derivación del cubismo en el que se reintroducía el color.

Los Delaunay se interesaron por temas de la vida urbana y moderna -bailes, retratos, anuncios luminosos-. Buscaban el dinamismo, inundando los cuadros de vibrante colorido y horror vacui. En cierto sentido, fue un precedente del arte cinético. 

Sonia Delaunay buscaba el arte total, quiso aplicar el simultaneísmo a la vida cotidiana, a los diseños textiles, los libros y la decoración de interiores con un estilo cercano al Art Déco, por su geometrismo, líneas en zig zag,  etc.

Algunos ejemplos del arte simultáneo de los Delaunay:

Sonia Delaunay, El Bal Bullier, 1913. Este cuadro es un ejemplo perfecto del orfismo. Por lo demás, el Bal Bullier era un lugar donde iban los jueves a bailar en el Boulevard  Saint-Michel de París. Allí se reunían con escritores y artistas de vanguardia.

Sonia Delaunay, La Prose du Transsibérien et de la petite Jehanne de France, 1913.  Fuente de la imagen: fr.wikipedia.org 
En la Prosa del Transiberiano combina la novedad tipográfica con una decoración en forma de bandas absolutamente abstractas, que nos evoca el agradable movimiento del tren. En este espléndido libro conviven un largo poema de Centrars y los colores simultáneos de la pintora.

Sonia Delaunay, La Prose du Transsibérien et de la petite Jehanne de France, 1913. Fuente de la imagen:https://pandaartdocents.wordpress.com/2015/12/17/sonia-delaunay/

Sonia Delaunay, Prismas eléctricos, 1914. Fuente de la imagen: http://www.theartstory.org/artist-delaunay-sonia-artworks.htm#pnt_5

Gran flamenco, Sonia Delaunay, 1916. Fuente de la imagen:https://es.pinterest.com/pin/443745369514928854/

Sonia Delaunay, Naturaleza muerta portuguesa, 1916. Fuente de la imagen:http://www.hoyesarte.com

Sonia Delaunay, Naturaleza muerta. Viajes lejanos, 1937. Fuente de la imagen:http://www.hoyesarte.com

Sonia Delaunay, Ritmo, 1938. Fuente de la imagen:http://www.theartstory.org/artist-delaunay-sonia-artworks.htm#pnt_5




Sonia Delaunay, Rythme couleur, 1964. Fuente de la imagen:http://www.hoyesarte.com

Robert Delaunay, Mujer portuguesa, 1915. Fuente de la imagen: fr.wikipedia.org. 

Robert Delaunay, Relief-disques, 1936. Fuente de la imagen: fr.wikipedia.org

Retrato del poeta Philippe Soupault, Robert Delaunay, 1922. Fuente de la imagen: https://es.pinterest.com/explore/philippe-soupault/

La alegría de vivir, Robert Delaunay, 1930. Fuente de la imagen:http://www.malagahoy.es/ocio/Pompidou-Philippe-Starck-Daniel-Buren_0_1090990949.html

Retrato de Madame Mandel, Robert Delaunay, 1923. Fuente de la imagen: https://es.pinterest.com/ccmfarrow/art-sonia-and-robert-delaunay/?lp=true

Retrato de Tristan Tzara, Robert Delaunay, 1923. Fuente de la imagen: http://www.wikiwand.com/es/Tristan_Tzara

Retrato de Madame Heim, Robert Delaunay, 1926-27 Fuente de la imagen: http://www.visimuz.com/delaunay-heim/

España, Portugal, Francia

Unas vacaciones en Fuenterrrabía en 1914, están en el origen de la primera estancia española de los Delaunay. La declaración de la I Guerra Mundial les anima a permaner en España. A finales de ese año se instalan en Madrid. Agobiados por el calor, y tras una visita de Robert a Lisboa, durante el verano de 1915 se trasladan a Portugal. Allí ambos pintan los temas populares del país: los mercados, las telas, la vegetación, la cerámica, etc. Fueron los años más felices de la vida de Sonia, según cuenta en sus memorias.
A finales de 1917 regresan a España. Viven una semanas en Barcelona y allí se enteran del estallido de la Revolución Rusa, con la que desaparecen las rentas de Sonia. Vuelven a Madrid. Sonia redescubre su vocación con nuevos bríos. Acuciados por la penura económica, lo que había sido algo casi anecdótico en su producción artística -la decoración de interiores y el diseño de moda- se convierte en una necesidad. En 1918 creó con cierto éxito su boutique "Casa Sonia" en la Calle Columela número 2 de Madrid, especializada en interiorismo y  moda.También vendía sus diseños en la calle Barquillo de Madrid.

Conocen a Sergi Diaghilev y al Marqués de Valdeiglesias. A través de ellos conectan con artistas y aristócratas españoles. Estos últimos seran sus principales clientes. 

Las hijas de los marqueses de Urquijo con diseños de Sonia Delaunay (vestidos y sombrillas), Madrid, 1919.  Fuente de la imagen: http://thecostumeblog.blogspot.com.es

Pronto vende sus diseños también en Bilbao y San Sebastián. 
Por aquellos años expuso en el Majestic Hall de Bilbao (1919) y en el Salón Mateu de Madrid (1920) así como una muestra conjunta con Robert en la Asociación de Artistas Vascos de la capital vizcaína (1919).

La boutique simultané de Sonia Delaunay en París. Fuente de la imagen: https://es.pinterest.com/pin/447193437983036967/

La boutique simultánea de Sonia Delaunay, Paris, 1925. Fuente de la imagen: http://pinkpagodastudio.blogspot.com.es/2011/06/

"Casa Sonia" fue un precedente de la "Boutique Simultané" que creó en París en los años 20 (1924-1931).  Esta tienda era del mismo estilo de las de los diseñadores más afamados de la época como Paul Poiret. 
Recordemos que volvieron a París hacia 1920-1921 y allí se establecieron definitivamente. 
En 1923 vendía sus diseños textiles simultáneos a una fábrica de seda de Lyon y en 1924 creó un taller para imprimir telas y producir vestidos y echarpes. En 1929 tuvo que cerrar su negocio por la crisis económica, centrándose a partir de entonces en el diseño de tejidos que realizaba para los grandes almacenes holandeses Metz &Co. Hasta los años 50 compaginó esta actividad con la pintura.

En 1937 ambos realizaron uno de sus obras de mayor alcance, unos murales sobre la aeronáutica y el ferrocarril en la Exposición Internacional de París. Robert poco tiempo después murió de una forma casi repentina y Sonia se refugió en Grasse (sur de Francia) donde vivirá con el matrimonio Arp hasta 1944 que vuelve a París. Seguirá trabajando en la línea del simultaneísmo abierta por los dos. En los años 50 expuso sus pinturas en Europa y América y en 1964 fue la primera mujer artista a la que el museo del Louvre de París le dedicó una retrospectiva.

Cartel de la Exposición Internacional de París de 1937. Fuente de la imagen: http://catalogo.artium.org/dossieres/4/guernica-de-picasso-historia-memoria-e-interpretaciones/el-pabellon-espanol-de-la-exposi

Propeller (Air Pavillion), Sonia Delaunay, 1937.Fuente de la imagen:https://artblart.com/tag/sonia-delaunay-in-front-of-her-door-poem-in-the-delaunays-apartment/

Sonia Delaunay, Diseñadora Textil y de Moda

Aunque Sonia pintaba sobre lienzo, algunos de sus proyectos más interesantes están hechos en tela. Fue una consumada diseñadora, una artista enamorada del color.

Sus creaciones textiles y sus diseños de moda, aunque han sido calificadas como simultáneas, pues son traslación de su pintura a otros diseños, también pueden ser encuadradas dentro del Art Déco. No en vano ella participó en la mítica exposición internacional de Artes Decorativas de París de 1925 que dio nombre a ese estilo. Su apariencia con el corte de pelo Bob o a lo "garçonne", sus vestidos geométricos y muy esteticistas... nos muestran su filiación con ese estilo francés. Como Mariano Fortuny o Coco Chanel, desterró por siempre el corsé de la vestimenta femenina. 
Refleja con sus diseños el nuevo paradigma de mujer de la época, moderna y hasta cierto punto, liberada. Apollinaire señalaba que Sonia Delaunay con sus vestidos simultáneos parecía una "pintura viviente" o  "una escultura de formas vivas".
Sus modelos influyeron en creadores como la italiana Schiaparelli, o el francés Jean Patou. 

Su clientela pertenecía a la élite adinerada europea (aristócratas y alta burguesía) y  a celebridades de la talla de la actriz Gloria Swanson, para quien en 1923 diseño un abrigo. Entre sus clientes descuella el arquitecto -y modelo para el villano de James Bond- Ernö Goldfinger, y las esposas de Walter Gropius, Marcel Breuer y Erich Mendelsohn. También la fascinante Nancy Cunard.

Sonia Delaunay en su apartamento de la calle Malesherbes de París, 1924. Fuente de la imagen: tate.org.uk

Sonia Delaunay con uno de sus diseños al más puro estilo flapper de los Locos Años 20.

Sonia Delaunay con dos amigas en el estudio de Robert Delaunay en la calle de Grands-Augustins de París. 1924. Fuente de la imagen:http://www.tate.org.uk/context-comment/articles/love-friendship-rivalry-delaunays-circle

                           Sonia Delaunay, Tres vestidos para niñas, 1920.

Diseños textiles de Sonia Delaunay de los años 20 y 30

                  Sonia Delaunay, Vestidos simultáneos (Tres mujeres, formas, colores), 1925. Fuente de la imagen: Museo Thyssen.

Vestidos simultáneos, Sonia Delaunay, 1925. Fuente de la imagen:https://fr.pinterest.com/pin/513973376202671550/

Sonia Delaunay, Vestido Simultáneo, 1913. Fuente de la imagen: http://sandrachiricocouture.weebly.com/blog/-sonia-delaunay-textile-artist

Design 1044, Metz & Co. (1931). Fuente de la imagen: http://www.theartstory.org/artist-delaunay-sonia-artworks.htm#pnt_5

Vestido de seda, Sonia Delaunay. Colección privada, Alemania. Fuente de la imagen:http://www.mujerhoy.com/vivir/ocio/201706/27/sonia-delaunay-arte-pret-20170627135028-p.html

Diseños de trajes de baños de Sonia Delaunay (años 20)

Diseños de zapatos, Sonia Delaunay, años 20. Fuente de la imagen:http://onewaystreet.typepad.com/one_way_street/2015/04/sonia-delaunay-and-the-avant-garde-shoes.html

Vestidos-Poemas

A Sonia Delaunay le encantaba la poesía. En los años 20 diseñó varios vestidos-poemas basados en los escritos del poeta dadaísta Tristan Tzara y del autor surrealista Joseph Delteil. 
El escritor Philippe Soupault le dedicó varios poemas a sus trajes simultáneos y también escribieron sobre ellos Apollinaire, Ramón Gómez de la Serna, Guillermo de Torre... Y es que Sonia consideraba que la poesía circulaba a través de todas las creaciones del arte.
Sonia Delaunay colaboró con el poeta Blaise Cendrars (el libro del Transiberiano) y él le dedicó este bello poema:
Sobre la ropa ella tiene un cuerpo.
Y sobre la cadera, la firma del poeta.

Vestido-Poema, Sonia Delaunay, 1922. Fuente de la imagen: https://es.pinterest.com/triskelion/sonia-delaunay/?lp=true

Vestido-Poema, Sonia Delaunay, 1923. Fuente de la imagen: https://es.pinterest.com/pin/183310647309684224/

Vestuario para Ballets y Otros Espectáculos

En 1917, en Madrid, los Delaunay conocieron a Sergei Diaghilev, el empresario de los míticos Ballets Rusos. Entablaron amistad con él así como con el bailarín y coreógrafo Massine y los músicos Stravinsky y Manuel de Falla. Diaghilev pretendía contrartarlos para que trabajaran permanentemente para los ballets rusos en lugar de Natalia Gontcharova y Larionov.
En 1918 realizaron una colaboración juntos: rediseñaron el vestuario (Sonia) y la escenografía (Robert) del ballet dramatizado "Cleopatra" ya que los diseños originales realizados por León Bakst en 1909 se habían perdido (quemados). 

Sonia Delaunay -de izquierda a derecha- acompañada por Robert Delaunay, Boris Kochno, Igor Stravinsky, Serge Diaghilev, el compositor español Manuel de Falla y Randolfo Barocchi. Madrid, 1921. Fuente de la imagen:https://es.pinterest.com/pin/368802656961512570/

Diseños de Sonia Delaunay para Cleopatra, Ballets Rusos de Diaghilev, 1918. La actriz que lleva el diseño original es Lubov Tchernicheva. Fuente de la imagen: http://tmlarts.com/robert-delaunay/

Diseño de Sonia Delaunay para el Ballet Cleopatra, 1918-1930. Fuente de la imagen:   https://nga.gov.au/

Diseño de Sonia Delaunay para  el Ballet Cleopatra (Ballets Rusos de Diaghilev)  Fuente de la imagen: https://artsearch.nga.gov.au

Estos diseños fueron realizados con vivos colores en algodón y decorados con motivos ornamentales en satén, terciopelo y apliques metálicos. 
Este espectáculo se reestrenó en Londres en 1918.

Más diseños de "Cleopatra" en la web del  
Museo Victoria & Albert.

Sonia realizó otros proyectos como el vestuario para la ópera "Aida" en el Liceo barcelonés.

Vestuario de Pierrot-Éclair diseñado por Sonia Delaunay para el film Le P´tit Parigot, 1926. Fuente de la imagen: tate.org.uk

Sonia Delaunay y la Decoración de Interiores

El diseño de moda e interiores van ineludiblemente unidos en Sonia Delaunay. Sus proyectos, de una modernidad increíble,  nos reflejan el espíritu de la época, marcada por las vanguardias (Cubismo, Bauhaus, Futurismo, Surrealismo, etc.) y el Art Déco.

Diseños textiles de Sonia Delaunay en las paredes del salón de su casa, 1925. Sonia Delaunay supo conjugar a la perfección el diseño de moda con el de interiores. Fuente de la imagen: tate.org.uk

Dining room designed by Sonia Delaunay. Madrid, 1918-1920.

Photo: Bibliothèque Nationale de France. Fuente de la imagen: http://thecostumeblog.blogspot.com.es

El teatro Petit Casino de Madrid decorado por Sonia Delaunay en 1919. Fuente de la imagen: Museo Thyssen

Escena de interior, Sonia Delaunay, 1922. Fuente de la imagen:  http://grofouillis.canalblog.com/archives/2014/10/26/30836945.html

Otros Diseños

Coche con diseños de Sonia Dalaunay que podemos contemplar en el Museo del Automóvil de Málaga.

Vestidos simultáneos en un automóvil Citroen B12 diseñado por Sonia Delaunay en 1925. Fuente de la imagen:http://www.hintmag.com/post/sonia-delaunay-tate-modern--april-29-2015-1916

Legado

Sonia Delaunay con algunos de sus diseños. Fuente de la imagen:https://es.pinterest.com/tategallery/pattern-power-sonia-delaunay/

Sonia Delaunay estuvo trabajando hasta el final de sus días. Murió en París en 1979. 
Es gracias a exposiciones como la que actualmente tiene lugar en el Museo Thyssen como se pone en valor y reivindica el papel de artistas clave como Sonia Delaunay, en este caso crucial en el desarrollo de las vanguardias y el diseño del siglo XX y que durante mucho tiempo ha estado eclipsada por la obra de su marido Robert Delaunay. 
Pioneros de la abstracción,  siempre innovando, el legado artístico de ambos es uno de los más impresionantes  de todo el arte y diseño contemporáneo.
Sobre Sonia, Robert Delaunay aseguraba  que a ella debemos este arte nuevo que no copia nada del pasado y que marca nuestra época.

Video "L´élégance" con diseños de Sonia Delaunay (c. 1925)

PARA SABER MÁS

Autobiografía de Sonia Delaunay

Catálogo de la exposición "Sonia Delaunay. Arte, Diseño, Moda", Museo Thyssen, Madrid,  4 de julio-15 de octubre 2017,

Web del Museo Thyssen y documentación adicional

La influencia de Sonia Delaunay en la diseñadora de joyas canaria Helena Rohner


Helena Rohner habla de Sonia Delaunay from museothyssen on Vimeo.


Lorenzo Caprile comenta la exposición de Sonia Delaunay en el Museo Thyssen de Madrid

Lorenzo Caprile habla de Sonia Delaunay from museothyssen on Vimeo.

La exposición de Delaunay en HoyesArte 
Web de la Fundación March
Sonia Delaunay en TheArtStory
Exposición de Sonia Delaunay en la Tate
El impacto de Sonia Delaunay en los diseñadores contemporáneos.

EL DAVID DE MIGUEL ÁNGEL

COMENTARIO DE IMÁGENES: EL DAVID DE MIGUEL ÁNGEL (RENACIMIENTO)

“Ahora comprendemos mejor el porqué un arte preocupado principalmente por la figura humana deba atender ante todo al desnudo, así como la razón de que éste haya constituido el problema más apasionante del arte clásico de todas las épocas. No sólo es el mejor vehículo transmisor de todo aquello que el arte corrobora y acreciente de manera inmediata el sentido de la vida, sino que es también en sí mismo el objeto más significante del mundo de los hombres. El primero en comprender plenamente, desde la gran época de la escultura griega, la identidad del desnudo con el gran arte figurativo, fue Miguel Ángel. Antes de él, había sido estudiado con miras científicas, como un recurso para plasmar la figura envuelta en ropajes. Miguel Ángel vio que entrañaba un fin en sí mismo e hizo del desnudo la suprema finalidad de su arte. Para él, arte y desnudo eran sinónimos. En ello reside el secreto de sus triunfos y sus fracasos.”

B. Berenson: Los pintores italianos del Renacimiento, Barcelona, 1954, pág. 85.

I. CATALOGACIÓN DE LA OBRA

-Esta lámina nos muestra la deslumbrante escultura del David de Miguel Ángel. El AUTOR es el florentino MIGUEL ÁNGEL BUONARROTI (1475-1564). Renacentista del Cinquecento, este polifacético artista tuvo a la escultura como su arte predilecta aunque también destacó como pintor, arquitecto y poeta. En su tiempo alcanzó un gran prestigio y sus obras, incluso las inacabadas, fueron durante siglos fuente de inspiración para los artistas. Nacido en el pueblo toscano de Caprese en 1475, procedente de una familia culta de noble abolengo, se formó en Florencia. Desde muy joven quiso ser artista. De temperamento irascible, poético y lírico, sus luchas internas se reflejan en sus obras que están llenas de fuerza y dramatismo. Su precoz habilidad para dibujar le llevó a los trece años al taller de Ghirlandaio y a “la academia del jardín” de los Medici para dibujar los mármoles y bronces clásicos reunidos por Lorenzo el Magnífico, que le aceptó y protegió como un ahijado. Lorenzo de Medici fue su mecenas en sus primeros años , y en Roma lo sería el Papa Julio II para quien realizaría las pinturas de la capilla Sixtina del Vaticano. Su producción artística engloba las más diversas artes desde el diseño arquitectónico y el urbanismo –cúpula de San Pedro del Vaticano, plaza del Capitolio de Roma- hasta la pintura –capilla Sixtina -la poesía, o la escultura, en la que descollará tanto en obras de temática profana como religiosa. 
-Como escultor, no está sujeto a un único estilo: bascula entre un clasicismo un tanto heterodoxo hasta el manierismo anticlásico que preludia el barroco. Así podemos destacar en su etapa de formación el relieve la Virgen de la Escalera, que muestra influencias de Donatello; de su etapa romana de fines del siglo XV e inicios del XVI descuella su clasicista Piedad que hemos de poner en relación con su David, realizado poco después y finalmente, en su etapa de madurez, varios proyectos como el Moisés, las tumbas de Giuliano y Lorenzo de Medici o sus últimas versiones del tema de la Piedad, en especial la Rondanini, antecedente del expresionismo del arte de vanguardia del siglo XX.

-Desde el siglo XIX (1873) esta escultura se conserva en el MUSEO Galería de la Academia de Florencia (Italia) aunque durante siglos, estuvo expuesto en la plaza de la Signoria de esta ciudad, justo enfrente del palacio Vecchio, edificio que albergaba el poder político de la ciudad. Hoy en esta plaza se alza una réplica de esta célebre escultura.

-CRONOLÓGICAMENTE esta estatua está fechada en los años 1502-1504 y pertenece por tanto al Cinquecento. Estilísticamente es una obra plenamente renacentista. 

-Por lo que se refiere a los COMITENTES de esta escultura, fueron las autoridades de la república de Florencia, ligados a la catedral de Florencia y al poderoso gremio del Arte de la Lana. En realidad, este proyecto artístico formaba parte de uno mucho más complejo que consistía en la elaboración de 12 esculturas de personajes del Antiguo Testamento sobre los contrafuertes exteriores del ábside de la catedral Santa María de las Flores. Para realizar la estatua de una de los personajes, el rey David, las autoridades dispusieron un gigantesco bloque de mármol de Carrara. En 1464 le encargaron al escultor Agostino di Duccio su elaboración, pero ante la enorme dificultad de esta empresa renunció, como también renunciaría  otro escultor, Antonio Rossellino. Finalmente, las autoridades florentinas encargaron en 1501 esta escultura a Miguel Ángel que asumió el reto y en tan sólo dos años realizó el David, sin duda una de sus obras maestras. Se expuso por primera vez al público el 8 de septiembre de 1504.

-Realizada utilizando un solo bloque MARMÓREO, largo, gigantesco y estrecho, esta escultura de BULTO REDONDO mide más de 5 metros y pesa 5.5 toneladas. Cuando se realizó la obra contenía aplicaciones de oro, hoy perdidas, en algunas partes de la escultura como la base de la misma.

-El TEMA que muestra esta escultura es de carácter ¿religioso?. En principio así parece, ya que representa a una figura histórica y mítica extraída del Antiguo Testamento, al heroico rey de Israel, David. Este personaje fue pastor en su juventud y tras vencer a su enemigo Goliat, fue proclamado rey del pueblo de Israel. Fue un valeroso guerrero, músico y poeta. En el cristianismo es venerado como un santo y de su estirpe desciende, según el evangelio de San Mateo, San José, padre putativo de Jesús. 

-Los ANTECEDENTES de este tema en el arte son abundantes. Durante la Edad Media, iconográficamente a David se le representa como un rey con su corona, tocando el arpa o la lira. Así lo encontramos en pinturas, ilustraciones y esculturas (relieves). En el Renacimiento, en cambio, los escultores como Donatello o Verrochio lo esculpen como un bello adolescente, de anatomía frágil y serena expresividad. Presentan ya como símbolos arquetípicos del rey David, la espada y la cabeza del gigante Goliat. Por su parte,Miguel Ángel innova absolutamente a la hora de tratar a este mítico personaje. Lo representa como un héroe, un joven atlético de inspiración clásica, totalmente desnudo y sin más atributo identificativo de su condición de rey David que su mítica honda. De hecho, este escultor elige el momento en el que se está preparando para lanzar su arma contra su enemigo. Con Miguel Ángel, el rey David, bajo el influjo neoplatónico, trasciende su significación religiosa, se convirtió más allá de su lectura bíblica, en un emblema del poder de la inteligencia sobre la fuerza bruta y en un símbolo de afirmación de la república florentina. Es una obra de transcendencia política. Las propias palabras de Miguel Ángel al acabar la escultura confirmaron este simbolismo: “Como David ha defendido a su pueblo, así quien gobierna Florencia debe justamente defenderla y gobernarla con justicia“. Recordemos que esta escultura se realiza poco después de haber sido expulsados los Medici del gobierno de la ciudad y con el temor a su vuelta y al expansionismo de Roma y de los Estados Pontificios que preconizaba el Papa Borgia Alejandro VI. Por lo demás, hay que recordar que Miguel Ángel realizó a inicios del siglo XVI “otro” David, hoy perdido, llamado el David de Rohan, realizado en bronce, y del cual se conserva un dibujo en el Louvre. También lo esculpió como símbolo de la república florentina.

-Aparte de los antecedentes quattrocentistas que encontramos en esta escultura, hay que destacar el influjo y la fuente de inspiración esencial que fue para Miguel Ángel la estatuaria clásica , como por ejemplo, el Apolo de Belvedere, una escultura helenística conocida por una copia romana. 
-El ideal grecorromano de belleza y perfección anatómica, se hacen bien presentes en el David de Miguel Ángel. De hecho, el tratamiento que da a esta figura desde el punto de vista formal y técnico es el propio de una obra mitológica entendida en un sentido clásico. Pero ¡non troppo! Miguel Ángel es un clásico “heterodoxo”, que se aleja de las proporciones matemáticas y opta por sobredimensionar la cabeza y una de las manos. El canon, de enormes proporciones, propicia la monumentalidad, el gigantismo de esta obra, un rasgo habitual en sus esculturas. Un intenso dramatismo, la energía concentrada amenazadora, la denominada terribilità tan característica de sus obras, la encontramos ya en el David. El detallismo en el estudio anatómico es impresionante ya que capta con todo detalle las venas, los tendones, los músculos., incluso los huesos. La presencia de la honda sobre el hombro izquierdo mientras la otra mano desaparece por la espalda en busca del otro extremo del arma, tensa todo el cuerpo. La posición de sus manos y de su cuerpo nos revela que era zurdo. Huye de la frontalidad, y muestra un ligero contraposto, con el cuerpo dispuesto en zig-zag. La pierna derecha se apoya sobre un pequeño tronco de árbol, mientras flexiona la otra pierna, más tensa. El rostro es muy expresivo, con el ceño fruncido y la cabeza girada, buscando tal vez a Goliat. La tensión se refleja también en los labios mordidos y en los ojos muy abiertas, con una mirada desafiante, retadora y altiva. Esta tensión compositiva y expresiva rompe el ideal de armonía y equilibrio, como se aprecia hasta en el cabello, con volumen y juego de luces y sombras, revuelto y maravillosamente trabajado a trépano.

-La FUNCIÓN o FINALIDAD en un principio era religiosa y decorativa, puesto que en el objetivo era situar esta escultura en el exterior de la catedral de Santa María de las Flores junto con otras imágenes de personajes representativos del Antiguo Testamento. Pero una vez realizada la obra, los comitentes consideraron que esa ubicación no era adecuada y nombraron una comisión ciudadana en la que se encontraban artistas tan prestigiosos como Botticelli o Leonardo da Vinci que decidieron que el lugar idóneo era la Loggia dei Lanzi, una zona porticada en la propia plaza de la Signoria. Miguel Ángel se opuso y al final triunfó su criterio: su David se alzaría, altivo y victorioso, como un nuevo Hércules sacro y pagano a un tiempo, en el corazón de la ciudad, en la plaza de la Signoria, frente al palacio Vecchio. Finalmente, lo que iba a ser una obra religiosa, se acabó convirtiendo por mor de los acontecimientos y la voluntad del artista, en todo un símbolo político a mayor gloria de Florencia frente a sus enemigos. En su ubicación original, la mirada implacable de David se dirigía directamente a Roma como nuevo Goliat. En cambio, en su nueva lugar en la Accademia, mira hacia una columna.

-Por lo que se refiere a los CONSECUENTES de esta obra, hemos de ponerla en relación con otras esculturas del Miguel Ángel,en concreto con su proyecto inacabado más ambicioso: el sepulcro del papa Julio II. De este proyecto destaca el Moisés, obra capital de fuerza contenida, que hemos de poner en relación con el David. Asimismo, los sepulcros de Giuliano y Lorenzo de la poderosa familia Medici en la iglesia de San Lorenzo de Florencia, realizados entre los años 1520-34. En este conjunto escultórico destacan las figuras alegóricas del Día y la Noche, el Crepúsculo y la Aurora, entendidas como robustos cuerpos desnudos. La tensión, la expresividad y el estudio anatómico anticlásico nos señalan el carácter manierista de estas estatuas. Tampoco debemos olvidar en su producción escultórica la clasicista Piedad del Vaticano (1495) y otras versiones, mucho más atormentadas de este tema, como la Piedad de la catedral de Florencia o la Rondanini, apenas esbozada.

-Por otro lado, la magnitud del genio de Miguel Ángel ensombrece al resto de los escultores coetáneos de la época aunque hay autores muy relevantes, que muestran influencia miguelangelescas como los manieristas Baccio Bandinelli- autor de un Hércules y Caco–Ammanati y su fuente de Neptuno-, Benvenuto Cellini, orfebre extraordinario y maravilloso fundidor y Juan de Bolonia, portentoso artista que tuvo un enorme éxito europeo.

Sobre Benvenuto Cellini conviene destacar que su Perseo degollando a Medusa (1554) que se alza en la Loggia dei Lanzi de la plaza de la Signoria de Florencia es el contrapunto al David, puesto que simboliza la vuelta al poder de los Medici en la persona del duque Cosme I -mecenas de Cellini- y su triunfo sobre sus oponentes republicanos.

-Los escultores manieristas españoles también acusan la influencia de Miguel Ángel: Alonso Berruguete –quien se educó en Italia y conoció personalmente a Miguel Angel- o Juan de Juni.

-En el siglo XVII, ligado al estilo barroco, la influencia de Miguel Ángel es omnipresente. Se hace especialmente evidente en las esculturas del máximo escultor de esta etapa: el napolitano Gian Lorenzo Bernini. La huella miguelangelesca con la pasión por la expresividad, dinamismo y cierta terribilità contenida se aprecian en sus grandiosos David, Apolo y Dafne o el rapto de las Sabinas todas ellas conservadas en el imprescindible museo romano Galería Borghese.

-Y entre muchísimos más autores que esculpen bajo la influencia de Miguel Ángel, no podemos dejar de citar al gran escultor francés “impresionista”, Auguste Rodin, que unirá a la influencia de Miguel Ángel, la de Bernini en su grandiosa producción (el pensador, el beso, etc.).

-La SIGNIFICACIÓN HISTÓRICA del David de Miguel Ángel viene dada, en primer lugar, porque es una obra maestra, emblema del Renacimiento y porque es un símbolo de Italia en general y de Florencia en particular.

-Sobre el ESTADO DE CONSERVACIÓN de esta obra hay que señalar que fue restaurada en el año 2004 ya que su estado era muy delicado. Hemos de recordar que esta escultura ha sufrido durante siglos las inclemencias del tiempo, al estar situada al aire libre, además de todo tipo de avatares: el efecto de un rayo sobre la base, la rotura de uno de los brazos durante una revuelta, y los efectos dañinos de una restauración del siglo XIX realizada con ácido clorhídrico que destruyó la capa de cera que lo protegía.

-En CONCLUSIÓN, esta obra maestra de Miguel Ángel ha pasado a la posteridad como una de las esculturas más perfectas de todos los tiempos, “superior a todas las estatuas, modernas o antiguas” como ya vislumbrara Vasari. Finalmente, hemos de recordar que ningún artista había sido celebrado en vida tanto como él hasta el punto de convertirse en un mito de artista atormentado y genial, calificado ya en vida como “el Divino”.

IMÁGENES

Detalles del David de Miguel Ángel, Museo Galería de la Academia, Florencia

Réplica del David en la plaza de la Signoria de Florencia, situada enfrente del palacio Vecchio, sede del poder civil de la ciudad. En esta plaza estuvo expuesta durante siglos el verdadero David de Miguel Ángel, que hoy se conserva en el museo Galería de la Academia de Florencia.

 

La iconografía del Rey David en la Edad Media: suele aparecer tocando la lira. Ejemplos: El Rey David de la Catedral de León, el rey David de la puerta de las Platerías de la catedral de Santiago de Compostela y un ejemplo de una ilustración medieval. 

 

Antecedentes: la escultura grecorromana. Un ejemplo: el Apolo de Belvedere, c. 340 a de C, copia romana de original helenístico. Museos Vaticanos.

Dos antecedentes quattrocentistas: el David de Donatello (en sus dos versiones, una en bronce y otra en mármol, ambas en el Museo Bargello de Florencia)y el David de Verrochio para el que se cree sirvió de modelo un jovencísimo Leonardo da Vinci 

Otras obras de Miguel Ángel: Moisés, Esclavo, la Aurora

El otro David de Miguel Ángel: el David de Rohan, llamado así por el nombre del comitente, un mariscal francés. Este dibujo preparatorio se conserva en el Museo del Louvre, 1502-8. La escultura de bronce, la única de la que tenemos noticia que realizó Miguel Ángel, está hoy perdida.

Consecuentes: un contrapunto al David de Miguel Ángel: el Perseo de Benvenuto Cellini

El David de Bernini, Galería Borghese, Roma (arte barroco, siglo XVII)

Dos ejemplos de la influencia de Miguel Ángel en la escultura del siglo XIX: El pensador y el beso de Auguste Rodin

El David de Miguel Ángel se ha convertido en un icono de Italia –equivalente al Coliseo por ejemplo-, de Florencia –en particular- y una fuente de inspiración para el marketing y la publicidad de todo tipo de productos. Algunos ejemplos:

PARA SABER MÁS

http://www.youtube.com/watch?v=7GiL9l3C8AQ&feature=related

http://www.youtube.com/watch?v=SRLZK-czjBg

http://www.youtube.com/watch?v=bqTVFkT_DxU

http://www.youtube.com/watch?v=vfpZI6YoSMQ&feature=related

http://www.youtube.com/watch?v=e-l2BMStRcg&feature=related

http://www.youtube.com/watch?v=inE4TToMnss&feature=related

http://www.youtube.com/watch?v=9PlHO9m1cw0&feature=relmfu

http://www.youtube.com/watch?v=ML_i4lnPxGU&feature=relmfu

http://www-graphics.stanford.edu/projects/mich/

http://www.econ.ohio-state.edu/jhm/arch/david/David.htm

http://cultura.elpais.com/cultura/2004/05/24/actualidad/1085349602_850215.html

http://it.wikipedia.org/wiki/David_De_Rohan

http://www.youtube.com/watch?v=62xK8fJ4VZU

http://www.youtube.com/watch?v=i4Xfg0xklqo&feature=player_embedded

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