Descripción del blog


Este blog educativo está dedicado a la Historia del Arte en general, y a la Historia de las Artes Decorativas y el Diseño en particular. Apuntes de Fundamentos del Arte I y II. Resúmenes de Historia de la Indumentaria. Cine en el Arte, Arte en el Cine. Todos los textos han sido escritos por la autora del blog, Ana Galván Romarate-Zabala. Si los utilizas, cita las fuentes. Todas las imágenes contenidas en esta web tienen exclusivamente una intencionalidad didáctica. Si alguna imagen empleada vulnera derechos de autor, puede solicitar la retirada del material que considere de su propiedad intelectual. El contenido de mis artículos puede ser descargado libremente, pero por favor, cite la procedencia. Imagen que encabeza el blog: Un Bar aux Folies Bergère, Édouard Manet, c. 1882. Courtauld Institut, Londres. Fuente de la imagen: Wikimedia Commons. Public Domain

martes, 20 de septiembre de 2016

"PISADAS EN LA ARCILLA". COMENTARIO DE TEXTOS "ARTE EN LA PREHISTORIA". FUNDAMENTOS DEL ARTE I.

Detalle de pinturas rupestres de la cueva de Chauvet, Francia. Fuente de la imagen:http://animals-partner.blogspot.com.es/2015/06/chauvet-cave-wall-painting-of-animals.html

Lee atentamente este artículo del gran escritor Antonio Muñoz Molina y contesta las preguntas que aparecen al final del mismo.

Pisadas en la arcilla
ANTONIO MUÑOZ MOLINA

En la cueva de Chauvet, en el sureste de Francia, están impresas sobre la arcilla las pisadas de un niño de entre ocho y diez años, que medía alrededor de uno treinta y se iluminaba con una antorcha. El carbón de la antorcha dejó sus marcas regulares a lo largo de la pared. Gracias al análisis de esos residuos se sabe que este niño se internó en las sombras móviles de la cueva de Chauvet hace unos veintiséis mil años, de modo que las suyas son las huellas humanas más antiguas de las que tenemos noticia. No hay más huellas cerca: el niño entró solo en la cueva. La luz de la antorcha iluminaría lo que descubrieron por azar unos espeleólogos franceses en 1994, una sucesión de galerías con imágenes de animales pintadas o hendidas sobre la roca y la arcilla, el bestiario fabuloso de las especies que hace treinta milenios deambulaban por las sabanas de Europa, mamuts, leones, rinocerontes, grandes osos, caballos, panteras, ciervos imponentes llamados megaceros, bisontes. Las pinturas de Chauvet son las más antiguas de las que se tiene noticia, muy anteriores a las de Lascaux y las de Altamira: y sin embargo revelan una maestría infalible, un dominio de la anatomía y del movimiento y de la síntesis visual que permite representar la cabeza y la joroba de un mamut o el hocico de un rinoceronte con un solo trazo, aprovechando además las protuberancias de la pared rocosa para sugerir el volumen.

Pero lo más extraño no es la formidable calidad formal de esas pinturas, que desmiente cualquier noción evolutiva en el arte: lo extraño, lo que nos atrae de verdad hacia ellas, es la familiaridad que sentimos al mirarlas. En la manera en que miraban el mundo esos seres humanos hay algo que reconocemos, igual que en esas huellas que podían ser las de los pasos de uno de nuestros hijos, o en esas manos trazadas en blanco sobre las paredes contra un contorno rojizo de óxido de hierro. Alguien apoyó una palma abierta y con la otra mano sostuvo el hueso o la caña por los que sopló el óxido. Si nos estuviera permitido tocar la pared, superpondríamos sobre esa mano fantasma la nuestra y encontraríamos una coincidencia casi exacta.

A las manos impresas en las paredes de las cuevas con frecuencia parece que les faltan las falanges superiores de uno o de varios dedos, nunca el pulgar. Se especuló en otro tiempo que la causa podían ser amputaciones por congelación o por accidentes de caza. Ahora se sospecha que en realidad son dedos doblados para indicar ciertos signos de vocabularios silenciosos, indicaciones o avisos de algo, gestos de pertenencia a un clan. Lo he aprendido en unos de esos libros inesperados que uno encuentra sin haberlos buscado y en los que se sumerge con felicidad durante varios días, Los pintores de las cavernas, de Gregory Curtis, que trata del misterio insoluble del significado de la pintura prehistórica y a la vez cuenta la aventura moderna de su descubrimiento, en la que hay episodios novelescos de exploraciones audaces y hallazgos de tesoros y también de mezquinas intrigas y venganzas académicas, de manuscritos perdidos, exilios y suicidios. Como algunas novelas, el relato de Curtis sucede en dos planos temporales muy alejados entre sí que acaban constituyendo una sola trama. El primero de ellos dura, asombrosamente, unos veinte mil años, a lo largo de los cuales se mantuvo más o menos intacta una tradición plástica de una sofisticación que no tiene nada de primitiva, y que sin más remedio debería de formar parte de una cultura mucho más rica y más amplia de la que no ha quedado nada, igual que han extinguido las especies de animales magníficos que atravesaban Europa en migraciones populosas, proporcionando a aquellos pueblos cazadores no sólo su alimento, sino también la materia de sus rituales y de sus mitologías, de los cuales las pinturas de las cavernas son reliquias en gran medida indescifrables. El segundo relato es mucho más cercano: empieza en 1879, en Altamira, cuando una niña que acompaña a su padre en la excavación de una cueva mira hacia el techo y ve algo en lo que el padre no ha reparado, unas figuras de bisontes rojizos. Al pobre Marcelino de Sautuola el descubrimiento de las pinturas de Altamira no le deparó ninguna gloria, sino humillaciones y disgustos, y murió prematuramente con la amargura de un escarnio sin consuelo. Eran los años en que se difundía, entre furiosas diatribas, la teoría de la evolución, y algunos de sus partidarios, explica Curtis, quisieron creer que las pinturas eran falsificaciones calculadas para desacreditarla. Si las artes, como los organismos, evolucionan de lo más simple a lo más complejo, ¿cómo era posible que unos bárbaros habitantes de las cavernas hubieran sido capaces de pintar con tal maestría?
De un modo u otro, el prejuicio del primitivismo se mantuvo en las interpretaciones más habituales de los especialistas: las pinturas formarían parte de rituales mágicos para propiciar la caza. Pero los animales pintados en las cuevas muchas veces no son los mismos que se cazaban para comer. En algunas de ellas se han encontrado pruebas de que los pintores, mientras hacían su trabajo, habían comido carne de reno, pero no había renos entre los animales que pintaban, y sí otros que inspirarían pavor, como rinocerontes o leones o mamuts. No fue un especialista en pintura prehistórica, sino un historiador del arte con inclinaciones filosóficas, Max Raphael, intuyó por primera vez que las acumulaciones de animales en una gruta podían ser no resultado del azar sino de un propósito compositivo regido por alguna forma de geometría y de simbolismo, cuya clave sería probablemente la forma de la mano extendida. Max Raphael era judío alemán y pasó por Francia huyendo de los nazis. En su exilio de Nueva York vivió obsesionado por las pinturas de las cuevas, negándose a aceptar que culturas tan refinadas en su imaginación plástica y en sus técnicas de representación no hubieran poseído también una complejidad espiritual. Misántropo, angustiado por la soledad y el fracaso, Max Raphael se suicidó en 1951. Unos meses antes le había mandado a la prehistoriadora francesa Annette Laming-Emperaire treinta páginas de borradores y notas para un libro que nunca llegó a escribir: Sobre el método de interpretar el arte paleolítico.
Como en el universo inquietante que nos explican los físicos, en el relato de los pintores prehistóricos lo que vemos y lo que sabemos está rodeado por la materia oscura de lo desconocido. Las pisadas del niño que llevaba la antorcha en la cueva de Chauvet van en una sola dirección. En la cueva de Trois Frères hay una figura solitaria en el punto más alto del techo que tiene cabeza de ciervo, torso y cola de caballo y piernas de hombre que puede ser un chamán en estado de trance o un personaje fantástico, pero que nos estremece sobre todo por el gesto con el que parece volverse el espectador como si acabara de descubrir la presencia de un intruso, o la de un semejante. -
Bibliografía recomendada: Los pintores de las cavernas: el misterio de los primeros artistas. Gregory Curtis. Traducción de Eugenia Vázquez Nacarino. Turner. Madrid, 2009. 324 páginas.

Cuestionario
1.      Resume tres ideas esenciales del texto.
2.     Identifica varias cuevas de arte rupestre. ¿Cuál es considerada la más antigua?
3.     Las pisadas de un ser humano más antiguas que se han conservado están fechadas circa….
4.     ¿Qué animales aparecen representados en pintura de la cueva de Chauvet?
5.     “Las manos trazadas en blanco sobre las paredes contra un contorno rojizo de óxido de hierro” son…
6.     ¿En qué consiste la técnica aerográfica?
7.     ¿Quién descubrió las cuevas de Altamira?
8.     ¿Qué pueden querer decir o significar las representaciones de animales en las pinturas rupestres?
9.     Explica el significado de: bestiario; deambulaban; sabana; infalible; protuberancia; misterio insoluble; sofisticación; escarnio; pavor.

Para saber más sobre Chauvet:

Genial artículo de Algargos sobre Chauvet, aquí.

INTRODUCCIÓN AL ARTE DEL ROMANTICISMO. FUNDAMENTOS DEL ARTE II

¡Saludos!
Aquí tenéis varios enlaces sobre el arte del  Romanticismo y el gran pintor romántico francés, Eugène Delacroix.







Museo de la vida romántica (París)




Museo Nacional del Romanticismo (Madrid)




Eugène Delacroix (presentación del profesor Alfredo García)



View more PowerPoint from Alfredo García

Museo Delacroix de París


La libertad guiando al pueblo de Delacroix 






Espléndida presentación-animación de la Libertad guiando al pueblo del profesor Jose Luis de la Torre, aquí.

Comentario sobre La libertad guiando al pueblo, en este enlace

Homenaje a Delacroix

lunes, 19 de septiembre de 2016

ACTIVIDAD INICIAL SOBRE EL ARTE DE LA PREHISTORIA. FUNDAMENTOS DEL ARTE I



¡Saludos!
Después del visionado de este video, contestad a las siguientes preguntas:

1)El arte prehistórico abarca desde.... y hasta....

2)Señala al menos dos características del arte prehistórico.

3) ¿Qué es la pintura parietal?

4) En los inicios del Paleolítico...

5) Las etapas posteriores al Paleolítico se denominan...

6) ¿En qué zonas se han encontrado abundantes ejemplos de pintura paleolítica? ¿Cronología?

7)¿Qué colores predominan en la pintura parietal paleolítica?

8) ¿Qué técnica utilizaban?

9) Los "toscos pinceles" que utilizaban los elaboraban con....

10)¿Por qué, en general, se han conservado bien las pinturas paleolíticas?

11)¿Qué es la "perspectiva torcida"?

12) Temas de la pintura paleolítica.

13) Teorías e hipótesis sobre la intencionalidad de la pintura paleolítica.

14) ¿Qué es un "ex-voto"?

15)Ejemplos destacados de pintura rupestre son...

16) Cita varias tipologías de arte mueble o mobiliar.

17) ¿Qué eran las venus prehistóricas? ¿Sabes por qué se las denominaba así?

18) La pintura neolítica se centra en la zona de...

19) Señala dos rasgos esenciales de la pintura parietal neolítica.

20) En el Neolítico encontramos también...

miércoles, 14 de septiembre de 2016

ACTIVIDAD INICIAL FUNDAMENTOS DEL ARTE I


Como actividad inicial, haremos un pretest de detección de ideas previas que consistirá en identificar y comentar varias imágenes:




Aprenderemos el eje cronológico y los estilos artísticos:




Y veremos un video sobre la mujer en el arte:



Y aquí podéis ver ejemplos de trabajos de otros cursos.

sábado, 21 de mayo de 2016

ACTIVIDAD INICIAL ARTE ROCOCÓ


Saludos,
Después del visionado de este video, contestad a las siguientes preguntas:

1. Podemos definir al Rococó como...
2.¿Es el arte Rococó un mero apéndice del Barroco?
3. ¿Es el Rococó un arte total?
4. ¿Dónde surgió este estilo? ¿En qué círculos sociales?
5. ¿Qué trasfondo ideológico subyace en este estilo?
7.El Rococó concede una gran importancia....
8. Marco geográfico de la difusión de este estilo.
9.¿Qué material se utiliza profusamente en la decoración de interiores rococó?
10. El Rococó es también denominado Estilo Rocalla. ¿Sabrías definir qué es la rocalla?
11.Temática de la pintura rococó.
12. El papel de la mujer en la pintura rococó.
13. ¿Qué es la pintura galante?
14. ¿Cuál es el objetivo esencial de la pintura rococó?
15.Cita varios pintores ligados a este estilo.
16.¿Qué célebre pintor español comienza su obra coincidiendo con los últimos estertores del Rococó?
17. ¿Sabrías citar algún ejemplo de arte rococó en España?
18. Señala las semejanzas y diferencias significativas entre el arte barroco y el rococó.

domingo, 15 de mayo de 2016

LAS MENINAS DE VELÁZQUEZ

Esta lámina nos muestra uno de los cuadros más impresionantes de la historia de la pintura: las Meninas. Se conserva en el Museo del Prado pero originalmente estuvo emplazado en el casi inaccesible despacho del rey Felipe IV en el palacio real de los Austrias, el Alcázar de Madrid. Su AUTOR es el “pintor de pintores” DIEGO RODRÍGUEZ DE SILVA VELÁZQUEZ (1599-1660). Nacido en Sevilla, la ciudad más rica y culta de España en aquella época, de padre de origen portugués, se educó en casa del pintor y teórico del arte Francisco Pacheco, con cuya hija contrajo matrimonio. Las primeras obras de su juventud demuestran un enorme interés por el naturalismo y el tenebrismo de influencias caravaggistas. Se trasladó a Madrid en 1623 donde pronto tendría éxito en la corte del rey Felipe IV, que será su principal mecenas. El atento estudio de las pinturas de las colecciones reales influirá de forma determinante en su pintura. Viajó a Italia en dos ocasiones donde entró en contacto con el arte grecorromano, renacentista y barroco. Se granjeó cargos importantes en la Corte: fue nombrado Pintor del Rey, así como agente artístico ya que compraba obras de arte para la colección real en sus viajes a Italia. También fue diseñador de espacios interiores y aposentador real. Según los catálogos más autorizados, realizó unas 130 obras, aunque se le atribuyen más de 400. En su producción pictórica encontramos bodegones, algún paisaje –como Villa Medici-, pinturas religiosas –como su impactante Cristo Crucificado-, obras mitológicas –la Venus del espejo, las hilanderas, los borrachos- y por supuesto, retratos. Fue fiel al naturalismo que aplicará tanto a las personas reales como a los temas populares o mitológicos pero deja traslucir su profundo conocimiento del arte y la cultura clásica. Es, en definitiva, el máximo representante de la pintura barroca, un genio del Siglo de Oro de la cultura española. -CRONOLÓGICAMENTE cabe fechar esta obra en 1656. Estilísticamente es una obra plenamente barroca. 
-Por lo que se refiere al COMITENTE de esta pintura fue el rey de España perteneciente a la dinastía de los Austrias o Habsburgo, Felipe IV(1605-1665). Denominado el Rey Planeta, fue un gran mecenas de las artes con una voraz afición por la pintura y su coleccionismo así como por el teatro y la poesía. Mantuvo una cordial relación con su artista favorito, Velázquez. Su hijo Carlos II el Hechizado, el último rey de la dinastía de los Austrias en España, será su sucesor en el trono. 
-El cuadro que analizamos es de gran tamaño y está realizado con la técnica del óleo. Ha sufrido diversas denominaciones a lo largo de la historia. El TÍTULO de la obra en su día fue la familia de Felipe IV,y fue conocida durante siglos como la familia, o simplemente, las Meninas (desde el siglo XIX). El término menina es de origen portugués y significa mi niña o muchachita. En la Corte española las meninas eran las damas de familia noble que servían a las Reinas o a los niños de la familia real.
-El TEMA que muestra esta pintura y su interpretación ha suscitado amplios debates entre los historiadores. Es una obra polisémica, de gran complejidad y originalidad sujeta a muchas lecturas. En principio, es un retrato áulico ya que representa a la que estaba llamada a ser heredera al trono español, la infanta Margarita y a sus padres, los Reyes. Estos últimos no ocupan el espacio central de la obra sino que aparecen reflejados en un espejo al fondo de la estancia. Es pues un retrato colectivo “de aparato” pero, es también una íntima “escena de conversación” , como las que prodigaban en la pintura del norte de Europa. A todo esto se une, la cuestión del artista en su taller, en este caso, es un autorretrato del propio Velázquez en actitud de pintar un cuadro de grandes dimensiones del que sólo vemos el envés. 
-Los retratos áulicos- a mayor gloria de los representados- son habituales en el arte. Así, podemos considerar que los ANTECEDENTES de las Meninas en cuanto a este género podrían rastrearse sobre todo en el Renacimiento, en los retratos “de aparato” de los monarcas de la casa de Austria como Carlos V o Felipe II y sus respectivos familiares realizados por pintores de la talla de Tiziano, Antonio Moro, Sánchez Coello o Sofonisba Anguisola. En la configuración del retrato regio renacentista español, caracterizado por el detallismo y la captación psicológica, Antonio Moro y Sánchez Coello fueron sus principales formuladores e influirían en Velázquez como en otros pintores barrocos españoles. 
Varios ejemplos de retratos áulicos:La emperatriz Isabel de Portugal, por Tiziano, 1548; el rey Felipe II, por Antonio Moro, 1557; La infanta Isabel Clara Eugenia por Sánchez Coello, c. 1570; el príncipe don Carlos por Sánchez Coello, c. 1557
Lo que no es habitual, y en esto Velázquez es un gran innovador, es la forma de plantear este representación como un complejo juego conceptual barroco. Por lo demás, la técnica de Velázquez es absolutamente deudora de Tiziano . Tampoco hay que dejar de citar la influencia de su maestro y suegro, el pintor y teórico Francisco Pacheco, figura clave en la vida de Velázquez. Finalmente la presencia de un misterioso espejo en el cuadro, tiene un antecedente muy claro en ese prodigio de la pintura flamenca del siglo XV: el retrato del matrimonio Arnolfini de Jan Van Eyck
-La escena del cuadro las Meninas se desarrolla en un marco arquitectónico muy definido: es una estancia del Alcázar de Madrid que hace las veces de taller del pintor. Aparecen en la obra once personajes, casi todos lujosamente vestidos según la moda barroca. También encontramos un somnoliento mastín. Las figuras, realizadas bajo parámetros naturalistas, se integran en el espacio de forma nítida o borrosa, en una sucesión de profundos planos. 
-En primer término, a la izquierda y delante de un gran lienzo, encontramos el sorpresivo autorretrato del pintor Velázquez vestido de negro, con mangas acuchilladas de seda blanca y portando en el pecho la cruz de la Orden de Santiago, aunque por aquellas fechas todavía no era Caballero de esa orden. 
De pie, mantiene en una mano la paleta y en otra, el pincel, en actitud pensativa. Representarse de esta forma era una manera de ennoblecerse él y su pintura. Está trabajando rodeado de diversos personajes de la Corte. Los Reyes, Felipe IV y su esposa Mariana de Austria, se reflejan en un espejo detrás del pintor. Es una interpretación bastante aceptada el pensar que Velázquez está realizando un retrato de los monarcas, que están posando "fuera del cuadro", en el lugar donde se halla el espectador. En un momento dado, entra en el taller del artista, la infanta Margarita seguida de su atento séquito. Otra hipótesis podría ser que Velázquez está realizando un retrato a la infanta Margarita y los Reyes acuden a visitarla. Sea como fuere, la escena está presidida por esta infanta, la primogénita de los reyes, de cinco años de edad. Fue la persona de la familia real más retratada por Velázquez. Está flanqueada por dos meninas en actitud reverente. A la izquierda, la menina María Agustina Sarmiento, que le ofrece protocolariamente un pequeño búcaro con agua sobre una bandeja. Y a la derecha, la menina, Isabel de Velasco. Inmediatamente después, encontramos a dos bufones enanos: Maribárbola y Nicolasito Pertusato, que parece un niño y está golpeando con su pie al tranquilo mastín. 

Doña Marcela de Ulloa se halla detrás de doña Isabel. Es la “guardadamas” y va vestida con una toca de viuda. Del otro personaje que está a su lado, medio en penumbra, desconocemos su identidad. 
-Al fondo del cuadro, en la parte luminosa, atravesando el pasillo con la puerta abierta encontramos al aposentador de la reina, José Nieto , del que no sabemos si entra o sale. Por encima del espejo en el que se reflejan los reyes hay dos cuadros, un tanto borrosos, de tema mitológico alusivos a la nobleza de la pintura. 
-La composición es pura escenografía barroca. Los personajes aparecen distribuidos en un punto de vista único y frontal, en un juego de ejes, frontales y trasversales ocupando la parte inferior del cuadro. Las figuras parecen conversar y hay cruces de miradas. El orden compositivo es ondulante, de izquierda a derecha. Es una composición abierta, donde el espectador es figura clave de la misma. Especialmente parecen observarnos, Maribárbola y Velázquez. 
 -Por lo que se refiere al tratamiento de la luz, es espectacular. Hay dos grandes focos de luz. Uno procede desde la primera ventana de la derecha e incide en la infanta que parece flotar. Las figuras de segundo plano quedan en semipenumbra, mientras que en la parte del fondo encontramos un nuevo foco de luz, impactando sobre el aposentador que recorta su silueta sobre la escalera. 
-La pincelada empleada por Velázquez es muy suelta, vibrante y pastosa, claramente tizianesca. Pintaba “alla prima”, es decir, sin casi esbozo previo, aplicando el color directamente, espontáneamente y muy rápido. Produce, así, una sensación de abocetamiento y verismo prodigioso que anticipa la pintura impresionista. Pinta capas tan finas, que en ocasiones nos permite apreciar la propia urdimbre del lienzo. 
-Predominan los colores matizados, los medios tonos blancos, plateados, ocres, azules con notas de color rosáceo, negro o rojo. 
-El dominio de la perspectiva en Las Meninas es magistral, tanto de la perspectiva lineal, cuyo punto de fuga se sitúa en el aposentador, como en la aérea, ya que consigue representar el aire, la sensación atmosférica que rodea a cada uno de los personajes y difumina sus contornos. La sensación de volumen y espacio está plenamente conseguido.
-Podemos realizar varias interpretaciones sobre la FUNCIÓN o FINALIDAD de este lienzo. Como buena obra barroca, esta pintura esconde varios mensajes que únicamente el público más culto y avezado de la Corte podía captar. En primer lugar, es evidente que nos encontramos ante un retrato profano, cortesano, a mayor gloria de la monarquía hispánica centrada en este caso en la infanta Margarita, figura central de la pintura. Sería pues una finalidad política, en defensa de una dinastía que por aquel entonces estaba en franco declive. De acuerdo a esta situación, algunos sugieren que el reflejo de los reyes en el espejo es un símbolo de apoyo o ejemplo que la infanta ha de tener en cuenta para su futuro. Finalmente, ella no heredó el trono pues Felipe IV llegó a tener un heredero varón (Carlos II, el Hechizado). 
 -En segundo lugar, Velázquez con esta obra pretende reivindicar el papel del artista y su posición social, enfatizar el carácter intelectual de la pintura –“cosa mentale” como recordaba Leonardo, y subrayar su grandeza y nobleza, muy superior a las obras de artesanía. Y no es de extrañar, ya que en aquella época, la pintura era subestimada como una profesión sujeta a impuestos, como los zapateros y todos los demás artesanos. Esto no ocurría en Italia, donde los pintores eran tratados como creadores cultos. Velázquez querría proclamar la nobleza de su arte cometiendo una "osadía": se incluyó a sí mismo en un retrato de la familia real, ocupando un puesto destacado y relegando a los reyes a una imagen diminuta. Pero hay que precisar que la presencia de los reyes no es "real", sino un reflejo; los reyes están en la sala con el pintor, pero no a su lado sino a cierta distancia. De este modo, sin violentar el protocolo, Velázquez alardea de su posición en la Corte y reclama para la profesión de pintor un tratamiento acorde como servidor del rey. 
-Finalmente, podríamos argüir una tercera finalidad: crear una obra estupefaciente que subrayara la supremacía de este pintor sobre el resto de los artistas de su época. Epatar, sorprender, maravillar: puro barroco. 
 -Por lo que se refiere a los CONSECUENTES de esta obra, hemos de ponerla en relación con otras pinturas de Velázquez como la Venus del espejo o las Hilanderas. Como señaló Julián Gállego, en Madrid fue conocido como mucho por cien personas, fue un gran incomprendido y apenas dejó discípulos, si acaso su yerno Juan Bautista Martínez de Mazo. 
La familia del pintor, de Juan Bautista Martínez de Mazo,1665 y la infanta Margarita de Austria, 1666, también obra de Martínez de Mazo.
El aspecto de inacabado era advertido en los cuadros de Velázquez y por ello era criticado ya que se llegaba a señalar que no sabía pintar. Sea como fuere, la influencia de las Meninas ha sido muy profunda en los artistas a través de los siglos, desde el barroco hasta la actualidad. 

                  Goya: la familia de Carlos IV (1800), y La familia del infante don Luis (1784)


La influencia de Velázquez en el “padre” del impresionismo, Edouard Manet fue determinante. Un ejemplo, Bar en el Folies-Bergère (1881-82)

Sintetizando mucho, podemos destacar su huella especialmente profunda en Goya –recordemos su familia de Carlos IV- y en el pintor francés Edouard Manet- siendo un precedente del Impresionismo. Ha sido reinterpretada por muchos artistas como por ejemplo Sargent, Sorolla, el Equipo Crónica, Dalí o Picasso. También ha sido fuente de inspiración para poetas, novelistas y dramaturgos así como filósofos. 

El artista en su estudio, James Abbott McNeill Whistler,1865; Las hijas de Edward Darley Boit de John Singer Sargent, 1882;la niña María Figueroa vestida de menina,1901, de Sorolla

Las Meninas de Picasso 
Del Equipo Crónica hay innumerables ejemplos realizados bajo la inspiración de las Meninas (a partir de los años 70 del siglo XX): La salita; la amenaza; y de Manolo Valdés, las meninas

Las Meninas también han inspirado a Dalí; a Botero y a Richard Hamilton, este último con su obra las Meninas de Picasso
Las MENINAS y los ilustradores gráficos
Las meninas según Francisco Ibañez. Y dos geniales interpretaciones de Mingote: “Hay días en que no se le ocurre a uno nada” y “las meninas”

Las Meninas se han convertido en un reclamo publicitario. De la alta cultura han pasado a ser cultura popular en forma de recuerdos para turistas o souvenirs.



-La SIGNIFICACIÓN HISTÓRICA de este lienzo que el pintor barroco italiano Luca Giordano definió como la “teología de la pintura”, viene dada por ser una de las obras capitales de la pintura de todos los tiempos. Símbolo de la cultura española y del arte universal, su fortuna crítica, sin embargo ha sido oscilante. Durante la Ilustración (siglo XVIII) fue muy elogiada pero no fue hasta el siglo XIX cuando alcanzó pleno reconocimiento internacional. El reconocimiento de Velázquez en ese siglo iría en paralelo a la justa valoración de las Meninas. Por lo demás, recordemos que en la valoración de la pintura de la escuela española fue fundamental el impacto de la Guerra de la Independencia contra los franceses que expoliaron y compraron a placer piezas esenciales de la pintura barroca española, dándola así a conocer. Hasta entonces había sido tenida como un mero apéndice de la pintura napolitana. Muchas de esas piezas de Velázquez , Murillo, Zurbarán o Ribera, pasarían a engrosar los fondos de la Galería del rey francés Luis Felipe de Orleáns, haciendo las delicias, de entre otros, los futuros pintores impresionistas, con Edouard Manet a la cabeza. 

-Sobre el ESTADO DE CONSERVACIÓN hay que señalar que es excelente. Fue restaurado en 1984 bajo la dirección de John Brealey, experto del Museo Metropolitan de Nueva York. 
-En CONCLUSIÓN, las Meninas es una obra maestra y con seguridad, la pintura más importante que realizó Velázquez. Es a la vez es el mejor ejemplo del ilusionismo barroco que nos esconde su verdadero significado de manera que nos seguimos preguntando como lo hizo Théophile Gautier en 1882 "¿Dónde está el cuadro?". 
EL DOCUMENTO COMPLETO EN PDF AQUÍ
PARA SABER MÁS


http://www.museodelprado.es/enciclopedia/enciclopedia-on-line/voz/velazquez-diego-rodriguez-de-silva-y/
http://www.youtube.com/watch?v=aeWgZ5G4-Ps&feature=player_embedded
http://www.elimparcial.es/reportajes/meninas/
http://www.youtube.com/watch?v=e9RI-H03SuY