Descripción del blog


Este blog educativo está dedicado a la Historia del Arte en general, y a la Historia de las Artes Decorativas y el Diseño en particular. Apuntes de Fundamentos del Arte I y II. Resúmenes de Historia de la Indumentaria. Cine en el Arte, Arte en el Cine. Todos los textos han sido escritos por la autora del blog, Ana Galván Romarate-Zabala. Si los utilizas, cita las fuentes. Todas las imágenes contenidas en esta web tienen exclusivamente una intencionalidad didáctica. Si alguna imagen empleada vulnera derechos de autor, puede solicitar la retirada del material que considere de su propiedad intelectual. El contenido de mis artículos puede ser descargado libremente, pero por favor, cite la procedencia. Imagen que encabeza el blog: Un Bar aux Folies Bergère, Édouard Manet, c. 1882. Courtauld Institut, Londres. Fuente de la imagen: Wikimedia Commons. Public Domain

domingo, 29 de abril de 2018

ZAHA HADID, LA ARQUITECTA SIN LÍMITES


“Más que un estilo, lo mío es intentar estar siempre en la frontera de la innovación”.                                                                                                                     Zaha Hadid


Zaha Hadid fue una de las arquitectas más afamadas e influyentes de finales del siglo XX e inicios del siglo XXI.
Nació en Bagdad  (Iraq) en 1950 en el seno de una familia islámica y murió de un infarto en el año 2016 en Miami (Estados Unidos). Se consideraba anglo-iraquí. Antes de dedicarse a la arquitectura, cursó estudios de Matemáticas en la Universidad Americana de Beirut (Líbano). Posteriormente se trasladó a vivir a Londres donde estudió en la  Architectural Association de esa ciudad. Allí obtuvo su diploma en 1977. Cuenta con numerosos premios, entre otros con el prestigioso PRITZKER (2004). Fue la primera mujer arquitecta que ostenta este galardón, considerado como una especie de Premio Nobel de Arquitectura por su importancia. También fue nombrada Dame –el equivalente a Sir en femenino- por la reina Isabel II.
De personalidad carismática y arrolladora, no se conformó solo con sus proyectos arquitectónicos. Su visión omnicomprensiva de la creación artística,  y nada jerárquica entre todos los ámbitos del arte, le llevó a diseñar todo tipo de objetos desde mobiliario hasta  cerámica pasando por  joyería, objetos domésticos, y por supuesto, moda (zapatos, vestidos). Para ella sus diseños eran una extensión de su labor de arquitecta. También fue pintora así como profesora en Harvard, Chicago y Nueva York entre otras universidades.
Abrió su estudio de arquitectura en Londres en 1980 y poco después ya tuvo un rotundo éxito con un hotel muy futurista de Hong-Kong.
Como Frank O. Gehry, del que era muy amiga, su arquitectura es muy esteticista y de vanguardia. Nos remite a diseños inspirados en la naturaleza y por lo tanto, orgánicos. Ha sido vinculada a la Deconstrucción, como mostró el MoMA de Nueva York en una exposición llamada Deconstructivist Architecture en 1988. Recordemos que la Deconstrucción parte de complejas reflexiones filosóficas y literarias –debidas al filósofo francés Jacques Derrida- y se ha plasmado en ámbitos tan diferentes como el arte o la cocina (ej. Ferrán Adriá). Inspirados en las reflexiones de la teoría literaria de de la Deconstrucción, algunos arquitectos comenzaron a desmontar los procesos de diseño y empezaron a realizar proyectos aparentemente irrealizables contradiciendo  las convenciones del diseño y de la industria. Ayudados por nuevos programas de diseño y mejores computadoras y materiales de construcción llegaron a desarrollar las desestructuradas estructuras que hoy se pueden apreciar. 
La Deconstrucción es simultáneamente anticlásica y antifuncionalista, va más allá de cualquier propuesta arquitectónica anterior, puesto que niega los principios tradicionales básicos de la historia de la arquitectura: estabilidad, unidad, armonía… En definitiva, la arquitectura deconstructivista se caracteriza por el hecho de que la obra no aparece como un todo sino como un montaje de piezas. 
También ha realizado proyectos como urbanista (Seúl, Corea del Sur) y ha diseñado mobiliario urbano.
Entre sus influencias cabe destacar el arte de vanguardia, el arte abstracto geométrico ruso: Constructivismo y Suprematismo, en particular de Malevich.

Entre las notas distintivas de su arquitectura, resumiendo mucho, podemos señalar:
*Fue evolucionando desde sus proyectos arquitectónicos basados en formas angulosas y rectas hacia un mayor uso de la curva, las espirales, las líneas sinuosas y la geometría fragmentada característicos de la arquitectura deconstructivista.
*Ha sido denominada la “reina de la curva” por las formas ondulantes y geométricas de sus diseños. Son líneas aerodinámicas que transmiten sensación de movimiento y velocidad.
*Gusto por las líneas fluidas.
*Sus diseños son únicos, de formas complejas, casi imposibles, muy esteticistas. Son edificios-esculturas volumétricos, en definitiva, obras de arte.
* Busca innovar y sorprender. Su máxima era “romper los límites de la arquitectura”, es decir, convertir los edificios en paisaje y repensar los límites físicos y formales de las construcciones.
*Ha construido sobre todo espacios públicos como bibliotecas, salas de concierto y museos. Quiere que su arquitectura engrandezca, que aporte experiencias a los usuarios. Mejorar la vida de todos.

Esta legendaria arquitecta tuvo una carrera muy prolífica y de hecho realizó más de treinta edificios diseminados por Asia, Estados Unidos, Europa, etc.
Entre sus proyectos más memorables podemos destacar:
*El Restaurante Moon Soon en Sapporo (Japón), de 1990: diseña tanto el edificio como los muebles y la decoración de interiores.
*Vitra Fire Station (Weil am Rhein, Alemania, 1990-93): en este parque de bomberos utiliza volúmenes livianos de formas puntiagudas y angulosas. Busca integrar el edificio con el paisaje.
*El Pabellón Puente construido para la Expo de Zaragoza de 2008. Es una de las obras más representativas de su carrera, muy compleja, que aúna ingeniería con arquitectura y el diseño interiores de un espacio de reflexión colectiva sobre el agua y el desarrollo sostenible.
*El Museo Nacional de Arte del Siglo XXI en Roma (MAXXI), 2009: de formas serpenteantes inspiradas en las aguas del río de Roma, el Tiber. Las paredes curvas que acaparan la atención de los visitantes no solo son usadas para ser expuestas en el interior, sino también en el exterior, con murales, proyecciones o instalaciones.
*Heydar Aliyev Center en Baku (Azerbaiyán), 2013: es uno de sus proyectos más espectaculares y elegantes. Es un centro cultural (museo, sala de conferencias, etc.)
*El Centro Acuático en Londres para las Olimpiadas del año 2012. Tiene forma de una ola del mar.
*El edifico Opera House de Guangzhou en China (2003-2010): es uno de sus proyectos más impresionantes por su espectacularidad, dimensiones y monumentalidad.
*El Hotel Puerta de América de Madrid: es un hotel de cinco estrellas, único en el mundo porque fue diseñado por diecinueve de los más destacados arquitectos del mundo, entre ellos tres premios Pritzker : Norman Foster, Zaha Hadid y Jean Nouvel.
*Algunos de sus edificios son póstumos. Varios se estaban construyendo cuando se produjo su fallecimiento como un estadio en Qatar para la FIFA World Cup del año 2022.

Zaha Hadid ha expuesto sus  pinturas, proyectos y diseños en exposiciones por medio mundo: Venecia, Madrid, Londres, etc.
En conclusión, esta multidisciplinar artista visionaria, fallecida inesperadamente a los 65 años, fue vanguardia en estado puro, impactante, futurista y orgánica, tanto en sus proyectos arquitectónicos como en su  labor de diseñadora, pintora y profesora. Siempre intentando ir más allá de los límites de la arquitectura...


ANEXOS IMÁGENES






Museo Nacional de Arte del Siglo XXI en Roma (MAXXI), 2009

Opera House de Guangzhou, China 

  


Diseños de Zaha Hadid    







FUENTE DE DOCUMENTACIÓN

http://www.zaha-hadid.com
http://www.alejandradeargos.com/index.php/es/completas/32-artistas/581-zaha-hadid-biografia-obras-y-exposiciones
https://en.wikiarquitectura.com/architect/hadid-zaha
https://www.independent.co.uk/arts-entertainment/architecture/zaha-hadid-google-doodle-buildings-celebration-architecture-qatar-london-stadiums-centres-a7764071.html
https://elpais.com/cultura/2017/05/31/actualidad/1496183060_388032.html
http://www.abc.net.au/news/2016-04-01/zaha-hadid-iraqi-british-architect-dies-suddenly-at-65/7291342
http://www.abc.es/cultura/arte/abci-ultimas-sorpresas-zaha-hadid-201612270158_noticia.html
http://www.abc.es/cultura/arte/abci-zaha-hadid-pionera-201604010803_noticia.html
https://elpais.com/elpais/2016/03/31/album/1459437061_557063.html#foto_gal_6
https://www.youtube.com/timedtext_video?ref=player&v=GF_qPKnrrHo
https://www.youtube.com/watch?v=DhHiYU3kL0E
https://www.youtube.com/watch?v=mYjXTK4NxZM
https://www.youtube.com/watch?v=DQvbvDjGLZ0
http://artpower-ana.blogspot.com.es/2012/09/los-disenos-organicos-y-futuristas-de.html

domingo, 18 de febrero de 2018

"A RITMO DE JAZZ", ILUSTRACIONES DÉCO EN EL MUSEO ABC


Carlos Sáenz de Tejada, La moda en París. Gran concurso de elegancias,  1931. Museo ABC


Salvador Bartolozzi, Cuentos de hoy. Bailando el charlestón. Blanco y Negro, núm. 1881, 5 de junio de 1927. Museo ABC

Coincidiendo con el Madrid Design Festival podemos contemplar hasta el próximo 4 de marzo en el Museo ABC de Madrid la deliciosa exposición "A ritmo de Jazz. Art Déco en la Colección ABC". En ella encontraremos ejemplos representativos de ilustraciones Déco de artistas españoles, sobre todo son imágenes alusivas al interiorismo y la moda. 
Algunas de estas ilustraciones fueron publicadas en la mítica revista Blanco y Negro, una publicación semanal en la que desde el año 1891 que surgió, colaboraron los artistas más relevantes de la época.

Reproducimos por su interés, la información que nos aporta este museo sobre esta recomendable exposición:

"Penagos, Bartolozzi, Rikardo, o Sáenz de Tejada, con sus dibujos, revelan las claves del estilo más glamuroso del siglo XX.

EL ART DÉCO ILUSTRADO

Joséphine Baker contonea sus extremidades de ébano solo ataviada con una falda de plátanos. Es un escándalo. Únicamente los coloristas y exóticos Ballets Rusos le hacen sombra en los escenarios. El cubismo, como otras vanguardias, tiene prohibida la entrada a los Salones. «¡Son unos degenerados!», gritan los academicistas.
La Bolsa sube y también las flores de loto, los escarabajos y las pirámides que traen consigo el descubriendo de la tumba de Tutankamón en 1922. Lo exótico, ya sea de África, América Central u Oriente, vende. Y, a la vez, hay una fascinación por las máquinas. Se baila a ritmo de jazz mientras The New York Times habla de «el retorno de la música de los ‘salvajes’». Estamos en 1925. Y las noches son largas.
Están repletas de flappers, humo y alcohol. París, recuerden, era una fiesta.
Introduzcan todos esos ingredientes en una coctelera –Baker, Picasso, Diághilev… y algún faraón–, añadan un poco de los estilos históricos. Agítenlo –prohibido remover– y tendrán el art déco. El estilo que reinó de 1910 a 1935 y que nació para salvar a Francia. Y, dispuestos a volver a imponer su estilo al mundo, a los franceses no se les ocurrió otra cosa que dedicarle una exposición internacional a las artes decorativas.¡La primera en el mundo! El objetivo era parar el auge del diseño y la fabricación austriaca y alemana y resucitar una industria moribunda. Proclamar al mundo la supremacía francesa en la producción de artículos de lujo.
La Exposición Internacional de Artes Decorativas e Industrias Modernas de París se inaugura, con 10 años de retraso, en abril de 1925. Recibe16 millones de visitantes en seis meses. Es la consagración de un estilo, el art déco, donde se abrazan tradición y modernidad, lujo y funcionalidad. Entre tanta opulencia no hay hueco para filosofía ni utopías. Es el triunfo de lo pragmático. Otra forma de entender la modernidad, más allá de vanguardias históricas. Un estilo al que no tuvieron tiempo ni de bautizar. Es en los años sesenta cuando se adopta la abreviatura de la exposición internacional para referirse a él.
Triunfan los muebles de Émile-Jacques Ruhlmann, Jacques Doucet y Robert Mallet-Stevens. Y el cristal de René Lalique o las joyas de Louis Cartier.

EN VERSIÓN ESPAÑOLA

Una veintena de países fueron invitados a participar. La única condición era que las obras expuestas debían ser completamente modernas, sin copia de estilos históricos del pasado. España consiguió plaza pero rápidamente quedó fuera de juego con un pabellón de estilo regionalista. Lo firmaba el arquitecto Pascual Bravo Sanfeliú. En cambio, en el interior del Grand Palais brillaban los carteles de Rafael de Penagos
–fue premiado por los organizadores–, Salvador Bartolozzi, Ramón Manchón Herrera, José Capuz y Larraya. Los tres primeros, presentes en esta muestra. Según importantes críticos, la mayor aportación española al art déco fue la producción gráfica y muchos de sus autores están en la Colección ABC. De la popularidad y el éxito de este movimiento son testigo los dibujos originales que se presentan en A ritmo de jazz. Art déco en la Colección ABC. 
Están firmados por Rikardo, Santonja, Romley, Loygorri o Sáenz de Tejada y son fruto del interés de los editores de ABC y Blanco y Negro por transmitir a sus lectores lo último. Unas ilustraciones que invitan hoy a viajar a una época marcada por la elegancia, el refinamiento y el exceso.


CLAVES DE ESTILO

El art déco tuvo unos padrinos que, armados de aguja y dedal, no solo impusieron una nueva forma de vestir sino que encargaron sus salones a arquitectos y decoradores. Hablamos de Poiret, un auténtico coolhunter de la época, pero también de Lanvin, Patou, Paquin, Chanel, Vionnet, Tabot... Desterraron el corsé, acortaron las faldas y el pelo para facilitar que se bailara el charlestón. Impusieron el corte al bies para dibujar el cuerpo femenino. Si en el armario reinaba una nueva sencillez y ligereza, aunque estuviera confeccionada en tul y lentejuelas o en tejidos de lamé brillantes, los interiores también debían girar hacia una simplificación de la arquitectura y la decoración. El biombo o los muebles que dividen espacios son pieza claves. Todo es provisional. Es época de los ensembliers (decorador)".
Las negritas son mías.

Algunas imágenes de la muestra:

Portada de Eugenio Cortiguera para Blanco y Negro. Publicada el 8 de junio de 193

"La mujer y la casa" de José Loygorri. Publicado en  Blanco y Negro, núm. 1.988, 23 de junio de 1929. Museo ABC 


"Por las rutas tenebrosas" de Carlos Masberger. Publicado en Blanco y Negro el 7 de diciembre de 1930. Museo ABC


 
Romley.
 La Gran Sala Comunal. Circa 1935 ©Museo ABC  
                         

Romley, Ideas a domicilio. Respuestas a nuestros consultantes. La decoración en la vida moderna, 1933. Museo ABC


Francisco Sancha, La hora del cine, 1935. Museo ABC

Fuente de las imágenes: ABC