Descripción del blog


Este blog educativo está dedicado a la Historia del Arte en general, y a la Historia de las Artes Decorativas y el Diseño en particular. Apuntes de Fundamentos del Arte I y II. Resúmenes de Historia de la Indumentaria. Cine en el Arte, Arte en el Cine. Todos los textos han sido escritos por la autora del blog, Ana Galván Romarate-Zabala. Si los utilizas, cita las fuentes. Todas las imágenes contenidas en esta web tienen exclusivamente una intencionalidad didáctica. Si alguna imagen empleada vulnera derechos de autor, puede solicitar la retirada del material que considere de su propiedad intelectual. El contenido de mis artículos puede ser descargado libremente, pero por favor, cite la procedencia. Imagen que encabeza el blog: Un Bar aux Folies Bergère, Édouard Manet, c. 1882. Courtauld Institut, Londres. Fuente de la imagen: Wikimedia Commons. Public Domain

sábado, 19 de noviembre de 2016

ARTE ROMANO EN EMERITA AUGUSTA




¡Saludos!
Con el primer emperador romano, Octavio Augusto, culminó la conquista de los territorios de Hispania. Con él se inicia la Pax Romana tras una larga y sangrienta conquista que duró aproximadamente doscientos años, desde el siglo III hasta el siglo I antes de Cristo.
Octavio Augusto fundó diversas ciudades por todo el imperio como  Augsburgo en Alemania y en España, Emerita Augusta (Mérida), Caesaragusta (Zaragoza), Lucus Augusti (Lugo) o Barcino (Barcelona).
Poblada ya desde la prehistoria - como nos muestra el conjunto de joyas de oro de la Edad de Bronce que atesora el Museo Británico de Londres- Mérida se convirtió en la ciudad más importante de la Hispania romana. La primera población de esta ciudad se nutrió de soldados licenciados que habían participado en las Legiones V y X, ambas presentes en las guerras cántabras.
Las ruinas romanas están presentes por doquier en esta apasionante ciudad.
Merecen una visita el teatro, el anfiteatro, el circo, el columbario, la villa Mitrea, el templo de Diana, el arco de Trajano, el acueducto de los Milagros y por supuesto el Museo Nacional de Arte Romano.
En el Museo podemos contemplar una impresionante colección de arte romano, en especial de mosaicos y esculturas, aunque también de artes decorativas como vidrio, joyas o piezas realizadas en hueso.





Relieve con representación de gladiadores en actitud de combate, siglo I d. C., Museo Nacional de Arte Romano de Mérida

En el  FORO romano de Mérida podemos observar dos espléndidos medallones o clípeos: uno de ellos representa una cabeza de medusa y el otro a Júpiter. Ambos presentaban un valor apotropaico y defensivo para la ciudad.


En la siguiente imagen podemos ver restos de hormigón romano de las gradas del anfiteatro. El hormigón era llamado "opus caementicium". Aportaba gran solidez a las construcciones. En Mérida se empleaba en su elaboración cal, cantos y arena del río, así como anfibolitas (tipo de piedra) de tamaño medio.



En esta fotografía se puede observar los restos de revestimientos marmóreos que aún perduran en el TEATRO.


El TEATRO de Mérida:
El emperador Augusto, bajo cuyo gobierno se construyó este teatro, promovió la representación de obras de teatro griegas, aunque pocos romanos entendían esa lengua. Por ello, relata el escritor Ovidio: "al teatro se va a ver y a ser visto, poco importante los versos que se están representando".
No obstante, los romanos, más que la tragedia y la comedia clásicas, preferían el mimo y la pantomina, donde se mezclaban gestos, música y danza. En ellos se trataban de manera burlesca y a veces grosera, temas mitológicos, políticos o asuntos relevantes del momento. 
Las obras se representaban durante el día y eran pagadas por los ediles, gratuitas, por tanto, para cualquiera que quisiera acudir.







En este dintel de granito de uno de los accesos principales al teatro se conserva una inscripción latina que alude a Marco Agripa, influyente personaje que ocupó diversos cargos públicos en Mérida circo 16-15 a. C. Fue yerno del emperador Augusto y estuvo muy vinculada a la construcción de este teatro.
En su origen, este dintel estuvo estucado y las letras estaban pintadas de rojo.



Llegando al anfiteatro nos encontramos con esta VÍA o CALZADA:


El ANFITEATRO era el espacio arquitectónico destinado a espectáculos públicos, principalmente a la lucha de gladiadores, entre otras funciones.
La arena del anfiteatro de Mérida, con 64´5   metros en su eje mayor y 41´2 metros en el menor, presentaba  en el centro una gran fosa que se cubría con un entramado de madera para el desarrollo de los juegos.
Los combates en pareja o en grupo, solían realizarse por la tarde. Era habitual que su árbitro y su ayudante hicieran cumplir las reglas mediante el uso de la vara si era necesario.
La música era otro elemento fundamental para marcar las fases del espectáculo, que comenzaba con un duelo entre dos jinetes a caballo para después combatir el resto por parejas, según armas y experiencia.
Iugula! Verbera! Missus! ¡Mátalo! ¡Azótalo! ¡Perdónalo! solía gritar el público, según palabras del escritor y filósofo Séneca.




El graderío del anfiteatro:




En esta imagen se muestra un detalle de la tribuna reservada para los magistrados o particulares que pagaban los combates de gladiadores. La inscripción escrita en latín y grabada en el dintel de granito corresponde a la conmemoración de la construcción del anfiteatro: AUGUST. PONTIF.MAXIM. TRIBUNIC. POTESTAD XVI y hace referencia al emperador Augusto y a sus títulos, situando la fase inicial del edificio en torno al año 8 a. C.



Fuera de las murallas de la ciudad, se encuentra una zona de enterramientos, en las proximidades de una de sus puertas principales y muy cerca de la vía que comunicaba Augusta Emerita con Córdoba.  Es el COLUMBARIO, un paraje lleno de encanto recorrido por cipreses y diversas plantas utilizadas en los jardines funerarios romanos.
El uso funerario de esta zona se encuentra documentado desde el siglo I d. C. Allí podemos encontrar mausoleos y las denominadas en latín "cuppa" (o "cupa" en español), monumentos funerarios de forma rectangular con cubierta cilíndrica.
Uno de los mausoleos más interesantes es el de los Voconios, c. 50-100 d.C. En él aparece una inscripción "Cayo Voconio Procuro hizo la tumba para: su padre Cayo Voconio, hijo de Cayo, de la tribu Papiria; su madre, Cecilia Anus; su hermana Voconia Maria, hija de Cayo." Los objetos representados en la parte superior del epitafio están destinados a resaltar los logros militares del padre del comitente. 




Las piezas situadas en los extremos son collares -tipo torques- y brazaletes, estos últimos con forma  de serpiente, símbolo protector del hogar. La pieza central muestra un armazón de tiras de cuero que servía de soporte a discos de metal (fáleras).


En pleno casco histórico de Mérida encontramos el TEMPLO DE DIANA:
En época romana este templo destacaba dentro de una gran plaza conocida como "Foro de la Colonia". Rodeada de importantes edificios públicos, fue el centro urbanístico y el principal lugar de encuentro de los ciudadanos de Augusta Emérita. Aquí transcurría la vida política, se administraba justicia, se hacían transacciones financieras y mercantiles y se ofrecían sacrificios en honor a los dioses.
El templo, flanqueado por dos estanques, se ubicaba en la cabecera de la plaza, en un espacio sagrado conocido como "Temenos", donde se celebraban actos religiosos al aire libre. Delante del templo existía una tribuna pública, elevada sobre ella plaza. Desde ella, las autoridades se dirigían a los ciudadanos.
El templo fue construido con granito procedente de canteras locales y revestido con estuco. Estuvo rodeado de columnas en todos sus lados. El templo se alzaba sobre un podio de tres metros de altura. Mientras el templo estuvo en uso, se accedía a su interior subiendo una escalera monumental, hoy perdida.
Desde el siglo XVII fue denominado como el Templo de Diana aunque hoy sabemos que estuvo consagrada a Roma y al emperador.



En los CIRCOS romanos se realizaban carreras de cuadrigas.
El circo romano de Mérida está fechado en la primera mitad del siglo I d.C y fue remodelado durante el siglo IV d. C. Su traza es la de un rectángulo que adopta forma de semicírculo en el extremo oriental, mientras que en su lado occidental conforma un arco de circunferencia para garantizar la igualdad de todos los carros en el momento de salida.
Constaba de diversas partes:
*La CAVEA o graderío, dispuesta en sectores o cunei. De una grada solo se aprecian alguna hiladas. Separando el graderío de la arena se levanta el podio.
*Las CARCERES: dispuestas en curva en el extremo occidental del circo, están divididas en dos series de seis casillas separadas por una entrada monumental. Desde aquí salían los carros para iniciar la competición.
*El HEMICICLO: se sitúa enfrente de las carceres en el extremo oriental del edificio. Allí se localizaba otra entrada monumental.
*La ARENA o lugar donde se desarrollaba la competición. Era larga y estrecha y estaba dividida en dos pistas en el sentido del eje mayor del circo, por una barrera central o "spina".
*La SPINA, está formada por dos estanques separados por un espacio central, donde probablemente se situaría un elemento vertical u obelisco. En los dos extremos de la spina se situarían dos plataformas semicirculares que corresponden con las metas.
El circo era un edificio lleno de símbolos.
El poder del emperador y el cosmos eran una misma cosa y ambos tenían su representación en los elementos de este edificio. Podría decirse que el circo era un universo en miniatura. La arena simbolizaba la tierra y su forma un año completo, el que debían recorrer siete veces los aurigas sobre sus carros.
La "spina" o barrera central dividía la arena del circo. Los estanques simbolizaban el océano y el obelisco situado en el centro representaba el sol al atardecer. 
En los extremos de la "spina" estaban situadas las metas:
La "meta alba", donde comenzaba la carrera, y la "meta secunda" donde terminaba. Ambas representaban oriente y occidente.
Las cuadrigas salían de las "carceres" o cocheras situadas en el extremo derecho del edificio. Cada una de ellas simbolizaba los doce meses del año.
El auriga que conducía el carro personificaba al dios Apolo.
Las siete vueltas de cada carrera se identificaban con los días de la semana y lo habitual era que se realizaran 24 carreras, equivalentes a un día.
Existían cuatro facciones o equipos identificados con un color, que representaban las cuatro estaciones del año.



En el año 25 a. C. los romanos construyeron un puente en un lugar vadeable del río Ana, actual Guadiana, que les permitía controlar las calzadas que unían el Norte y el Sur peninsular. En la cabecera del puente levantaron una puerta que daba acceso a una vía principal de Augusta Emérita. El puente fue construido con un núcleo de hormigón revestido con sillares de granito.
Este puente sufrió varias ampliaciones con nuevos tramos y por ello alcanzó una longitud de más de 800 metros, convirtiéndose en el puente más largo del imperio.




Aparte de los restos romanos  e hispanomusulmanes (como la imponente Alcazaba) en Mérida se conserva una interesante colección de arte visigótico (siglos IV al VIII) en el Museo del Arte y la Cultura visigoda. Allí se pueden contemplar  diversos relieves (pilastras, cimacios, canceles...) realizados con la técnica "a bisel".








Fuente de documentación: paneles explicativos de los monumentos visitados.
Fotografías: Ana Galván Romarate-Zabala

lunes, 14 de noviembre de 2016

APUNTES TEMA 4. "ARTE DE LA ANTIGÜEDAD (III): ROMA, EL IMPERIO OCCIDENTAL". FUNDAMENTOS DEL ARTE I

El Coliseo de Roma. Fuente de la imagen:http://www.nationalgeographic.com.es/historia/grandes-reportajes/el-coliseo-de-roma_7275

¡Saludos!
Con el Tema 4 nos adentramos en una de las civilizaciones de la Antigüedad que más me apasionan: la antigua Roma. Espero que a vosotros también os fascine.



jueves, 10 de noviembre de 2016

ACTIVIDAD INICIAL SOBRE EL ARTE Y LA CIVILIZACIÓN DE LA ANTIGUA ROMA


Escena cómica con músicos ambulantes, mosaico romano, posible copia de una pintura griega. Este mosaico procede  de una villa de Pompeya, y está fechado circa siglo I a de C., Museo Arqueológico de Nápoles
¡Saludos!
Después de ver este video, contestad a las siguientes preguntas. Ojo, que como siempre, incluyo alguna pregunta "capciosa" que no viene en el documental ;-))))

1. El arte romano se extiende desde la etapa.......... hasta la ............

2. La civilización romana se basa en el legado cultural ............. ¿y de qué otro pueblo?
3. El mundo clásico en la Antigüedad engloba a las civilizaciones ............. y ................
4. ¿Es Roma una mera copia de Grecia? Razona tu respuesta.
5. Por lo que se refiere a la arquitectura, los romanos alcanzaron............
6. De entre todas las Artes, ¿cuál es la aportación romana más sobresaliente?
7. ¿Qué significa la siguiente frase: la arquitectura romana no ha tenido parangón en toda la historia del arte? ¿Estás de acuerdo con esta tajante afirmación?
8. Señala cuatro rasgos fundamentales de la arquitectura romana.
9. ¿Quién fue un gran arquitecto y tratadista romano ?
10. Con respecto a los "órdenes griegos", los romanos, ¿los utilizan?, ¿añaden alguno más?
11.Bajo el afán de monumentalidad romana se esconde..........
12.¿Qué quiere decir la expresión, "Roma, caput mundi"?
13. ¿En qué artes decorativas destacaron los romanos?
14. Además de grandes arquitectos, los romanos fueron excelentes...........
15.¿Los romanos prefirieron cubiertas adinteladas como los griegos?
16. El tipo de arco más habitual en Roma era.........
17. Cita varias tipologías constructivas de la antigua Roma.
18. Ejemplos de tipologías constructivas de ingeniería romana.
19. Influencias perceptibles en la escultura romana.
20. La escultura griega fundamentalmente la conocemos por........
21. Escribe tres características esenciales de la escultura romana.
22. Dos géneros esenciales en la escultura romana son:
23. ¿Qué eran los imagines maiorum?
24. ¿Qué quiere decir que la escultura romana es verista?
25. Además del realismo físico, los retratos romanos buscan plasmar la..................
26. Los relieves romanos tienen como finalidad................
27.Ejemplos de relieves romanos........
28.La capacidad perspectiva de sus relieves se denomina.........
29. Entre las estatuas ecuestres descuella la del emperador..........
30. Entre las artes del color romanas destacan.......
31. El mosaico se utilizaba sobre todo como .................
32. ¿Cuántos "estilos" se diferencian en la pintura romana?
33. Destaca varias características de la pintura romana.
34. Los mosaicos están formados por .............. de materiales variados:
35. Se han encontrado mosaicos de época romana que reproducen........
36.¿Qué son las escenas nilóticas¿ ¿Y los trabajos de Hércules? ¿Y las escenas báquicas?

domingo, 30 de octubre de 2016

ACTIVIDAD "FUNDAMENTOS DEL ARTE II. TEMA 3". PINTURA ENTRE DOS SIGLOS, XIX Y XX


Regreso de la pesca, Joaquín Sorolla, 1895. Fuente de la imagen: Museo del Prado

¡Saludos!
En el tema 3 estudiaremos distintas corrientes artísticas relativas a los siglos XIX e inicios del XX.

ACTIVIDAD EN GRUPO SOBRE PINTURA DE LOS SIGLOS XIX-XX

*Realización en grupos de tres alumnos de un esquema o mapa conceptual sobre una de las siguientes obras de arte que expondréis en el aula.

Cada grupo tendrá que analizar:

*Título y tema de la obra.
*El autor.
*Estilo y corriente estética a la que pertenece (señalando las características del mismo)
*Características formales y técnicas del cuadro en cuestión: color, dibujo, perspectiva,  composición, influencias…

 SIMBOLISMO 

1."LEDA Y EL CISNE", GUSTAVE MOUREAU, 1865-75


Fuente de la imagen: Museo Moureau, París.

2. SIMBOLISMO

"RETRATO DE VIOLETTE HEYMANN", ODILON REDON, 1910. MUSEO DEL ARTE DE CLAVELAND, ESTADOS UNIDOS.


Fuente de la imagen: Wikipedia, Public Domain

3. GRUPO "LOS NABI" 

"EL TALISMÁN", PAUL SERÚSIER, 1888, MUSEO DE ORSAY, PARÍS
Fuente de la imagen: Wikipedia, Public Domain.

4. MANET, PADRE DE LA PINTURA MODERNA Y DEL IMPRESIONISMO

"EL ALMUERZO CAMPESTRE", ÉDOUARD MANET, 1863, MUSEO DE ORSAY, PARÍS

Fuente de la imagen: Wikipedia, Public Domain

5. IMPRESIONISMO

"IMPRESIÓN, AMANECER", MONET, 
MUSEO MARMOTTAN, PARIS, 1872

Fuente de la imagen: Wikipedia, Public Domain

6. POSTIMPRESIONISMO

"NOCHE ESTRELLADA", VAN GOGH, 1889, MOMA, NUEVA YORK

 Fuente de la imagen: Wikipedia, Public Domain


7."MATA MÚA" (Érase una vez), GAUGUIN, 1892



Fuente de la imagen: http://www.madridoriginal.com/en/guided-tours-a-programs/exhibitions-in-madrid/past-exhibitions/item/85

8. "AUTORRETRATO EN LA MULTITUD EN EL MOULIN ROUGE" HENRY DE TOULOUSE-LAUTREC, 1892



Fuente de la imagen: Wikipedia, Public Domain

9. LUMINISMO 

"CHICOS EN LA PLAYA", JOAQUÍN SOROLLA, MUSEO DEL PRADO, 1909


Fuente de la imagen: Museo del Prado


10. "El pensador", Rodin. 


11."En el balcón", Berthe Morisot, Impresionismo, 1871-72










VIDEO SOBRE SIMBOLISMO



VIDEO SOBRE "LOS NABIS":




VIDEO SOBRE EL IMPRESIONISMO:




VIDEO SOBRE EL POSTIMPRESIONISMO:


VIDEO SOBRE SOROLLA

Y extractos de los apuntes sobre:


SIMBOLISMO

El Simbolismo fue una corriente cultural, fundamentalmente literaria y pictórica, que surgió en las últimas décadas del siglo XIX y se extendió hasta los primeros decenios del siglo XX. 
El término Simbolismo fue acuñado por un poeta francés Jean Moréas en 1886  en su manifiesto simbolista para definir aquellos poetas que expresaban sentimientos profundos y personales, revistiendo la idea de una forma sensual. Pronto comenzó también a designarse con este vocablo a aquellos artistas que rechazaban el naturalismo pictórico –como por ejemplo la pintura academicista  o la  impresionista- para abogar por un arte más subjetivo, imaginativo y fantasioso. Es un arte con un fuerte contenido poético, incluso místico en algunos casos. 
Los simbolistas eran estetas y exquisitos, que valoraban la belleza como bien supremo y rechazaban la vulgaridad de la vida moderna. Proclamaban sin ambages el carácter elitista de su arte.
El Simbolismo surgió en Francia y se difundió por Europa (Bélgica, España, etc.). Sus principales representantes fueron Gustavo Moreau, Pierre Puvis de Chavannes y Odilon Redon y muchos otros, que, al menos tangencialmente, se acercaron con sus obras a los postulados simbolistas como Van Gogh o Gauguin, ambos simbolistas a su manera. Y es que el Simbolismo supera nacionalidades, límites cronológicos y estilos personales.
Los simbolistas son herederos del Romanticismo, y tienen como precedente a los pintores nazarenos, a los prerrafaelitas y a William Blake, que en muchos aspectos anticipa ya el simbolismo. Serán derivaciones del Simbolismo el grupo de pintores de Pont -Aben, los Nabis y el Modernismo o Art Nouveau.
En realidad, como bien señala Julián Gállego hablar de arte simbolista  es una redundancia porque todo arte es simbólico aunque lo creamos realista. Un cuadro o una escultura no es una mera copia de la realidad sino una interpretación de la misma. El contenido simbólico puede ser religioso, filosófico, político, social, sensual, etc. Para Gállego, el Simbolismo es expresar lo inexpresable de una manera exquisita. Daban forma a lo inefable como sueños y visiones.
En la temática pictórica simbolista abundan las escenas de carácter literario, bíblico o mitológico. 
Combinan cierto misticismo pagano con lo perverso y decadente, presentando así, un interés por el ocultismo, lo mórbido, el mundo de los sueños, la melancolía, el mal –satanismo- y la muerte. 
El erotismo está muy presente en algunos pintores simbolistas que suelen representar a una mujer fatal que destroza cuando ama, una mujer que adopta forma de esfinge, sirena, araña, o genio alado diabólico.
El Simbolismo, como también el Romanticismo, fomentaba el escapismo, el huir de la realidad y de los convencionalismos burgueses. Poetas y pintores buscaban paraísos artificiales a través de las drogas como el hachis o el alcohol.
La pintura simbolista suele privilegiar la mancha sobre el dibujo y presenta un vivo colorido, utilizado muchas veces de forma arbitraria (un rostro azul, un paisaje amarillo, etc.) antecedente de la vanguardia fauvista. 
En las composiciones se aprecia la influencia de las estampas japonesas (en los colores planos, las perspectivas en diagonal, etc.)
La pintura simbolista es según, su máximo experto, el escritor francés Albert Aurier:
*Ideista: porque refleja una idea mediante símbolos.
*Sintética y de fácil apreciación.
*Subjetiva: porque refleja la interioridad y la personalidad del pintor o escultor.
*Decorativa. En principio, todo buen arte es decorativo y el simbolismo lo es, en un sentido similar como lo fue el arte egipcio o el griego.

Los NABIS

Desde 1888 hasta 1899 se desarrolló en Francia un grupo de artistas de origen simbolista denominado “Les Nabis”. Nabí viene del hebreo y quiere decir “profeta”. Se consideraban profetas de un arte nuevo, antinaturalista y cercano a los presupuestos simbolistas y al Japonismo.

Los Nabis intentaban superar el naturalismo impresionista y crearon un lenguaje basado en el color y la síntesis formal. Adoptaron como cuadro emblemático, verdadero manifiesto del grupo, un paisaje pintado por Paul Sérusier llamado “El talisman” (1888).
Los nabís, además de rechazar las jerarquías tradicionales entre artes mayores y menores, trabajaban las técnicas decorativas. Participaron en la renovación del arte del grabado y los carteles ilustrados. Crearon decorados, trajes para teatro... En el Museo de Orsay hay una gran colección de arte nabí. En 1900 tuvo lugar la última exposición conjunta del grupo.
Las referencias para estos pintores fueron:
El sintetismo de Gauguin y Bernard.
El Art Nouveau, que está en pleno desarrollo en la década de los 90's.
El arte japonés.
El simbolismo.
Después de la partida de Gauguin a Tahití, el grupo se fue desintegrando progresivamente y se escindirá en dos ramas:
*Los espirituales, con Maurice Denis a la cabeza. Vuelven a las fuentes religiosas del arte, el misticismo, la leyenda, la alegoría, el sueño... Entraron en contacto con sectas; estaban atraídos por los filósofos orientales, se sumaban a la idea de la superioridad de la intuición sobre el intelecto.
*Los decorativos, con Pierre Bonnard, Édouard Vuillard, Roussel... Tienen un punto de vista más escéptico sobre la misión del arte como medio de remover las conciencias. Apuestan por la armonía estética, un orden abstracto dentro de la representación, y parten de la herencia de Cézanne y Seurat.

IMPRESIONISMO

Denominamos Impresionismo al movimiento pictórico que surge en París en el último cuarto del siglo XIX. Nace como una evolución del Realismo y de la Escuela paisajística francesa del siglo XIX. Se aplica no sólo a la pintura sino también a la música y a la literatura. 
Podemos definirlo como un estilo que tiende a captar más la impresión sobre el ánimo que la copia de la realidad. Es más sensual e inmediato que intelectual.
Cronológicamente, el Impresionismo se fragua hacia la década de 1860 hasta 1880, pero la primera exposición del grupo impresionista fue en el año 1874 en el estudio fotográfico de Nadar en París. 
Los impresionistas consiguieron cambiar la visión del mundo, nos ofrecen una nueva visión de la realidad.
El nombre de Impresionismo procede de un cuadro de Monet titulado Impresión, sol naciente. En los primeros momentos se utilizaba el término impresionismo con carácter despectivo. Se asociaba con la idea de lo temporal, lo efímero, lo llamado a desaparecer (sol, luna, agua…). Podemos considerarla una tendencia pictórica más aristotélica que neoplatónica ya que busca más la imitación de la realidad que la creación.

El Impresionismo no es una escuela, ni un grupo que se uniera en torno a un manifiesto o programa concreto. Ningún interés de tipo ideológico o político unía a los impresionistas. No tenían un programa concreto aunque coincidían en:
*Su aversión por el arte académico.
*Desinterés total por el “tema”.
*Preferencia por el paisaje. 
*Trabajo al aire libre: plein air

Es el encuentro de varios artistas con unas actitudes y preocupaciones comunes. Trabajan los mismos asuntos, dentro de una tendencia realista, pero cada uno con su propio estilo.
Las pinturas impresionistas presentan un aspecto inacabado, lleno de soltura y aparente improvisación, más sensual e inmediato que intelectual.
No buscan representar temas transcendentales, espirituales o apasionantes como los románticos.  Se centran en motivos de la vida burguesa: la ciudad, la noche, las excursiones campestres, los  cafés, los teatros…
El Impresionismo refleja las transformaciones sociales y filosóficas de la sociedad de la época: por un lado, el florecimiento de la burguesía, por otro, la llegada del positivismo. La burguesía, como nuevo fenómeno social, trae sus propios usos y costumbres; unos   afectan al campo, que deja de ser lugar de trabajo para convertirse en lugar  de ocio: las excursiones campestres. Es el mundo retratado por Monet y Renoir.
La ciudad, por el contrario, se convierte en nuevo espacio para la nueva clase social: aparecen los flanneurs, paseantes ociosos que se lucen y asisten a conciertos en las calles y jardines de París. También cobra relevancia la noche y sus habitantes, los locales nocturnos, el paseo, las cantantes de cabaret, el ballet, los cafés y sus tertulias. 
Es un mundo fascinante, del cual los impresionistas extraen sus temas: en especial  Degas o el postimpresionista Toulouse-Lautrec. Porque para ellos se han terminado los temas grandiosos del pasado. Para los impresionistas, por influencia del positivismo, cualquier objeto natural, visible, afectado por la luz y el color,  es    susceptible    de    ser    representado    artísticamente.    El      cuadro impresionista se vuelca pues en los paisajes, las regatas, las reuniones domingueras, etc.

La pintura impresionista se caracteriza, en líneas generales por:
*Captar el instante.
*La luz es la protagonista: los objetos sólo se ven en la medida en que la luz incide sobre ellos. La luz y sus efectos cambiantes son los verdaderos temas del cuadro. Un mismo tema es pintado repetidas veces a diferentes horas del día. Las formas y los objetos cambian en función de la  intensidad de la luz. El cuadro es simplemente un efecto de luz.
*Coloración de las sombras: Desaparecen los contrastes de claroscuro, y el dibujo se extingue o se reduce. No utilizan prácticamente ni el blanco ni el negro porque no existen en la naturaleza. Emplean tonos puros, usan solo colores complementarios para indicar sombras.
*Pincelada suelta: prefieren la mancha pastosa y gruesa. Utilizan toques yuxtapuestos de colores para producir un efecto a cierta distancia. Generalmente no hay un dibujo que proceda al cuadro.
*Nueva valoración del espacio: se consigue con ángulos y encuadres mucho más atrevidos, Las figuras, a veces, no ocupan “el centro” del cuadro y están cortadas por los bordes del cuadro: se trata de un modo de ver próximo al del la fotografía. Suelen aparecer grandes diagonales.

En un principio, los impresionistas no tuvieron la apreciación  del público. Pero pronto contaron con dos fuerzas sociales emergentes: la crítica de arte, que se encargará de encauzar el gusto del público; y los marchantes, los vendedores de arte, que colocan sus cuadros en las mejores colecciones del país. Las tertulias, los Salones extra-oficiales y el propio escándalo se convirtieron  en vehículos propagandísticos del nuevo estilo. Al principio, la crítica de arte les acusaba de atacar las buenas costumbres artísticas, que no respetaban a los maestros, que sus pinturas no tenían “tema”, que les faltaba dibujo y que dejaban las obras sin terminar.

El Impresionismo cuenta con varias influencias en su configuración:
*los paisajistas del Realismo francés del siglo XIX (Escuela de Barbizon).
*el romántico inglés Turner.
*las referencias, especialmente de color y composición, del Siglo de Oro español (Velázquez sobre todo). También Goya con la lechera de Burdeos.
*las estampas japonesas, muy de moda en la época.
*el surgimiento de la fotografía. No está claro si la espontaneidad de la captación del momento la aprende el Impresionismo de la fotografía o, más bien, ésta es la alumna de aquél.
           
El resultado es una pintura amable, hedonista, alegre, frecuentemente de paisaje, llena de luz y color, con pinceladas muy cortas que a veces dejan entrever el blanco del lienzo. No son cuadros grandes puesto que responden a encargos privados. Están alejados de cualquier compromiso social (casi todos los impresionistas se fueron de vacaciones al campo o a Inglaterra durante la represión de los movimientos obreros de la década de 1880) y no tardaron en ser refrendados por  una amplia aceptación social, de esta burguesía que se veía retratada en los lienzos impresionistas.

El Impresionismo ha sido uno de los movimientos pictóricos más valorados en  toda la historia del arte. Algunas pinturas impresionistas han alcanzado precios estratosféricos en las subastas internacionales de arte y las exposiciones de sus obras suelen atraer a miles de espectadores. Ha sido clave en el desarrollo del arte posterior,  especialmente del postimpresionismo y las vanguardias.
Los impresionistas se agruparon en torno a la figura de ÉDUARD MANET, el llamado  “padre de los Impresionistas”, un gran artista incomprendido. Es el eslabón entre el Realismo  y el Impresionismo pero no es plenamente impresionista. Los principales representantes de este  movimiento  pictórico  son  Monet,   Renoir, Degas, Pizarro (de origen español), Sisley (de origen inglés), Berthe Morisot, Mary Cassat, etc.

POSTIMPRESIONISMO

El término Postimpresionismo fue acuñado por el crítico de arte Roger Fry en 1910 para denominar los estilos pictóricos de finales del siglo XIX e inicios del XX que se suceden tras el Impresionismo.  Fry creó esta denominación con motivo de la exposición celebrada en ese año en Londres con pinturas de Paul Cézanne, Paul Gauguin y Vincent van Gogh.
Los postimpresionistas se habían formado en el impresionismo, pero superan sus investigaciones y contribuyen a importantes  avances en el arte del siglo XX. En realidad sus personalidades y su manera de entender la pintura presentan enormes diferencias, pero todos compartieron los inicios en el impresionismo y la reacción contra él.
Sobre sus conquistas (tintas plantas, color arbitrario con fines simbólicos o expresivos…) se fundarían además los desarrollos de fauvistas y cubistas de inicios del siglo XX.
Aunque los postimpresionistas basaron su obra en el uso del color experimentado por los impresionistas, reaccionaron contra el deseo de reflejar fielmente la naturaleza y presentaron una visión más subjetiva del mundo. El pintor francés PAUL CÉZANNE (1839-1906) está considerado como “el padre del arte moderno”. Vivió casi toda su vida en el sur de Francia, en Aix-en-Provence. Su obra sentó las bases de la transición entre la concepción artística decimonónica hacia el mundo artístico del siglo XX, nuevo y radicalmente diferente. Fue un pintor muy innovador. Tenía influencias de la pintura de El Greco. Estaba interesado en la simplificación de las formas, en reducirlas a su esencia geométrica: “Todo en la naturaleza se modela según la esfera, el cono, el cilindro. Hay que aprender a pintar sobre la base de estas figuras simples; después se podrá hacer todo lo que se quiera.” Quería "convertir al impresionismo en algo más sólido y duradero, como el arte de los museos". Trabaja obsesionado por la composición y decidido a negar la distinción entre dibujo, línea, plano y color. Plantea una nueva construcción del espacio y sus investigaciones anticipan el cubismo. Sin  embargo, mientras vivió, Cézanne fue un pintor ignorado en gran parte por la crítica y el público, siendo apreciado sólo por algunos impresionistas y, por unos cuantos artistas jóvenes radicales de la línea del postimpresionismo, entre los que se incluían, entre otros, Vincent van Gogh y Paul  Gauguin.
Fue amigo de la infancia del escritor Émile Zola que le retrató en su novela L´oeuvre (la obra) para gran enfado del pintor. La exposición retrospectiva de Cézanne del año 1907 en París le situó como uno de los artistas más influyentes del siglo XIX preludiando el  advenimiento  del Cubismo. Fueron las exploraciones de Cézanne de simplificación geométrica y fenómenos ópticos las que inspiraron a Picasso, Braque, Gris, y otros para experimentar con múltiples visiones aún más complejas del mismo tema, y, con el tiempo, a la fractura de la forma. Hay una frase, atribuida tanto Matisse como a Picasso, según la cual «Cézanne es el padre de todos nosotros».
Henri Matisse, admiraba su manejo del color y Pablo Picasso se basó en su forma de componer los planos para crear el estilo cubista.
Sólo con su muerte le llegó el éxito.
La pintura de Cézanne se centró casi siempre en los mismo motivos: bodegones, paisajes o figuras, que repite con objeto de explorar su dimensión volumétrica, pero sin recurrir al claroscuro. Huye de la búsqueda de dinamismo. Hace composiciones muy rigurosas en base a líneas geométricas (verticales, horizontales.) Marca mucho los volúmenes y los planos, no es nada etéreo. Llegó a los límites de la abstracción. Entre su genial producción destacamos las bañistas, los jugadores de carta, la montaña de St.Victoire y sus increíbles bodegones, claros precedentes del cubismo. Los cuadros terminan siendo una creación mental, se alejan paulatinamente del modelo.

PAUL GAUGUIN (1848-1903) era también de origen francés. De biografía sugestiva, tenía ascendencia española y tuvo varios oficios. Crítico constante de la sociedad en la que vive, huye de París y trata de encontrar nuevos horizontes, primero en la región francesa de Bretaña y luego en la lejana Tahití, lo que le supone entrar en contacto con culturas primitivas que marcan profundamente su pintura. Las mujeres son su auténtica preocupación iconográfica y pretexto para sus investigaciones. También los retratos de amigos y sus autorretratos.

Profundizó en diversas técnicas: pintura al óleo, escultura, tapices, grabados, etc. Le apasionaba el arte medieval, las miniaturas, las vidrieras y los esmaltes y también las culturas orientales, exóticas y primitivas. Este camino le lleva a exaltar el color y a simplificar las formas. Extiende el color en campos extensos dentro de gruesas líneas. Rechaza la perspectiva, suprime el modelado y las sombras y siente predilección por formas planas y líneas definidas. No tiene interés por la luz. En todas sus obras se impone un contenido de tipo simbólico. Tenía un talento enorme para la composición y el color. Sus líneas sinuosas nos retrotraen al modernismo. Muestra un mundo paradisíaco. Es un precedente claro de la pintura expresionista de vanguardia.

Entre sus obras destacamos El Cristo amarillo, Mujeres tahitianas, Jacob y el ángel, Paisaje tahitiano, ¿De dónde venimos? ¿Qué somos? ¿Adónde vamos?.

VINCENT VAN GOGH (1853-1890), fue un pintor holandés y figura destacada del Postimpresionismo. Encarna el prototipo de artista incomprendido en vida y reivindicado hasta el paroxismo por la posteridad. Nació en el seno de una humilde familia de origen protestante. Fue un místico heterodoxo. Recibió los mismos nombres -Vincent Willem- que se impusieran a un hermano que nació muerto justo un año antes que él, el mismo día 30 de marzo; como si fuera un presagio de su atormentada existencia. Llegó a pintar 900 cuadros (27 de ellos autorretratos) y 1.600 dibujos, además de escribir 800 cartas, 650 de ellas a su hermano Theo Van Gogh. Pero sólo vendió un cuadro en su vida. Su talento fue inconmesurable pero fue un incomprendido. Padeció toda su vida una gran inestabilidad mental, mitigada en parte por el apoyo incondicional de su queridísimo hermano Theo.
Durante toda su vida se enorgulleció de ser un gran autodidacta. Obsesionado con La Biblia, en su juventud quiso hacerse teólogo y misionero. De hecho, trabajó como misionero en Bélgica durante varios meses. Allí dió todo lo que tenía a los mineros: ropa, dinero y comida, además de realizar sus primeras pinturas.
Rembrandt le influyó muchísimo y también las estampas japonesas, fueron cruciales en su producción.
En 1886  se mudó a París, para vivir junto a su hermano Theo y empezó a codearse con los artistas  de la época (impresionistas, postimpresionistas como Toulouse-Lautrec etc.) En 1888  se instaló en Arlés, al sur de Francia, con la intención de crear un taller de artistas en su casa. Allí trabajará con Gaugin. Su fama creció rápidamente después de su muerte, gracias a la promoción de la esposa de Theo que, aunque no tuvo una buena relación con Vincent, resultó ser la única heredera de toda su obra tras la muerte de su esposo, ocurrida poco después de la de Vincent. Valora mucho el color, dibuja con el color. Decía sobre él, que “el color por sí mismo siempre expresa algo, no cabe prescindir de él”. Pintó sobre todo paisajes y retratos.
Sus pinturas son muy creativas y originales. Utiliza la técnica del óleo con pincelada más menuda al principio y después evoluciona a una pincelada más amplia e intensa, aplicada con espátula o con la propia mano, basándose en empastes gruesos donde el propósito es buscar la intensidad del color. La pincelada ondulante y circular se hace más vehemente después de su primer ataque de locura: proyecta en exceso su personalidad y se integra en la representación de las cosas. Cada vez se aleja más de la realidad y con el color y la fuerza expresiva de su pincelada camina hacia la abstracción. Utiliza el color para transmitir sentimientos. Su pintura guarda muchas concomitancias con Gauguin. La influencia de Van Gogh en el postimpresionismo, expresionismo, fauvismo y los principios del arte abstracto fue enorme, y se puede notar en muchos otros aspectos del arte del siglo XX. El Museo Van Gogh en Ámsterdam se dedica al trabajo de este artista y de sus contemporáneos. Se suicidó cuando contaba 37 años de edad –disparándose en el pecho-y sus últimas palabras fueron “la miseria no acabará nunca”.

Entre su maravillosa producción artística destacamos Noche estrellada, La habitación en Arles, sus autorretratos, Café nocturno en Arles, Las botas… Es uno de los pintores más cotizados y admirados del mundo.

Por último, no podemos dejar de citar la importancia del NEOIMPRESIONISMO, DIVISIONISMO o PUNTILLISMO cuyo máximo representante es GEORGES SEURAT con su cuadro Una tarde de domingo en la isla de la Grande Jatte y PAUL SIGNAC. Es una derivación del impresionismo y se caracteriza por disponer puntos de colores puros en vez de pinceladas sobre tela. Esta técnica obliga a una labor de estudio muy minuciosa y opuesta a la pintura al aire libre; sus composiciones están extraordinariamente calculadas. Solo la preeminencia del color sobre el dibujo pervive del ideario impresionista. Es un arte óptico, cerebral. Las imágenes parecen detenidas en el tiempo. Es un arte muy normativo: no pueden mezclar colores, sólo pueden utilizar colores puros… Se acabó convirtiendo en una tendencia matemática, fría y mecánica. Abren el paso hacia el cubismo.