Descripción del blog


Este blog educativo está dedicado a la Historia del Arte en general, y a la Historia de las Artes Decorativas y el Diseño en particular. Apuntes de Fundamentos del Arte I y II. Resúmenes de Historia de la Indumentaria. Cine en el Arte, Arte en el Cine. Todos los textos han sido escritos por la autora del blog, Ana Galván Romarate-Zabala. Si los utilizas, cita las fuentes. Todas las imágenes contenidas en esta web tienen exclusivamente una intencionalidad didáctica. Si alguna imagen empleada vulnera derechos de autor, puede solicitar la retirada del material que considere de su propiedad intelectual. El contenido de mis artículos puede ser descargado libremente, pero por favor, cite la procedencia. Imagen que encabeza el blog: Un Bar aux Folies Bergère, Édouard Manet, c. 1882. Courtauld Institut, Londres. Fuente de la imagen: Wikimedia Commons. Public Domain

lunes, 10 de octubre de 2016

ACTIVIDAD "PINTURA PRERRAFAELITA", FUNDAMENTOS DEL ARTE II


The beloved (the bride), la novia, Dante-Gabriel Rossetti, 1865-66. Fuente de la imagen: http://www.tate.org.uk/     

La Hermandad PrerrafaelitaPre-Raphaelite Brotherhood- fue una tendencia esteticista de vanguardia de la pintura victoriana.
Fundada en 1848 por tres de sus principales representantes –Millais, Hunt y Rossetti- esta corriente estética, que anticipa en algunas de sus características al Simbolismo, propugnaba la oposición al conservadurismo academicista de la Royal Academy of Arts, reivindicando un arte más espontáneo inspirándose en la naturaleza y en el arte de los pintores italianos y flamencos anteriores a Rafael Sanzio (Fra Angélico, Botticelli, etc.) 
Los prerrafaelitas fueron una asociación de pintores con lazos fraternales y cierto misticismo similar a otros grupos como “los Nazarenos” alemanes que se establecieron por las mismas fechas en Roma. Alcanzaron el favor del público especialmente desde el momento en el que contaron con el apoyo del escritor y critico de arte John Ruskin.

Son notas distintivas de la Hermandad Prerrafaelita:
*Su vinculación al Romanticismo. Reivindican “el arte por el arte” –art for art´s sake-. Los prerrafaelitas eran estetas, exquisitos y refinados.
*La inspiración en la Edad Media aunque también les fascina el clasicismo.
*Les apasiona la temática literaria (cuentos, leyendas, poesía, teatro) y en menor medida la histórica.
*Representan, en algún caso, de forma nada convencional el ideal de belleza masculino y el femenino: rostros andróginos; narices perfectas griegas; seres angélicales asexuales; pelirrojas femme fatale que veremos también en el Simbolismo...
*Confieren gran importancia al tema del sueño (precedente del Surrealismo).
*Muestran fidelidad en la representación de la naturaleza, intentando trasmitir cada detalle.
*Privilegian los colores brillantes, de tonos delicados, en representaciones meticulosas.
*En ocasiones buscan composiciones complejas con escorzos y diagonales, dominando la perspectiva geométrica. 
*Algunos de estos pintores como William Morris (ideólogo del movimiento Arts & Drafts) o Burne Jones (discípulo de Rossetti) también se dedicaron al diseño de vidrieras, tapices, etc.

Para saber más








Estupenda serie de la BBC sobre los prerrafaelitas llamada "Desperate romantics":







Actividad "Pintura prerrafaelita"


Dividimos la clase en grupos de dos alumnos. Analizaréis cinco obras prerrafaelitas y una con influencia de este movimiento y las pondremos en común en el grupo-clase.
Os centraréis en tres aspectos:
*El tema.
*La visión que trasmite del ideal de mujer (o del hombre llegado el caso).
*Aspectos formales y técnicos (color, perspectiva, composición, etc.)


1. Ofelia, John Everett Millais, c. 1851.

                                            Fuente de la imagen: Wikipedia

2. Ghirlandata, Dante-Gabriel Rossetti, 1873.




3. Señorita Gladys M. Holman Hunt (la escuela de la naturaleza), Hunt, c. 1893-94.


Fuente de la imagen: museoarteponce.org.


5. La Bella Durmiente, Edward Burne-Jones, 1870-90.


                          Fuente de la imagen: Wikiart.org

6. La influencia del prerrafaelismo en el pintor canario Néstor Martín Fernández de la Torre: "La Hermana de las Rosas", 1908.

Fuente de la imagen: http://latorredemontaigne.com/project/museo-nestor-la-huella-de-un-artista-integral/

jueves, 6 de octubre de 2016

ACTIVIDAD "COMENTARIO DE TEXTO SOBRE MESOPOTAMIA". FUNDAMENTOS DEL ARTE I, TEMA 2

El superintendente de Mari, Ebih-il, c. 2400, Museo del Louvre. Fuente de la imagen: louvre.fr

Lee detenidamente este texto de E. Gombrich sobre la civilización mesopotámica de su libro Breve historia del tiempo. A continuación contesta el cuestionario sobre el mismo.

“ La semana tiene siete días. Se llaman..., ¡bueno, eso ya lo sabes! Pero, probablemente, no sabrás desde cuándo los días no van pasando uno tras otro, sin nombre ni orden, como pasaban para los hombres primitivos. Ni quién los reunió en semanas y les dio su nombre a cada uno. Eso no ocurrió en Egipto, sino en otro país donde también hacía calor. Y, en vez de un río, el Nilo, había incluso dos: el Éufrates y el Tigris. Por eso, aquel país se llama el país de los dos ríos. Y, como la tierra que merece la pena se extiende entre las dos corrientes, se le llama también país entre ríos, o con una palabra griega, Mesopotamia. Esta Mesopotamia no se halla en África, sino en Asia, pero no demasiado lejos de nuestra zona. Está situada en el Próximo Oriente. Los dos ríos, el Éufrates y el Tigris, desembocan en el golfo Pérsico.

Tienes que imaginar una amplísima llanura a través de la cual corren esos dos ríos. Es cálida y pantanosa y, a veces, las aguas inundan también el país. En esa llanura se ven en la actualidad de vez en cuando grandes colinas, aunque no son colinas de verdad: si comenzamos a excavar en ellas, encontraremos en primer lugar una gran cantidad de ladrillos y escombros. Poco a poco, nos iremos topando con altas y sólidas murallas, pues estas colinas son, en realidad, ciudades en ruinas, grandes ciudades con calles largas tiradas a cordel, casas altas, palacios y templos. Al no estar construidas en piedra, como en Egipto, sino con ladrillos, se han desmoronado con el paso del tiempo por la acción del Sol y, finalmente, se han hundido formando grandes montones de escombros.

Una de esas escombreras de un paraje desértico es hoy Babilonia, que fue en otros tiempos la mayor ciudad del mundo, con un increíble pulular de personas llegadas de todos los rincones que llevaban allí sus mercancías para intercambiarlas. Otra de esas escombreras, al pie de la montaña, aguas arriba, es también la segunda ciudad mayor del país: Nínive. Babilonia fue la capital de los babilonios. Eso es fácil de recordar. Nínive, sin embargo, fue la capital de los asirios.

Este país no estuvo casi nunca gobernado en su totalidad por un único rey, como Egipto. Tampoco fue un imperio de duración tan larga y que se mantuviera con fronteras fijas. En él habitaron múltiples pueblos y numerosos reyes que gobernaron sucesivamente; los pueblos más importantes fueron los sumerios, los babilonios y los asirlos. Hasta hace poco se creía que los egipcios eran el pueblo más antiguo en poseer todo cuanto denominamos cultura: ciudades con artesanos, príncipes y reyes, templos y sacerdotes, funcionarios y artistas, una escritura y una técnica.

Desde hace algunos años sabemos que los sumerios se hallaban por delante de los egipcios en varios de estos asuntos. Excavaciones realizadas en las escombreras que surgen del llano en las proximidades del golfo Pérsico nos han mostrado que a los habitantes de aquellos lugares se les había ocurrido la idea de modelar ladrillos con barro para construir con ellos casas y templos más de 3.100 años a. C. Bajo uno de los mayores montones de escombros se hallaron ruinas de la ciudad de Ur, donde, según la Biblia, vivieron los antepasados de Abraham. Allí se encontró un gran número de tumbas que debían de remontarse, aproximadamente, al mismo tiempo que la pirámide de Keops en Egipto. Pero, mientras la pirámide se halla vacía, en este otro lugar se descubrieron objetos magníficos y sorprendentes. Maravillosas alhajas de oro para mujeres y recipientes también de oro para ofrendas sepulcrales. Cascos de oro y puñales cubiertos de ese metal y piedras preciosas. Arpas suntuosas decoradas con cabezas de toros e—imagínatelo—un tablero de juego con cuadrados como los del ajedrez hecho de preciosas incrustaciones.

En estas escombreras se encontraron también piedras redondas con sellos, y tablillas cerámicas con inscripciones. Pero no en jeroglíficos, sino en otro tipo de escritura casi más difícil aún de descifrar. Precisamente porque ya no emplea imágenes, sino trazos aislados acabados en punta y con aspecto de triángulos o cuñas. Se llama escritura cuneiforme. En Mesopotamia no se conocieron los libros de papiro. Todos los signos se escribían en arcilla blanda que, luego, se cocía en hornos, formándose así tablillas de cerámica duras. Se han hallado grandes cantidades de esa clase de tablillas de época antigua. Contienen largas y hermosísimas leyendas y relatos fabulosos que hablan del héroe Gilgamesh y de su lucha con monstruos y dragones. Y también numerosas inscripciones en las que ciertos reyes informan sobre sus hazañas y se enorgullecen de los templos erigidos por ellos para la eternidad y de cuántos pueblos han subyugado.

Se han encontrado tablillas antiquísimas con informes de comerciantes, contratos, certificaciones, listas de mercancías, etcétera. Por eso sabemos que los antiguos sumerios fueron ya, como lo serían más tarde los babilonios y los asirios, un gran pueblo de comerciantes capaz de llevar muy bien las cuentas y distinguir con claridad lo justo de lo injusto.

De uno de los primeros reyes babilonios que dominaron todo el país conocemos una de esas grandes inscripciones grabada en una piedra. Es el código legal más antiguo del mundo: las leyes del rey Hammurabi. El nombre suena como salido de un libro de cuentos, pero las leyes son muy razonables, rigurosas y justas. Por eso podrás guardar en la memoria cuándo vivió Hammurabi, aproximadamente: unos 1.700 años a. C., es decir, hace 3.700 años.

Los babilonios eran rigurosos y diligentes, como lo fueron también más tarde los asirios. Pero no pintaban figuras tan coloristas como los egipcios. En sus esculturas y representaciones sólo suele verse, en la mayoría de los casos, al rey de caza o a sus enemigos presos y atados de pies y manos arrodillados ante él, además de carros de guerra que ponen en fuga a pueblos extranjeros, y a guerreros que asaltan fortalezas. Los reyes tienen una mirada sombría, llevan barbas largas negras y rizadas y pelo largo y en bucles. A veces los vemos ofreciendo sacrificios a los dioses; al dios del Sol, Baal, y la diosa de la Luna, Ishtar o Astarté.

En efecto, los babilonios y los asirios rezaban al Sol, la Luna y las estrellas, considerándolos sus dioses. En las noches claras y cálidas observaron durante años y siglos el curso de los astros. Y como eran personas de mente clara e inteligente, se dieron cuenta de la regularidad del recorrido de las estrellas. Pronto reconocieron las que parecen estar fijas en la bóveda del cielo y que vuelven a encontrarse cada noche en el mismo lugar. Y dieron nombres a las figuras formadas en el firmamento, tal como hoy hablamos de la «Osa Mayor». Pero aún se interesaron más por las estrellas que se mueven en la bóveda celeste y tan pronto se sitúan en la proximidad de la «Osa Mayor», como, por ejemplo, cerca de «Libra». Por aquel entonces se creía que la Tierra era un disco fijo, y el firmamento una especie de esfera hueca tendida como una concha sobre la Tierra y que giraba una vez al día. Seguro que les extrañaba de manera especial que las estrellas no estuviesen todas fijas en aquella concha celeste y que algunas pudieran ser móviles, por así decirlo, y desplazarse de un lado a otro.

Hoy sabemos que son los astros los que se mueven a una con la Tierra en torno al Sol. Los llamamos planetas. Pero era imposible que los antiguos babilonios y asirios lo supieran; por eso creían que detrás de aquello se escondía alguna magia misteriosa. Dieron a esos astros nombres propios y los observaron siempre con atención, pues creían que se trataba de seres poderosos y que su posición significaba algo para el destino de los seres humanos. Por eso deseaban predecir el futuro según la posición de dichos astros. Esta creencia se llama adivinación por los astros, o, con una palabra griega, astrología. Se creía que algunos planetas proporcionaban suerte; y otros, desgracia. Marte significaba guerra; Venus, amor. A cada dios de un planeta se le consagró un día. Y, como con el Sol y la Luna sumaban exactamente siete, dieron origen a nuestra semana. Todavía seguimos diciendo lunes (por la Luna) y martes (por Marte). Los cinco planetas conocidos entonces se llamaban Marte, Mercurio, Júpiter, Venus y Saturno. En los nombres castellanos de la semana se reconocen estos nombres de los planetas, al igual que en muchas otras lenguas que se siguen hablando en la actualidad. Fíjate en los nombres franceses de la semana. Se llaman mar-di (de Marte), mercre-di (de Mercurio), jeu-di (de Júpiter), vendre-di (de Venus). Para el sábado, observa el inglés. En esta lengua, el día de Saturno se llama Satur-day. En alemán es algo más complicado porque los nombres grecorromanos de los dioses han sido sustituidos dentro de lo posible por sus correspondientes dioses antiguos germánicos. Así el miércoles, Dienstag (mar-tes) deriva, quizá, de Zius-Tag [día de Ziu], pues Ziu era el antiguo dios alemán de la guerra; de la misma manera, Donnerstag (jueves) proviene de Donar, el antiguo dios alemán al que se veneraba de la misma manera que a Júpiter. ¿Podías creer que nuestros días de la semana tienen una historia tan honorable y curiosa y con tantos milenios de antigüedad?

Para hallarse más cerca de las estrellas y poderlas ver también mejor en su país brumoso, los babilonios, y todavía antes los sumerios, levantaron extraños edificios. Grandes y amplias torres superpuestas e imponentes formando varias terrazas, con enormes contrafuertes y altas escalinatas. El templo para la Luna o los planetas se alzaba justo en lo más alto. La gente acudía de lejos llevando consigo valiosas ofrendas para que los sacerdotes les pronosticaran el destino a partir de los astros. Estas torres escalonadas surgen aún hoy en ruinas por encima de los montones de escombros, y se pueden hallar inscripciones en que los reyes cuentan cómo las erigieron o repararon. Tienes que pensar que los primeros reyes de esta región vivieron hace alrededor de 3.000 años a. C.; y los últimos, hace unos 550, también a. C.

El último rey babilonio verdaderamente poderoso fue Nabucodonosor. Vivió hacia el 600 a. C. Sus campañas de guerra le hicieron famoso. Luchó contra Egipto y deportó a muchos pueblos a Babilonia como esclavos. Pero sus mayores hazañas no fueron en realidad sus campañas bélicas sino los imponentes canales y depósitos de agua que ordenó construir para hacer fértil la tierra. Desde que esos canales se cegaron y los depósitos de agua se cubrieron de lodo, el país se ha convertido en esa llanura desértica y pantanosa donde se ven surgir a veces colinas de escombros.

Y cuando nos alegremos porque acaba la semana y llega de nuevo el domingo (en alemán Sonn-Tag, el «día del Sol»), pensemos alguna vez en esas escombreras de aquella cálida región pantanosa y en los severos reyes con barbas largas y negras, pues ahora sabemos la relación existente entre todo ello.”

Cuestionario:
1. ¿Qué significa la palabra Mesopotamia? ¿De qué idioma viene?
2. ¿Sobre qué dos ríos se asentaba esta civilización?
3. ¿Por qué a diferencia de Egipto, se han conservado muy pocos restos de la arquitectura mesopotámica?
4. Nombra dos importantes ciudades de Mesopotamia.
5. ¿Quiénes eran los sumerios? ¿Qué inventaron?
6. ¿Qué es el Código de Hammurabi?
7. ¿En Mesopotamia creían en el poder de los astros y su influencia en el destino de los hombres?
8. ¿Cuál fue la mayor hazaña del rey Nabucodonosor?




miércoles, 5 de octubre de 2016

ACTIVIDAD "ANÁLISIS DE TEXTOS SOBRE EL MOVIMIENTO ESTETICISTA ARTS & CRAFTS". FUNDAMENTOS DEL ARTE II, TEMA 2


Diseño textil de William Morris, 1883. Fuente de la imagen: https://en.wikipedia.org/wiki/William_Morris#/media/File:Strawberrythief.jpg

¡Saludos!
Actividad "Análisis de textos sobre el movimiento esteticista Arts & Drafts" del tema 2.
El impacto de la revolución industrial en el diseño fue brutal. El diseño industrial propició la realización de objetos nuevos, prácticos y hechos en serie, pero en general, de baja calidad estética.  Así por ejemplo quedó de manifiesto según el testimonio de muchos visitantes en 1851 en la exposición del Crystal Palace de Londres. Como reacción, surgirían movimientos culturales esteticistas como el Arts and Crafts o el Art Nouveau y la aparición de escuelas de Arte y Diseño por toda Europa y América que reivindicarían la unión entre las bellas artes y las artes decorativas o industriales, mal llamadas “menores”.

Desde mediados del siglo XIX, y aunque soterradamente al principio, surgen en Europa diferentes movimientos que propugnan la renovación estética y la revitalización de la artesanía. 
Pioneros de estas ideas fueron la Hermandad de los Pintores Prerrafaelistas ingleses. Surgidos en 1848, los prerrafaelistas o prerrafaelitas eran un grupo de pintores que pretendían inspirarse en los pintores italianos –especialmente florentinos y sieneses- anteriores a Rafael (como Filippino Lippi o Sandro Botticelli), haciendo una pintura profundamente etérea y simbólica, de clara raíz literaria, romántica y medievalizante. 


Los prerrafaelitas estuvieron profundamente relacionados con el movimiento esteticista Arts & Crafts. Este movimiento, que surgió en Inglaterra, tomó verdadera carta de naturaleza en la segunda mitad del siglo XIX impulsado por el poeta, reformar social y pintor, empresario y artista-artesano William Morris. En efecto, William Morris fue su principal impulsor, aunque no el único, ya que contó con la inestimable colaboración de otros artistas e intelectuales como John Ruskin, Edward Burne-Jones, Philip Webb, y ocasionalmente Dante Gabriel Rossetti. 

Partiendo de las teorías de Ruskin y de su interés por los gremios medievales, Morris rechaza el historicismo imperante, pero paradójicamente tomando al mismo tiempo como modelo a la Edad Media, la época en que las obras de arte “están hechas no para unos pocos, sino para el pueblo”. 

De aquí surge una idea de un arte socializado, en el que el artesano debe conservar su individualismo frente a la masificación de la producción en serie. Así, este movimiento tuvo una fuerte carga social, incluso política. Por un lado, reivindicaban la valoración de las artes decorativas, por otro lado criticaban el diseño industrial donde era frecuente la mala calidad, el exceso ornamental… y estaban convencidos de la perniciosa influencia que tales creaciones ejercían en la sociedad. Confiaban así en mejorar la calidad del diseño y fortalecer así el carácter de la sociedad en su conjunto. Lucharon por recuperar los métodos tradicionales de fabricación artesanal en clara competencia con las técnicas de producción industrial y además trataron de mejorar las condiciones laborales de los artistas y artesanos, fomentando la colaboración artística entre todos los trabajadores. Reaccionaban contra la pérdida de belleza y calidad que había supuesto la influencia de la industria en la producción de objetos artísticos. Criticaban las máquinas, los nuevos materiales, la baja calidad de los productos… Los reformadores confiaban en mejorar el diseño volviendo a las condiciones de trabajo que ellos imaginaban anteriores a la Revolución Industrial. Querían ser la alternativa a los productos de la era industrial. La fealdad de la vida moderna en las ciudades debía ser combatida volviendo a reivindicar la artesanía. Se nutrían de un profundo desagrado para el moderno capitalismo industrial, que iba más allá de lo meramente sentimental y tenía connotaciones políticas, sociales…
Los artistas Arts & Crafts se instalaron en ambientes rurales, lejos de lugares vinculados a la revolución industrial. Realizaron todo tipo de piezas de artes decorativas desde mobiliario hasta cerámica, pasando por textiles, papeles pintados o vidrieras. Cuidaban mucho el diseño y la ejecución final. Y es que se oponían a la arbitraria división entre “artes mayores-menores” y predicaban la igualdad de las artes. Podemos decir que con este movimiento se inicia una nueva apreciación de las artes decorativas por toda Europa.
Morris y sus seguidores consideraban que la reforma del diseño era imposible sino iba precedida de cambios políticos, sociales y económicos. Luchó por conciliar sus ideales estéticos y políticos. Quería además que sus productos tuviesen un precio asequible, pero el empeño que puso en utilizar la técnica y estética artesanales hasta sus últimas consecuencias entraba en conflicto con la necesidad de emplear técnicas de fabricación en masa que redujeran costes y ayudaran a eliminar algunas tareas penosas. Fue un dilema que nunca fue capaz de resolver totalmente y que continuó atormentando a sus seguidores. Creían en que el arte y la arquitectura tenían la capacidad de redimir y mejorar la sociedad, idea que se repetirá en muchas manifestaciones del movimiento Arts & Crafts, tanto en Europa como en los Estados Unidos. 

La mayor controversia o polémica que se alzó con este movimiento –ya que nadie jamás ha negado su valor estético- fue su carácter poco práctico en el mundo moderno. Algunos progresistas clamaban que este movimiento quería dar marcha tras a las agujas del reloj. No era pragmático para una sociedad industrial y urbana. Por otro lado, un crítico de arte señaló que se convirtió en “la obra de unos pocos para unos pocos”. A & C presentaba una gran  paradoja: era un movimiento de cariz socialista utópico, hacían todas las piezas artesanalmente y deseaban que fueran para todo el mundo, pero al ser piezas tan artesanales, resultaron ser carísimas y por tanto para unos pocos. En los años 90 del siglo XIX la pasión por este movimiento se expandió y el movimiento llegó a ser más difuso y menos identificable con un único grupo de personas. Sus ideas se difundieron por otros países, identificado con un creciente interés internacional por el diseño. Aunque el éxito económico de los diseñadores A & C fue limitado, la verdad es que inspiró a todo un conjunto de imitadores, tanto en ambientes rurales como urbanos, donde grupos de arquitectos, diseñadores, artesanos, y críticos formaron organizaciones dedicadas a la reforma del diseño en Gran Bretaña, Europa y Estados Unidos. Este movimiento tuvo una gran aceptación internacional: en Estados Unidos, resto de Europa, etc. se acabó convirtiendo en un fenómeno internacional. Esta aceptación se debe sus productos se anunciaban en un número creciente de publicaciones de gran tirada internacional como The Craftsman, Art et Décoration
La filosofía del movimiento fue durante las últimas décadas del siglo XIX el tema de numerosas giras internacionales de conferencias, dirigidas por figuras tan preeminentes como Christopher Dresser, Oscar Wilde, Walter Crane o C. R. Ashbee. Sus planteamientos fueron transmitidos a través de viajes, cursos en el extranjero y también gracias a planes internacionales de intercambio entre diseñadores y artistas. Un número cada vez mayor de estos productos… llegaban al público a través del comercio minorista: como por ejemplo la londinense fundada en 1875 Liberty (Arthur Lasenby Liberty). 
Proliferaron por Europa, Estados Unidos… asociaciones dedicadas a la reforma del diseño, siendo además la base de las futuras escuelas de artes y oficios (actuales escuelas de arte). 
Dada la diversidad de estilos que se agrupan bajo este nombre, es difícil a primera vista determinar que tienen en común las obras pertenecientes al movimiento Arts & Crafts. En realidad, las figuras que        representan este movimiento se unieron en torno a una filosofía más que a una nueva forma de diseño.  

En el movimiento Arts & Crafts sus polifacéticos artistas destacaron en prácticamente todas las artes decorativas sobre todo cerámica y vidrio pero también, joyas, diseño de interiores, de mobiliario y papeles pintados, de artes textiles, tipografía, encuadernación, pintura, libros… En manos de sus  grandes figuras, el arte del vidrio y la cerámica incorporó una sorprendente variedad de métodos y técnicas decorativas. La cerámica se cuenta entre las disciplinas más hermosas, bien realizadas e innovadoras de la vasta y variada producción de los diseñadores Arts & Crafts, desde las robustas piezas de cerámica vidriada hasta las más delicadas creaciones de porcelana. Esta producción fue frecuentemente copiada, utilizando un variado abanico de técnicas, decorada con una gama muy amplia de colores llamativos, esmaltes y barnices, y embellecida aún más con temas que van desde los motivos fantásticos, bestias medievales e intrépidas naves vikingas…


Cuestionario sobre el texto:

1. Marco cronológico y geográfico del movimiento esteticista Arts and Crafts.

2. Analiza la idea del "arte por el arte".

3. Una fuente esencial de inspiración para los artistas de este movimiento fue la época y la literatura...

4. Puntos en común y diferencias entre los dandis y los estetas Arts and Crafts.

5. ¿Qué famoso escritor dublinés, dandi por más señas, dio conferencias sobre el esteticismo Arts and Drafts?

6. ¿En qué artes destacaron los artistas de esta corriente estética?

7. Contradicciones de este movimiento.

8. Trascendencia de William Morris y el Arts and Crafts.

9. Escribe una breve semblanza de William Morris.

10. ¿Con qué movimiento pictórico están relacionados?

El sueño de Dante ante la muerte de Beatriz, Dante Gabriel Rossetti, 1871. Fuente de la imagen: http://prerrafaelistas.blogspot.com.es/2011/11/el-sueno-de-dante-1871.html


sábado, 1 de octubre de 2016

APUNTES FUNDAMENTOS DEL ARTE II TEMA 1. "ARTE DEL SIGLO XIX (I): EL ROMANTICISMO"

Amalia de Llano y Dotres, condesa de Vilches. Federico de Madrazo, 1853, Museo del Prado. Fuente de la imagen: Museo del Prado
¡Saludos!
Aquí os dejo el Tema 1 de Fundamentos del Arte II. ¡Espero que os guste!

miércoles, 21 de septiembre de 2016

ACTIVIDAD PINTURA DEL ROMANTICISMO. TEMA 1 FUNDAMENTOS DEL ARTE II

¡Saludos!
En la actividad de la pintura del Romanticismo, dividiremos la clase en varios grupos -de tres alumnos cada uno-. Cada grupo elaborará un mapa conceptual siguiendo un esquema preestablecido y lo expondrán ante la clase. Trabajaremos las competencias lingüísticas, digital y artística y fomentaremos el trabajo en equipo.
Temporalización: una hora para realizar la actividad y una hora para exponerla (cinco minutos por grupo).

El esquema del análisis y comentario será el siguiente:

*Título de la obra.
*Autor.
*Cronología y estilo.
*Comitente (si es que lo hubo, o si por el contrario, fue hecha  motu propio por el artista)
*Tema.
*Técnica y aspectos formales: composición, color, perspectiva y volumen, luz, hieratismo o dinamismo, ethospathos, etc.
*Influencias.
*Función y significación.

Cuadro 1. La balsa de la Medusa. Théodore Géricault.



Cuadro 2. La libertad guiando al pueblo. Eugène Delacroix.





Cuadro 3. Mujeres de Árgel. Eugène Delacroix.



Cuadro 4. La barca de Dante. Eugène Delacroix.




Cuadro 5. La muerte de Sardanápalo. Eugène Delacroix.




Cuadro 6. La matanza de Quíos. Eugène Delacroix.



Cuadro 7. Caminante en un mar de nubes. Caspar David Friedrich.



Cuadro 8. Lluvia, vapor y velocidad. William Turner.



Cuadro 9. La catedral de Salisbury. John Constable.




Cuadro 10. Los fusilamientos del 3 de mayo de 1808. Francisco de Goya.



Todas las imágenes mostradas en este actividad proceden de la Wikipedia, public domain.