IMPRESIÓN, SOL NACIENTE DE CLAUDE MONET

COMENTARIO DE IMÁGENES: IMPRESIÓN. SOL NACIENTE (IMPRESIONISMO)

“¿Qué representa esta tela? Veamos el catálogo. Impresión, sol naciente. Impresión, estoy seguro; puesto que me siento impresionado, debe haber cierta impresión ahí dentro… ¡Y cuánta libertad, cuánta soltura en la realización! "

Louis Leroy en Charivari, 1874.

 I.               CATALOGACIÓN DE LA OBRA

-Esta lámina nos muestra una imagen de la deslumbrante pintura “Impresión, sol naciente” (Impresión, soleil levant en francés) de Claude Monet. Este cuadro, se conserva en el Museo Marmottan de Paris. En 1985 fue robado y recuperado en 1990.

-El AUTOR de Impresión, sol naciente es Claude MONET,  probablemente el más importante y representativo pintor del Impresionismo (1840-1926). Nació en 1840 en París, en el seno de una familia de comerciantes. Tuvo inicios difíciles en los que no vendía un solo cuadro, siendo los problemas económicos una constante durante buena parte de su vida. Esta circunstancia, ligada a problemas familiares, le llevó a una tentativa de suicidio en 1868. Es el gran pintor de las flores y del agua. Su máxima preocupación es la captación de la luz a distintas horas del día como se observa en la serie de pinturas sobre la catedral de Rouen. En muchas de sus obras camina ya hacia la abstracción. Cuando estalló la guerra franco-prusiana en 1870, tratando de evitar luchar en la guerra, se marchó a Londres con otro impresionista, Pisarro, donde admiraría la obra del romántico Turner.  Allí entraría en contacto con el influyente marchante Durand Ruel. .Viajó también a Italia (Venecia) y Holanda. Al final de su vida su fama fue incrementándose al igual que su cotización, y fue tomando parte en mayor número de muestras - exposiciones Internacionales, individuales y colectivas-.  Murió con 86 años, casi ciego. Entre su prolífica producción artística –llegó a pintar cerca de tres mil cuadros- destacan, las marinas, los paisajes, las flores (los nenúfares en especial), los retratos o la ciudad de París.

-Impresión, sol naciente está fechada en el SIGLO XIX (c. 1872-1873), por lo tanto pertenece al arte contemporáneo. Estilísticamente corresponde a la corriente artística denominada Impresionismo.

Autorretrato, C. Monet, 1886; Fotografía del marchante Paul Durand-Ruel, figura clave en la vida de Monet y en la difusión del impresionismo

Retrato de Claude Monet pintando en su barco-taller en Argenteuil (1874), pintura de Édouard Manet

-Esta obra, realizada con la técnica del óleo, no fue realizada ex profeso, es decir, no fue fruto de un encargo. Fue exhibida por primera vez en Paris, en 1874 durante la primera exposición que realizaron los impresionistas, todavía no conocidos por ese nombre. Tuvo lugar en el estudio del fotógrafo Nadar y acudieron 3500 personas a verla. Fue llamada el “Salón de los Independientes”  puesto que lo habían organizado Monet y otros treinta y ocho pintores al margen de las instituciones oficiales francesas. Y es que por aquel entonces, el único canal oficial con que contaban los pintores para exponer su obra era el Salón, que estaba vinculado a la Escuela de Bellas Artes. Recibieron críticas negativas, especialmente de Louis Leroy, quien al redactar su crónica de la exposición para la publicación Charivari, y haciendo un juego de palabras con el título del cuadro, denominó a la muestra que había visitado como “exposición de los impresionistas”, dando así, nombre a este movimiento. Esta denominación haría fortuna y paulatinamente, lo que empezó como un término despectivo, fue ganándose la apreciación de crítica y público.

-Este cuadro fue comprado por un coleccionista, mecenas y amigo de Monet llamado Ernest Hoschédé. Fue su primer propietario.

Retrato de Hoschédé y una de sus hijas, por Édouard Manet, 1876

-La TEMÁTICA es paisajística, en concreto es una marina. A Monet le apasionaba el mar. Muestra el viejo puerto francés de Le Havre, ciudad vinculada a Monet pues en este lugar pasó parte de su infancia. Al parecer lo pintó durante una estancia con su esposa e hijo en esta ciudad.

Monet explicó el título del cuadro:  

"El paisaje no es otra cosa que una impresión, una impresión instantánea, de ahí el título, una impresión que me dio. He reproducido una impresión en le Havre, desde mi ventana, sol en la niebla y unas pocas siluetas de botes destacándose en el fondo... me preguntaron por un título para el catálogo, no podía realmente ser una vista de Le Havre y dije "pongan impresión".”

-Por lo que se refiere a los ANTECEDENTES del cuadro debemos destacar que las marinas fue un motivo pictórico tratado por los artistas desde tiempos inmemoriales. Forma parte del género del paisaje, con representativos ejemplos del Renacimiento, Barroco, el siglo XVIII o el XIX. En el siglo XIX  fueron un claro precedente de Monet y los impresionistas, los paisajistas de la Escuela francesa de Barbizon –con Corot- a la cabeza y Courbet. Desde el punto de vista técnico, Impresión, sol naciente muestra una influencia muy evidente de las marinas del pintor romántico y preimpresionista inglés Turner. Por lo demás, la principal fuente de inspiración para Monet, más que otros artistas, fue la naturaleza.

-Lo innovador en el caso de Monet es que para este pintor, su objetivo no es tanto la reproducción exacta y realista del “motivo”, sino la impresión que tenemos de ella. Sugiere más que realmente muestra. Por supuesto en su caso, como en Turner, no hay ningún tipo de connotaciones heroicas, históricas, mitológicas o religiosas.

J. Patinir, el pintor holandés precursor del paisaje como género independiente Caronte cruzando la laguna Estigia, c. 1520:; Puerto con el embarque de la reina de Saba, del pintor francés Claudio Lorena (Claude Lorrain), 1648

Playa de Calais con la marea baja (1830) de Turner; puesta de sol (1830-40) de Turner

- Impresión sol naciente es una imagen tomada directamente del natural –en plein air- por Monet en el puerto francés de Le Havre. Muestra las neblinas del puerto al amanecer mientras que el sol despunta. Crea magníficos reflejos anaranjados en el mar y en el cielo, mientras se divisa a lo lejos, la maquinaria del puerto y en planos más cercanos al espectador, varias barcas con figuras.

-El humo de las fábricas, ese humo que es el gran protagonista de la estación de St. Lazare, una de sus obras más destacadas, propicia el juego compositivo de verticales, en paralelo a los reflejos del sol frente a las horizontales de las instalaciones del puerto. Hay profundas diagonales, presumiblemente fruto de la influencia de las estampas japonesas, que tanto marcaron las obras de los impresionistas.

-Monet intenta captar como la luz incide sobre el mar. La luz es siempre el protagonista principal en los paisajes de Monet. La sensación atmosférica está plenamente conseguida.

-La obra muestra un vivo colorido –predominan relajantes azules, anaranjados y verdes- Los colores han sido aplicados con pinceladas rápidas y empastadas, muy abocetadas. El dibujo desaparece, es pura mancha y color. Monet camina ya, así, abiertamente hacia la abstracción.

La estación de Saint-Lazare, de Monet, 1877; Venecia al atardecer, Monet, c. 1908

-La FUNCIÓN o FINALIDAD de este lienzo es simplemente el “arte por el arte”, pintar una escena experimental sobre la incidencia de la luz en el agua en un bellísimo amanecer.

-Por lo que se refiere a los CONSECUENTES y SIGNIFICACIÓN de esta obra, hemos de ponerla en relación con otras pinturas de Monet, en especial sus escenas, paisajes y marinas, realizadas en Francia, pero también en sus viajes a Londres o Venecia. Asimismo, presenta puntos de conexión con las pinturas de sus coetáneos impresionistas como Manet, Renoir o Sisley.

-Monet marcará indeleblemente el arte contemporáneo, no sólo la pintura postimpresionista –especialmente Cézanne y Van Gogh, sino la abstracción en su vertiente más lírica desde Kandinsky, hasta Sam Francis pasando por el expresionismo abstracto de Jackson Pollock o Willen de Kooning entre muchos otros, sin olvidar al gran Mark Rothko.

Adolph Gottlieb, Consecuencias, 1959; Jackson Pollock, Número 9, 1949, 1949; Willem De Kooning, Sin título II, 1979

-En CONCLUSIÓN, esta obra maestra de Monet, fue verdaderamente revolucionaria en su época, ya que anticipaba una nueva manera de captar la realidad: el Impresionismo.
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INTRODUCCIÓN AL IMPRESIONISMO

Saludos,

Con estos vídeos y presentaciones podéis ir repasando lo estudiado en clase. Añado, además, varios extractos de la estupenda miniserie de la BBC llamada "The impressionists":

EL IMPRESIONISMO

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WILLIAM TURNER, UN ROMÁNTICO PRECEDENTE DEL IMPRESIONISMO

Saludos,

W.J.M.Turner (1775-1851) fue un pintor británico, absolutamente genial, de estirpe romántica, que podemos considerar indudablemente como un precedente del Impresionismo y la Abstracción. 

Tiene en concreto dos marinas c. 1830-40 que fueron una clara influencia en Monet (Impresión, sol naciente)

Aquí os dejo varios enlaces a presentaciones para que vayáis disfrutando su obra:

J.M.W. TURNER

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William Turner

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TURNER

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GUSTAVE COURBET

Comentario sobre Los picapedreros de Courbet:

Los picapedreros de courbet

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INTRODUCCIÓN AL REALISMO Y A COURBET

Saludos,
Sobre el Realismo del siglo XIX y sobre Courbet os recomiendo los siguientes enlaces:

Courbet. Los PIcapedreros. Descripción

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Video sobre Courbet del  museo Courbet

Información sobre Courbet del museo de Orsay de París

LA LIBERTAD GUIANDO AL PUEBLO DE DELACROIX

“He emprendido un tema moderno, una barricada, y si no he luchado por la patria, al menos pintaré para ella”.

Eugène Delacroix

I. CATALOGACIÓN DE LA OBRA

-Esta lámina nos muestra una de las obras más emblemáticas del Romanticismo: el 28 de julio, la Libertad guiando al pueblo. Se conserva en el Museo del Louvre de París  pero originalmente estuvo emplazada en el Palacio de Luxemburgo. 

-Su AUTOR es el pintor romántico francés EUGÈNE DELACROIX (1798-1863).  Delacroix  fue considerado de manera unánime como la encarnación del Romanticismo en Francia. Nació en el seno de una importante y acomodada familia, y se crió en un en un ambiente selecto y cultivado. Su padre fue ministro  y su madre era hija del gran ebanista de Luis XV, Jean-François Oeben (1721-1763). Se relacionó con los pintores, músicos y escritores románticos. Sus inicios fueron difíciles y polémicos. Sentía un gran amor por la naturaleza, por las y por lo misterioso. La fantasía, lo macabro y el erotismo se entremezclan en muchas de sus pinturas. Fue un pintor consagrado y muy aclamado, rico, pero muy solitario y de salud enfermiza . Pintor muy literario  y reflexivo, escribió mucho sobre el proceso creativo. Su producción artística es muy extensa, centrada en temas habituales de la pintura del Romanticismo: retratos, paisajes, escenas orientales y exóticas, históricas, literarias y en mucha menor medida cuadros de temática religiosa. Son obras llenas de dinamismo, y sentimiento romántico que no se entienden sin la influencia de la pintura renacentista (Tiziano, Veronés) y barroca (Rubens, Rembrandt, Velázquez, Murillo). Como buen romántico, no pudo sustraerse al interés por Oriente. Sus viajes por el sur de España,  Tánger y Argel, fueron una fuente de inspiración para sus pinturas. También viajó a Gran Bretaña donde estudió allí el Romanticismo inglés (Turner, Constable). Reaccionó frente a la perfección dogmática del Neoclasicismo. Entre la producción pictórica ingente de este Rubens romántico , encontramos la muerte de Sardanápalo, la matanza de Quíos o  Mujeres de Argel. 

                                                            Mujeres de Árgel, 1834

-CRONOLÓGICAMENTE cabe fechar esta obra en 1830. Estilísticamente es una obra plenamente romántica.

-Esta obra no fue realizada ex profeso, es decir no fue fruto de un encargo. Fue exhibida en el Salón  de 1831 y fue adquirida por el rey francés Luis Felipe de Orleans, el “rey burgués”. Costó 3000 francos. En un principio sólo estuvo expuesta unos meses, dado su carácter político, entendido como demasiado incendiario.  Desde 1863 el público la pudo admirar en el Palacio de Luxemburgo (París) y en 1874 pasó al museo del Louvre donde se conserva actualmente. 

 El artista  y el adquiriente de la pintura Libertad guiando al pueblo, el rey y coleccionista Luis Felipe de Orléans. Lo adquirió para el Museo Real

-El cuadro que analizamos es de gran tamaño y está realizado con la técnica del óleo. El TÍTULO alude a un hecho histórico, el triunfo de la Revolución burguesa del 28 de julio de 1830 mediante la cual los liberales franceses derrocaron al rey Carlos X, de la dinastía Borbón, y provocaron la coronación de Luis Felipe de Orleans, el llamado Rey Burgués o rey de las “barricadas”. Estas jornadas históricas acaecieron los días 27, 28 y 29 de julio de 1830. El TEMA, en consecuencia, es de carácter histórico pero a la vez, pertenece al género de la alegoría, en este caso personificado en una mujer que representa la Libertad.  Delacroix no tomó parte activa en los hechos revolucionarias pero si mostró cierta simpatía hacia los mismos. 

-Por lo que se refiere a los ANTECEDENTES del cuadro debemos destacar que la alegoría de la Libertad la representa Delacroix siguiendo la iconografía habitual de esta figura desde la Revolución francesa: suele ser una mujer-diosa tocada con el gorro frigio , el torso desnudo, y otros símbolos tomados de la antigüedad clásica y de la masonería. Aunque la Libertad de Delacroix fue acusada en su época de ser “poco femenina” e incluso “vulgar”. 

Escultura romana con gorro frigio (siglo II a de C); gorro frigio, símbolo revolucionario por antonomasia; Alegoría de la República, A-J.Gros

-Desde el punto de vista formal y artístico, Delacroix presenta influencias de pintores renacentistas como Tiziano o barrocos  como Caravaggio. Goya es también un claro antecedente de esta obra pues sitúa en los fusilamientos del 3 de mayo de 1808 (1814) al pueblo como actor-protagonista de la historia. Y de su amigo y maestro, el romántico Géricault, le influyó una de las obras paradigmática del romanticismo, La balsa de la Medusa. 

Los fusilamientos del 3 de mayo de 1808, Goya       La balsa de la Medusa, Géricault 

-La antesala de la libertad guiando al pueblo podemos rastrearla en varias obras de Delacroix de los años 20 del siglo XIX especialmente en Missolonghi (1826) donde la figura femenina es la alegoría de Grecia ante las ruinas de esta ciudad en lucha contra los turcos. También tiene puntos de conexión con la muerte de Sardanápalo o la matanza de Quíos.

                        Missolonghi; la muerte de Sardanápalo; la matanza de Quíos     

-Esta escena se enmarca en un ámbito  ciudadano, en concreto en la ciudad de París ya que en el fondo derecho de la imagen se vislumbra la Île de la Cité y la catedral de Notre-Dame. -Una mujer que representa a la Libertad, aparece descalza, vestida con una túnica y con el torso desnudo. Lleva en su mano derecha la bandera tricolor francesa, y en la izquierda un rifle. Porta el gorro frigio.  Esta “Marianne”  es el eje central de la obra, el la figura central de la escena. Su corpulencia tiene algo de miguelangelesca y de rubensiana y nos remite también a la estatuaria griega (Venus de Milo, Victoria de Samotracia). Aunque, la Libertad no está representada de una forma abstracta, sino que es una figura alegórica muy sensual y “real”, en verdad es poco creíble que en plena barricada, en pleno lucha, aparezca casi como una estatua griega, portando una bandera sin ser herida. Bajo una apariencia de realidad, se esconde el mito. Recordemos que la “libertad” junto con la “igualdad” y “fraternidad” eran los valores que defendían los revolucionarios de 1789.  Además, resulta paradójico, por otro lado, que esta figura más “real” que “republicana” presente los atributos propios de una Marianne o símbolo de la República, puesto que a raíz de la revolución de 1830 lo que se instauró en Francia fue la monarquía, esta vez no de un Borbón sino de un Orléans constitucional.

  

-Los personajes que acompañan a la  Libertad son miembros de las diferentes clases sociales - un obrero con una espada, un burgués con sombrero de copa portando una escopeta, un adolescente con dos pistolas, etc. - para manifestar que en el proceso revolucionario ha existido amplia participación. Es el pueblo en acción. A los pies de la Libertad, yacen unos soldados. Uno de ellos moribundo parece señalar con la mirada que ha merecido la pena la revolución. 

-La composición, a base de diagonales,  se inscribe en una sólida pirámide cuya base son los cadáveres que han caído en la lucha contra la tiranía, cadáveres iluminados para acentuar su importancia. El vértice de la pirámide es la bandera. Se suceden diversos planos con diferentes figuras. La muchedumbre aparece en actitud de avanzar sobre terreno enemigo entre una intensa polvareda que difumina los contornos e impide contemplar con claridad el grupo de figuras que se sitúa tras la Libertad. Los escorzos y el movimiento de la imagen vuelven a recordar el Barroco, igual que en la Matanza de Quíos o la Muerte de Sardanápalo (ambas obras de Delacroix). Es una obra muy dinámica y agitada, que transmite sentimientos exaltados. La sensación de perspectiva está presente en la obra gracias a los edificios del fondo y a la multitud, que se va alejando y reduciendo en tamaño al fondo del lienzo. La perspectiva aérea está plenamente conseguida. La línea del horizonte es algo inestable. Podemos distinguir dos planos: uno inferior, horizontal, donde se hallan los soldados yacentes,  que representan a los perdedores; y otro superior, con el resto de personajes, que subraya la verticalidad y simboliza la victoria aplastante de la Libertad. 

-Aunque Delacroix centra su atención en los personajes, encontramos referencias especiales, por ejemplo, las torres de Notre Dame se vislumbran al fondo y aparecen además,  brumas y humos de la batalla que diluyen un barrio francés bastante realista. Es una obra de gran expresividad y dramatismo, insuflada de espíritu romántico. -Su  pincelada es muy suelta, pastosa y abocetada, con colores ricos en empaste y luminosidad. En él predomina la mancha sobre el dibujo . Se anticipa, así, a la modernidad pictórica, ya que antepone la fuerza de la expresión a la perfección formal. -El color para Delacroix adquiere un gran protagonismo porque lo utiliza para expresar sentimientos, como es habitual en los pintores románticos. Predominan los ocres y tonos apagados aunque destacan la utilización también de los colores de la bandera francesa: blanco, rojo y azul : los encontramos en la bandera, en los uniformes, en el campesino, incluso en uno de los soldados muertos. Existen contrastes entre luces y sombras. La luz, violenta,  del cuadro es irreal, ilumina la Libertad con la bandera tricolor, una parte del cuerpo del niño que hay a su lado, al moribundo de la chaqueta azul, al muerto del margen inferior izquierdo y las manos y media del hombre del sombrero. En este caso la luz y el color tienen un objetivo en común: potenciar el movimiento. 

-Podemos realizar varias interpretaciones sobre la FUNCIÓN o FINALIDAD de este lienzo. La hipótesis más extendida es que esta pintura presenta una fuerte carga simbólica de cariz político: es una obra claramente propagandística, a mayor gloria de la Libertad y de Francia que parecen ser, según la visión de Delacroix, la misma cosa. Sería la vieja idea de Francia como portadora de valores universales. Es, en definitiva, una forma de ilustrar la Grandeur francesa. Pero en sentido estricto no intenta contar pormenorizadamente un hecho histórico –como si haría una pintura “realista”- sino reflejar el espíritu revolucionario plenamente romántico. Aúna pues, ficción y realidad, alegoría e historia.

-Por lo que se refiere a los CONSECUENTES de esta obra, hemos de ponerla en relación con otras pinturas de Delacroix como la matanza de Quíos o la muerte de Sardanápalo. Su técnica libre y pastosa, muestra un predomino de las investigaciones sintácticas sobre las semánticas, ya que para él, el cuadro era básicamente una “fiesta para la mirada”. Así, casi sin saberlo, estaba, no sólo marcando una profunda huella en la historia del arte, sino que estaba abriendo la vía a todas las revoluciones pictóricas de finales del siglo XIX e inicios del siglo XX. Particularmente relevante sería su influencia en los impresionistas, en los simbolistas, así como en Millet (realista) o Van Gogh (postimpresionista), sobre todo, en la primacía del color sobre la línea. En otro orden de cosas, esta pintura inspiró la elaboración de la Estatua de la Libertad de Nueva York, un regalo que hizo Francia a los Estados Unidos, tan sólo 50 años después de haber sido pintado. También ha influido en la literatura, ya que la figura del joven con las pistolas, parece que fue la inspiración para uno de los personajes de la novela los miserables del romántico Victor Hugo (Gavroche). El influjo de esta pintura también tuvo su eco en la música clásica: el americano George Antheil tituló su sinfonía número 6 After Delacroix, señalando que se había inspirado en el cuadro del artista francés. Y en la música moderna, esta pintura fue utilizada por el grupo Coldplay como cubierta de su álbum Viva la vida.

La estatua de la libertad, Nueva York (1886). Delacroix y su célebre pintura son todo un símbolo de Francia como vemos en este billete de 100 francos (1993) y en un sello francés (1999) 

El album Viva la Vida del grupo de música británico Coldplay también se inspira en Delacroix (2008)

Hay muchísimas reintrepretaciones modernas sobre este cuadro, en la política, en la publicidad, en el arte contemporáneo. Tres ejemplos: un fotomontaje del dadaísta John Heartfield; una de Eirik Malmo y Remy Eik, inspirada en la Guerra de las Galaxias; Gérard Rancinan de su serie “Les métamorphoses” con referencias al burka del integrismo islámico.

-La SIGNIFICACIÓN HISTÓRICA de esta obra, ha sido oscilante. Durante mucho tiempo fue considerada una pintura panfletaria y por eso durante años únicamente fue expuesta esporádicamente. En su época no fue valorada positivamente ni por crítica ni por el público. Sin embargo, andando el tiempo este cuadro se ha convertido en un icono universal de la lucha por la libertad. Es asimismo, un símbolo de la cultura francesa, y en palabras del historiador Argan,  el primer cuadro político de la pintura moderna. Muy probablemente, Argan se olvidaba en su apreciación de Goya…

 En un principio, parte del público y la crítica reaccionaron horrorizados a la libertad guiando al pueblo

-En CONCLUSIÓN, la libertad guiando al pueblo es  la obra maestra del pintor por excelencia del romanticismo francés, Eugène Delacroix.

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SE ESTRENA LA ÓPERA COSI FAN TUTTE EN LA QUE HA COLABORADO LA ESCUELA DE ARTE GRAN CANARIA

¡Saludos!
El próximo viernes se estrena la ópera de Mozart Così fan tutte en la que ha colaborado la Escuela de Arte Gran Canaria. ¡No me lo pierdo por nada del mundo!
Más información pinchando AQUÍ
Y dejo un enlace de esta ópera encontrada en el youtube para ir abriendo boca: