Descripción del blog


Este blog educativo está dedicado a la Historia del Arte en general, y a la Historia de las Artes Decorativas y el Diseño en particular. Apuntes de Fundamentos del Arte I y II. Resúmenes de Historia de la Indumentaria. Cine en el Arte, Arte en el Cine. Todos los textos han sido escritos por la autora del blog, Ana Galván Romarate-Zabala. Si los utilizas, cita las fuentes. Todas las imágenes contenidas en esta web tienen exclusivamente una intencionalidad didáctica. Si alguna imagen empleada vulnera derechos de autor, puede solicitar la retirada del material que considere de su propiedad intelectual. El contenido de mis artículos puede ser descargado libremente, pero por favor, cite la procedencia. Imagen que encabeza el blog: Un Bar aux Folies Bergère, Édouard Manet, c. 1882. Courtauld Institut, Londres. Fuente de la imagen: Wikimedia Commons. Public Domain

viernes, 11 de marzo de 2011

LA HERMANDAD PRERRAFAELITA Y EL MOVIMIENTO ESTETICISTA ARTS & CRAFTS




















La conexión entre pintura y fotografía, a través de la mirada de los prerrafaelitas, se puede contemplar en la exposición Un paseo de amor y de muerte: fotografía prerrafaelita en Gran Bretaña, 1848-1875. Este es el título de la muestra que se exhibe en el Museo d´Orsay de París hasta el 29 de mayo 2011. En palabras del ideólogo de este movimiento, John Ruskin, la fotografía fue "el mejor invento del siglo". Una vez más se hace patente la interconexión entre las diversas artes. El movimiento Arts & Crafts así lo demuestra.
Surgidos en 1848, los prerrafaelistas o prerrafaelitas eran un grupo de artistas que pretendían inspirarse en los pintores italianos –especialmente florentinos y sieneses- anteriores a Rafael (como Filippino Lippi o Sandro Botticelli), realizando una pintura profundamente etérea y simbólica, de clara raíz literaria, romántica y medievalizante. Sus principales representantes fueron William Morris, Edward C. Burne-Jones, Dante Gabriel Rosseti, Millais, Hunt…


Reina Guinevere de William Morris

Los prerrafaelitas estuvieron profundamente relacionados con el movimiento esteticista Arts & Crafts. Este movimiento, que surgió en Inglaterra, tomó verdadera carta de naturaleza en la segunda mitad del siglo XIX impulsado por el poeta, reformar social y pintor, empresario y artista-artesano William Morris. En efecto, William Morris fue su principal impulsor, aunque no el único, ya que contó con la inestimable colaboración de otros artistas e intelectuales como John Ruskin, Edward Burne-Jones, Philip Webb, y ocasionalmente Dante Gabriel Rossetti.

Partiendo de las teorías de Ruskin y de su interés por los gremios medievales, Morris rechaza el historicismo imperante, pero paradójicamente tomando al mismo tiempo como modelo a la Edad Media, la época en que las obras de arte “están hechas no para unos pocos, sino para el pueblo”. De aquí surge una idea de un arte socializado, en el que el artesano debe conservar su individualismo frente a la masificación de la producción en serie. Así, este movimiento tuvo una fuerte carga social, incluso política. Por un lado, reivindicaban la valoración de las artes decorativas, por otro lado criticaban el diseño industrial donde era frecuente la mala calidad, y el exceso ornamental. Estaban convencidos de la perniciosa influencia que tales creaciones ejercían en la sociedad. Confiaban así en mejorar la calidad del diseño y fortalecer así el carácter de la sociedad en su conjunto. Lucharon por recuperar los métodos tradicionales de fabricación artesanal en clara competencia con las técnicas de producción industrial y además trataron de mejorar las condiciones laborales de los artistas y artesanos, fomentando la colaboración artística entre todos los trabajadores. Reaccionaban contra la pérdida de belleza y calidad que había supuesto la influencia de la industria en la producción de objetos artísticos. Criticaban las máquinas, los nuevos materiales y la baja calidad de los productos.Los reformadores confiaban en mejorar el diseño volviendo a las condiciones de trabajo que ellos imaginaban anteriores a la Revolución Industrial. Querían ser la alternativa a los productos de la era industrial. La fealdad de la vida moderna en las ciudades debía ser combatida volviendo a reivindicar la artesanía. Se nutrían de un profundo desagrado para el moderno capitalismo industrial, que iba más allá de lo meramente sentimental y tenía connotaciones políticas, sociales, estéticas y económicas.
Los artistas Arts & Crafts se instalaron en ambientes rurales, lejos de lugares vinculados a la revolución industrial.

Red House, la casa Arts & Crafts de William Morris

Realizaron todo tipo de piezas de artes decorativas desde mobiliario hasta cerámica, pasando por textiles, papeles pintados o vidrieras. Cuidaban mucho el diseño y la ejecución final. Y es que se oponían a la arbitraria división entre “artes mayores-menores” y predicaban la igualdad de las artes. Podemos decir que con este movimiento se inicia una nueva apreciación de las artes decorativas por toda Europa.

Ofelia, John Everett Millais

Morris y sus seguidores consideraban que la reforma del diseño era imposible sino iba precedida de cambios políticos, sociales y económicos. Lucharon por conciliar sus ideales estéticos y políticos.

Morris deseaba, además, que sus productos tuviesen un precio asequible, pero el empeño que puso en utilizar la técnica y estética artesanales hasta sus últimas consecuencias entraba en conflicto con la necesidad de emplear técnicas de fabricación en masa que redujeran costes y ayudaran a eliminar algunas tareas penosas. Fue un dilema que nunca fue capaz de resolver totalmente y que continuó atormentando a sus seguidores. Creían en que el arte y la arquitectura tenían la capacidad de redimir y mejorar la sociedad, idea que se repetirá en muchas manifestaciones del movimiento Arts & Crafts, tanto en Europa como en los Estados Unidos.



La mayor controversia o polémica que se alzó con este movimiento –ya que nadie jamás ha negado su valor estético- fue su carácter poco práctico en el mundo moderno. Algunos progresistas clamaban que este movimiento quería dar marcha tras a las agujas del reloj. No era práctico para una sociedad industrial y urbana. Por otro lado, un crítico de arte señaló que se convirtió en “la obra de unos pocos para unos pocos”. A & C presentaba una gran paradoja: era un movimiento de cariz socialista utópico, hacían todas las piezas artesanalmente y deseaban que fueran para todo el mundo, pero al ser piezas tan artesanales, resultaron ser carísimas y por tanto para unos pocos. En los años 90 del siglo XIX la pasión por este movimiento se expandió y el movimiento llegó a ser más difuso y menos identificable con un único grupo de personas. Sus ideas se difundieron por otros países, identificado con un creciente interés internacional por el diseño. Aunque el éxito económico de los diseñadores A & C fue limitado, la verdad es que inspiró a todo un conjunto de imitadores, tanto en ambientes rurales como urbanos, donde grupos de arquitectos, diseñadores, artesanos, y críticos formaron organizaciones dedicadas a la reforma del diseño en Gran Bretaña, Europa y Estados Unidos.
Este movimiento tuvo una gran aceptación internacional: en Estados Unidos, resto de Europa, etc. se acabó convirtiendo en un fenómeno internacional. Esta aceptación se debe sus productos se anunciaban en un número creciente de publicaciones de gran tirada internacional como The Craftsman, Art et Décoration

La filosofía del movimiento fue durante las últimas décadas del siglo XIX el tema de numerosas giras internacionales de conferencias, dirigidas por figuras tan preeminentes como Christopher Dresser, Oscar Wilde, Walter Crane o C. R. Ashbee. Sus planteamientos fueron transmitidos a través de viajes, cursos en el extranjero y también gracias a planes internacionales de intercambio entre diseñadores y artistas. Un número cada vez mayor de estos productos llegaban al público a través del comercio minorista: como por ejemplo la londinense fundada en 1875 Liberty (Arthur Lasenby Liberty). Proliferaron por Europa y Estados Unidos asociaciones dedicadas a la reforma del diseño, siendo además la base de las futuras escuelas de artes y oficios (actuales escuelas de arte).

lunes, 28 de febrero de 2011

SELECTION by Jaime Hayón

El diseñador Jaime Hayón (Madrid, 1974) expone en la galería OA de Madrid (calle Justiniano 8) sus objetos de diseño, sus platos venecianos y su "Metrópolis" LLadró, una ciudad en porcelana que ha causado sensación. La exposición se puede visitar hasta el día 15 de abril. Para más información sobre este genial artista y profesor del prestigioso Istituto Europeo di Design de Madrid, podéis consultar:



Patricia Urquiola, ¿ceramista?


En propiedad sería más correcto denominarla como diseñadora de piezas cerámicas. Hoy en día es cada vez más evidente que la frontera entre las distintas disciplinas del diseño es cada vez más tenue. Patricia Urquiola o Jaime Huyón son dos buenos ejemplos de ello.

Patricia Urquiola (1961) es la más internacional de nuestras diseñadoras españolas. Esta prestigiosa arquitecta asturiana, afincada en Milán, está dedicada en cuerpo y alma al diseño en sus múltiples vertientes: mobiliario, diseño de interiores, textiles, joyas y por supuesto cerámica, en concreto porcelana.

De hecho ha expuesto sus piezas cerámicas en el Design Museum de Londres (Purely porcelain 2009). Son obras que combinan su estilo minimal y a la vez hiperdecorativo, realizadas por encargo para la manufactura Rosenthal. Tipológicamente, son vajillas, jarrones, azulejos, juegos de té…

Colabora con las empresas más punteras del diseño como Moroso, B&B, Viccarbe, Depadova, Kartell, Kettal, Foscarini o Ensci y el MOMA de Nueva York cuenta entre sus fondos con piezas de esta artista. Como curiosidad, podemos señalar que Ulquiorra Cifer, uno de los personajes del manga y anime Bleach está inspirado en su nombre.

MÁS IMÁGENES DE PIEZAS CERÁMICAS DISEÑADAS POR PATRICIA URQUIOLA




domingo, 20 de febrero de 2011

BERNINI, ESENCIA DEL BARROCO

En mi opinión, Gian Lorenzo Bernini es el mejor escultor de todos los tiempos. Visitar la romana Villa Borghese implica extasiarse ante sus obras escultóricas de una intensidad y perfección inusitadas. Ahora que estamos estudiando el Barroco, ese segundo Renacimiento, os enlazo varios videos para que disfrutéis de este movimiento cultural tan completo, que tuvo en Bernini a uno de sus principales representantes, no sólo en escultura sino también, por supuesto, en arquitectura.
Apolo y Dafne
David
El rapto de Proserpina
Extasis de Santa Teresa
Beata Ludovia Albertoni
En la imagen, otra impresionante escultura de Bernini, Eneas, Anquieses y Ascanio, Galeria Borghese, 1619.

jueves, 27 de enero de 2011

Un paseo casi real por el Museo Thyssen

Poned la pantalla completa y disfrutad de esta visita virtual por el Museo Thyssen.
Podéis elegir planta y sala, pinchando
aquí.

domingo, 23 de enero de 2011

La cerámica como propaganda política: la Revolución Francesa

En ocasiones, por increíble que parezca, las artes decorativas, en este caso la cerámica, sirven como vehículo de transmisión de nuevas ideas y de propaganda política. Así sucedió durante la etapa convulsa de la Revolución Francesa. Se la denomina como "faïence révolutionnaire" y se produjo entre los años 1789 a 1799. Los motivos decorativos muestran emblemas, símbolos y acontecimientos de la Revolución. No faltan tampoco referencias a la francmasonería. La producción de estas piezas, en su mayoría platos, se produjo no en París ni en Versalles donde se desarrollan los principales acontecimientos revolucionarios, sino en las provincias sobre todo en las manufacturas de Nevers, ciudad en la que tuvo un gran desarrollo la técnica de la mayólica durante el Renacimiento y el Barroco. Por otro lado, durante la III República, coincidiendo con el primer aniversario de la Revolución Francesa, se produjeron una gran cantidad de copias de estas piezas como forma de reivindicar uno de los acontecimientos más transcendentales de la historia mundial.